Cinéfila por Natureza

Estamos de Mudança!

2008-06-16T11:35:00.000-07:00

Por dois anos e sete meses, o Blogspot foi a casa do Cinéfila por Natureza. Através deste espaço, conhecemos uma vasta rede de blogueiros cinéfilos e colocamos em prática nosso propósito de discutir cinema, TV e premiações. Entretanto, chegou o momento do blog alçar um pequeno vôo e iniciar uma nova história.

A partir de hoje, convido a todos para visitar a nova casa do Cinéfila por Natureza. Portanto, atualizem suas listas de links para:

http://cinefilapornatureza.wordpress.com/

Espero contar com a presença de todos por lá!

Abraços!

Atenciosamente,
Kamila

Divulgado o trailer de "Miracle at St. Anna"

2008-06-13T09:58:00.000-07:00

Recentemente, o nome do diretor Spike Lee foi envolvido em um grande imbróglio com a lenda do cinema norte-americano, o ator, diretor e produtor Clint Eastwood. Aquele acusou este de ser racista por não ter escalado nenhum ator negro para seus filmes “A Conquista da Honra” e “Cartas de Iwo Jima”. Tais declarações foram feitas enquanto Lee dava uma entrevista para promover seu mais novo projeto “Miracle at St. Anna”, filme que conta a história de quatro soldados negros que estão servindo ao Exército dos Estados Unidos, durante a II Guerra Mundial, na Itália. Perdidos de sua tropa, em um país no qual são tratados com muito pouco respeito, o grupo encontra o calor da humanidade em um vilarejo da região Toscana.

O trailer do filme foi liberado ontem e pode ser visto aqui:

Para ver o poster de “Miracle at St. Anna”, é só visitar o blog Museu do Cinema.

Sex and the City - O Filme (Sex and the City, 2008)

2008-06-12T11:43:00.000-07:00

Por seis temporadas, o público de todo o mundo seguiu atentamente às crônicas das vidas de quatro amigas bem-sucedidas, independentes e donas de personalidades bastante específicas. Através dos textos escritos por Carrie Bradshaw (Sarah Jessica Parker) para a sua coluna, acompanhávamos a busca delas por um grande amor (seja ele temporário ou permanente) em meio a todas as tentações trazidas pela vida em Nova York, uma metrópole cheia de luxo, poder e riqueza.

Quatro anos após o término do seriado “Sex and the City”, em 2004, o diretor e roteirista Michael Patrick King (que, pelo seu trabalho no programa, foi indicado a 11 Emmys, dos quais venceu dois) transpõe todo este universo para a grande tela. O filme baseado na série já começa com o pé direito ao nos mostrar – durante os créditos iniciais – que pouco mudou na vida das quatro amigas: Carrie continua com Mr. Big (Chris Noth); Charlotte York (Kristin Davis) é uma mulher plena e feliz ao lado do marido Harry Goldenblatt (Evan Handler) e da filha adotiva Lily (Alexandra Fong); Miranda Hobbs (Cynthia Nixon) persiste ao lado de Steve (David Eigenberg) e do filho Brady (Joseph Pupo); e Samantha Jones (Kim Cattrall, ótima) permanece ao lado de Smith Jarrod (Jason Lewis), que se transformou num ator de sucesso em Los Angeles.

A grande questão abordada pelo roteiro de “Sex and the City – O Filme” é o término da felicidade ou das múltiplas possibilidades que a vida a dois nos proporciona. Isto está bem representado pela crise no relacionamento entre Samantha e Smith, pela separação de Miranda e Steve e pelo cancelamento da união entre Carrie e Mr. Big (que se chama, na realidade, John James Preston). Aqui, o longa retoma o grande tema do seriado: a única relação permanente que as quatro amigas irão vivenciar, de forma plena, é aquela de amizade, companheirismo e diversão existente entre elas.

Se no caso de outros filmes baseados em programas de TV, como “Os Simpsons – O Filme”, o grande problema era a sensação da obra como sendo um episódio prolongado da série; o de “Sex and the City – O Filme” se encontra na maneira como a qual o diretor Michael Patrick King nos apresenta seu roteiro. Em 148 minutos, ele aborda temas que seriam desenvolvidos em uma temporada inteira de 23 episódios. Ou seja, tudo acontece muito rápido – e de forma muito superficial. Mesmo assim, o carisma das atrizes que interpretam as quatro amigas é suficiente para nos fazer deixar isso de lado, bem como a previsibilidade do roteiro. No final, “Sex and the City – O Filme” acaba servindo como uma conclusão mais que adequada à jornada de Carrie Bradshaw, Miranda Hobbs, Samantha Jones e Charlotte York.

Cotação: 7,0

Sex and the City - O Filme (Sex and the City, EUA, 2008)
Diretor(es): Michael Patrick King
Roteirista(s): Michael Patrick King (baseado na obra de Candace Bushnell e no seriado criado por Darren Starr)
Elenco: Sarah Jessica Parker, Kim Cattrall, Kristin Davis, Cynthia Nixon, Chris Noth, Candice Bergen, Jennifer Hudson, David Eigenberg, Evan Handler, Jason Lewis, Mario Cantone, Lynn Cohen, Willie Garson, Joanna Gleason, Joseph Pupo

O Banheiro do Papa (El Baño del Papa, 2007)

2008-06-11T13:58:00.000-07:00

“O Banheiro do Papa”, filme dirigido por Enrique Fernández e César Charlone, é inspirado em fatos reais e sem passa no ano de 1988, quando o então Papa João Paulo II decidiu visitar Melo, uma cidade uruguaia que faz fronteira com o Brasil. Na ocasião, as previsões mais otimistas indicavam que cerca de 50 mil pessoas iriam visitar a localidade. Os habitantes de Melo – que, na sua maioria, são pessoas bastante humildes –, vislumbrando uma oportunidade fácil para ganhar dinheiro, começam a se organizar em barracas com o objetivo de vender diversas mercadorias aos visitantes.

O roteiro de Enrique Fernández e César Charlone prefere colocar um enfoque maior em Beto (César Troncoso, numa ótima atuação), que trabalha como muambeiro trazendo mercadorias pela fronteira, e sua família – a qual é formada pela esposa Carmen (Virginia Méndez) e pela filha Silvia (Virginia Ruiz). Atormentado pelas dores constantes no joelho, Beto quer trocar a sua bicicleta surrada por uma motocicleta. Aproveitando a visita do Papa à sua cidade, Beto tem uma idéia que considera ser genial: construir um banheiro para que os visitantes interessados em ver o Papa possam se aliviar durante a passagem da Santidade por Melo.

Apesar de possuir uma premissa muito original e que, em alguns momentos, é muito engraçada, “O Banheiro do Papa” é, na sua essência, um filme sobre a pessoa comum. O longa fala sobre gente trabalhadora e sonhadora. No entanto, o que os diretores Enrique Fernández e César Charlone nos lembram é que, após um certo momento de euforia, todos somos confrontados com a nossa verdadeira realidade. E isso pode ser duro de se aceitar, porém, com uma boa dose de bom humor e de fé, tudo pode ficar melhor.

Cotação: 8,9

O Banheiro do Papa (El Baño del Papa, Uruguai, Brasil, França, 2007)
Diretor(es): César Charlone, Enrique Fernández
Roteirista(s): César Charlone, Enrique Fernández
Elenco: César Troncoso, Virginia Méndez, Mario Silva, Virginia Ruíz, Nelson Lence, Henry De Leon, Jose Arce, Rosario Dos Santos, Hugo Blandamuro

Divulgado o trailer de "The Edge of Love"

2008-06-10T10:50:00.000-07:00

Ao final do trailer de “The Edge of Love”, filme do diretor John Maybury (“Camisa de Força”), chama a atenção a frase de uma revista feminina que diz que: “é como ‘Desejo e Reparação’, sendo que melhor”. Além de ser injusta com o filme de Joe Wright, a afirmação é totalmente imprópria, já que o roteiro escrito por Shaman Macdonald (mãe da atriz Keira Knightley) tem muito pouco a ver com a história baseada no livro de Ian McEwan.

“The Edge of Love” conta a história de duas mulheres – Vera Phillips (Keira Knightley) e Caitlin MacNamara (Sienna Miller) – que tinham tudo para ser rivais, mas acabaram virando grandes amigas. É através delas que somos apresentados às paixões e caminhos percorridos pelo famoso poeta Dylan Thomas (Matthew Rhys) em uma trama que mistura bastante os sentimentos de desejo, amizade e culpa.

O filme ainda nem tem data de estréia definida para os Estados Unidos, mas o trailer de “The Edge of Love” já está sendo divulgado na Internet. Você pode assisti-lo aqui:

Premiere de "O Incrível Hulk" em Los Angeles

2008-06-09T06:49:00.001-07:00

Aconteceu ontem, na Universal City, em Los Angeles, a premiere do filme “O Incrível Hulk”, do diretor francês Louis Leterrier. O evento contou com a presença dos astros do filme, Liv Tyler e Edward Norton, bem como com as do presidente da Universal Pictures, Ron Mayer, e dos chefões da Marvel, Avi Arad e Kevin Feige. Fato este que prova que, mesmo com todos os rumores de que existiam discordâncias entre os envolvidos no filme, o que importa é o sucesso da nova investida do Monstro Verde nos cinemas.

Especialmente após a bem-sucedida trajetória de “Homem de Ferro”, de Jon Favreau, cresce a responsabilidade de “O Incrível Hulk” ir bem na bilheteria. As primeiras reações ao filme começam a sair em sites como o “Ain’t It Cool News” e elas são muito boas:

“Eu estava pensando que iria assistir ao filme e que o CGI iria tirar o foco de toda a história, mas isso nunca aconteceu. A fotografia e o CGI foram incrivelmente filmados. Eu adorei o Hulk neste filme tanto quanto eu adorava o personagem nas histórias em quadrinhos. Ed Norton está incrível como Bruce Banner. Mas, e o Hulk? Posso dizer que, pela primeira vez, num filme, o personagem ganhou vida para mim. É tão maravilhoso quanto ‘Homem de Ferro’? Não, mas, mesmo assim, é um ótimo filme de super-heróis que continua a me dar esperanças em relação aos próximos filmes da Marvel”.

“O filme é bom e o mais importante: dá um verdadeiro propósito ao Hulk. Ele não é somente um grande instrumento verde jogando tanques. O homem tem muito a colocar em risco. Edward Norton foi uma escolha inspirada para o personagem, com uma alma torturada, você realmente torce por Banner. Excelentes créditos iniciais, que apresenta muito sobre o personagem àqueles que não o conhecem bem. A Marvel deveria ter feito isso há muito tempo: começar a fazer justiça aos seus próprios heróis”.

A boa notícia é que os fãs brasileiros não vão ter que esperar muito tempo para assistir “O Incrível Hulk”, já que o filme será lançado mundialmente nesta sexta-feira, dia 13 de Junho.

Angel (Angel, 2007)

2008-06-06T11:16:00.000-07:00

Na teoria, Angel Deverell (Romola Garai) teve uma vida perfeita. Filha de um modesto comerciante, sua maior característica era possuir uma incrível capacidade de imaginação. Angel sonhava em ser uma escritora famosa e se recusava a atender aos apelos da mãe (Jacqueline Tong) para que voltasse à sua realidade. Ainda bem que ela não fez isso, já que, não só se tornou uma autora de fama, riqueza e sucesso, como também comprou a Mansão Paraíso (casa pela qual ela sempre passava antes de ir à escola, na juventude) e se casou com o homem de seus sonhos, o pintor Esmé Howe-Nevinson (Michael Fassbender) – irmão de sua fiel assistente Nora (Lucy Russell, numa boa performance).

No entanto, o que o roteiro de “Angel” – o qual foi escrito pelo francês François Ozon com base no livro de Elizabeth Taylor (por favor, não confundir com a atriz de mesmo nome) – nos mostra é que a personagem principal do longa é muito mais do que uma jovem de imaginação fértil. A realidade criada por Angel, em seus livros, é somente um reflexo do mundo que ela acredita habitar. Por isso ficamos com a sensação de que a escritora, na realidade, é o grande personagem de uma fábula que ela mesma tenta entender ou, para fazer uma analogia com a sua profissão, colocar no papel.

A riqueza do roteiro escrito pelo diretor François Ozon é somente um dos elementos positivos de “Angel”. A personagem título é tão complexa e interessante que é até curioso saber que Ozon escreveu todo esse filme tendo em mente a inglesa Romola Garai (pronuncia-se Romollah Garry). Quando vemos a atriz, que tem 25 anos, entendemos o por quê de ela ter sido a primeira – e única – escolha do francês. Garai possui um rosto e uma beleza bem clássicos, além de uma certa vulnerabilidade, que caem como uma luva para essa história e entrega uma performance que, a princípio, pode soar exagerada, mas, na verdade, é muito corajosa e de pura entrega a uma personagem que está imersa dentro de sua própria realidade.

Além dos elementos que já foram citados, chama a atenção no trabalho de François Ozon, em “Angel”, o cuidado que o diretor teve com os detalhes. A direção de arte, os figurinos, a trilha sonora e a fotografia (alguns enquadramentos utilizados no filme são maravilhosos) contribuem para toda uma atmosfera que faz com que “Angel” seja visto como um filme à moda antiga. O longa tem uma aura muito clássica (que remete, por exemplo, aos filmes de George Cukor – um diretor que adorava histórias centradas em personagens femininas fortes), mas, na sua essência, é uma obra que mistura fantasia e realidade e nos mostra que, não importa onde a personagem título esteja, ela não pode fugir do sofrimento que marcará os últimos anos de sua existência.

Cotação: 9,5

Angel (Angel, Inglaterra, Bélgica, França, 2007)
Diretor(es): François Ozon
Roteirista(s): François Ozon com a colaboração de Martin Crimp nos diálogos (tendo como base a obra de Elizabeth Taylor)
Elenco: Romola Garai, Sam Neill, Lucy Russell, Michael Fassbender, Charlotte Rampling, Jacqueline Tong, Janine Duvitski, Christopher Benjamin, Tom Georgeson, Simon Woods, Jemma Powell, Alison Pargeter, Seymour Matthews, Una Stubb, Rosanna Lavelle

Ladrão que Rouba Ladrão (Ladrón que Roba a Ladrón, 2007)

2008-06-05T10:55:00.000-07:00

A não ser no caso de filmes como “Onze Homens e um Segredo”, “Doze Homens e um Outro Segredo” e “Treze Homens e um Novo Segredo”, é muito difícil que um longa que fale a respeito do planejamento de um roubo tenha um pouco de senso de humor. “Ladrão que Rouba Ladrão”, do diretor Joe Menendez, está aí para colocar esta teoria à prova, já que seu roteiro (que foi escrito por JoJo Henrickson) mostra a arquitetura de um roubo através de uma mistura – bem-sucedida, diga-se de passagem – de ação, aventura e comédia.

O alvo do atrapalhado grupo de ladrões – o qual é formado por Alejandro Toledo (Fernando Colunga, o galã de novelas mexicanas como “Maria do Bairro” e “A Usurpadora”), Emilio Lopez (Miguel Varoni), Rafaela (Ivonne Montero), Miguelito (Oscar Torres), Rafa (Ruben Garfias), Anival Cano (Gabriel Soto) e Julio Miranda (JoJo Henrickson) – é Moctesuma Valdez (Saúl Lisazo, outro popular galã de novelas mexicanas), um famoso guru de infomerciais e que fez fortuna ao vender produtos de caráter duvidoso para sofridos imigrantes latinos.

Se tivéssemos que citar somente um ponto alto de “Ladrão que Rouba Ladrão”, teríamos que falar a respeito do roteiro de JoJo Henrickson, o qual faz um verdadeiro jogo conosco. O tempo todo temos a impressão de que o plano do grupo de ladrões tem tudo para dar errado – já que depende da instalação de uma greve na empresa de Moctesuma Valdez e de uma série de pequenas ações que devem acontecer de forma perfeita na noite em que o alvo do plano receberá o prêmio de Empresário Latino do Ano. Por mais que tenha uma primeira reviravolta bastante previsível, o roteiro do longa volta a nos surpreender perto do final, quando o filme entra por um caminho que tinha tudo para soar demagógico, mas que, após uma breve reflexão, acaba tendo tudo a ver com o inusitado grupo de ladrões que colocou tudo isso em prática em primeiro lugar.

Cotação: 7,0

Ladrão que Rouba Ladrão (Ladrón que Roba a Ladrón, EUA, 2007)
Diretor(es): Joe Menendez
Roteirista(s): JoJo Henrickson
Elenco: Fernando Colunga, Miguel Varoni, Saúl Lisazo, Ivonne Montero, Oscar Torre, Ruben Garfias, Gabriel Soto, Julie Gonzalo, JoJo Henrickson, Sonya Smith, Richard Azurdia, Jon Molerio, Eduardo Antonio Garcia, Rick Najera, Lidia Pires

Anúncio dos Indicados ao TCA Awards 2008

2008-06-04T09:26:00.000-07:00

A Television Critics Association, que representa mais de 200 jornalistas que escrevem sobre a televisão nos Estados Unidos e no Canadá, anunciou no dia 02 de Junho os indicados à edição deste ano do TCA Awards, que homenageia o que de melhor foi produzido na televisão no ano corrente, além de reconhecer programas que deixaram uma bela herança ao meio.

Os grandes destaques da lista deste ano são os seriados “Mad Men” (AMC) e “The Wire” (HBO), que conseguiram 4 indicações cada um.

A lista completa de indicados ao TCA Awards 2008 é formada pelos seguintes programas e atores:

PROGRAM OF THE YEAR
"John Adams" (HBO)
"Lost" (ABC)
"Friday Night Lights" (NBC)
"Mad Men" (AMC)
"Ken Burns' The War" (PBS)
"The Wire" (HBO)

OUTSTANDING ACHIEVEMENT IN COMEDY
"30 Rock" (NBC)
"The Colbert Report" (Comedy Central)
"The Daily Show" (Comedy Central)
"Flight of the Conchords" (HBO)
"The Office" (NBC)

OUTSTANDING ACHIEVEMENT IN DRAMA
"Damages" (FX)
"Friday Night Lights" (NBC)
"Lost" (ABC)
"Mad Men" (AMC)
"The Wire" (HBO)

OUTSTANDING ACHIEVEMENT MOVIES, MINI-SERIES AND SPECIALS
"John Adams" (HBO)
"Masterpiece: Cranford" (PBS)
"Masterpiece: Jane Austen Collection" (PBS)
"Ken Burns' The War" (PBS)
"A Raisin in the Sun" (ABC)

OUTSTANDING NEW PROGRAM
"Breaking Bad" (AMC)
"Damages" (FX)
"Flight of the Conchords" (HBO)
"Mad Men" (AMC)
"Pushing Daisies" (ABC)

INDIVIDUAL ACHIEVEMENT IN COMEDY
Christina Applegate ("Samantha Who?")
Alec Baldwin ("30 Rock")
Stephen Colbert ("The Colbert Report")
Tina Fey ("30 Rock")
Ray Wise ("Reaper")

INDIVIDUAL ACHIEVEMENT IN DRAMA
Connie Britton ("Friday Night Lights")
Glenn Close ("Damages")
Paul Giamatti ("John Adams")
Jon Hamm ("Mad Men")
David Simon ("The Wire")

OUTSTANDING ACHIEVEMENT IN CHILDREN'S PROGRAMMING
"Curious George" (PBS)
"High School Musical 2" (The Disney Channel)
"Hannah Montana" (Disney Channel)
"Word Girl" (PBS)
"Yo Gabba Gabba" (Nickelodeon)

OUTSTANDING ACHIEVEMENT IN NEWS AND INFORMATION
"Alive Day Memories" (HBO)
"This American Life" (Showtime)
"Frontline" (PBS)
"Nimrod Nation" (Sundance Channel)
"Ken Burns' The War" (PBS)

HERITAGE AWARD
"M*A*S*H" (CBS)
"Roots" (ABC)
"Saturday Night Live" (NBC)
"Sesame Street" (PBS)
"The Wire" (HBO)

CAREER ACHIEVEMENT
James Garner
Lorne Michaels
Bill Moyers
William Shatner
Mike Wallace

A entrega dos prêmios acontecerá no dia 19 de Julho de 2008, em Los Angeles, dois dias após o anúncio dos indicados ao Primetime Emmy Awards 2008.

As Crônicas de Nárnia - Príncipe Caspian (The Chronicles of Narnia - Prince Caspian, 2008)

2008-06-03T13:23:00.001-07:00

Quando foram transportados, pela primeira vez, ao mundo de Nárnia, os irmãos Pevensie – Lucy (Georgie Henley, que continua sendo a melhor personagem e atriz da série), Edmund (Skandar Keynes), Peter (William Moseley) e Susan (Anna Popplewell) – encontraram um local muito bonito e mágico no qual as árvores dançavam e os animais falavam. Na realidade, tanta beleza escondia a verdadeira característica de Nárnia: a localidade é marcada por uma disputa de poder ferrenha, caracterizada por batalhas duras e sangrentas.

A trama de “As Crônicas de Nárnia – Príncipe Caspian”, mais uma vez sob a direção de Andrew Adamson, acontece um ano após o término do que assistimos em “As Crônicas de Nárnia – O Leão, a Feiticeira e o Guarda-Roupa”. No entanto, se formos considerar o tempo de Nárnia, faz mais de mil anos que os irmãos Pevensie não pisam no local. Portanto, na segunda vez em que eles são transportados para Nárnia, os irmãos vão se deparar novamente com um domínio político intransigente e com a missão de livrar os habitantes do local do governante que tanta dor e discórdia lhes trouxe.

Após o nascimento de seu primeiro filho, o Lorde Miraz (Sergio Castellitto) decide assassinar o seu sobrinho (e herdeiro do trono de Nárnia), Príncipe Caspian (Ben Barnes). Ao descobrir o plano, o mentor do Príncipe pede para que ele fuja. Ao se deparar com a verdadeira realidade do seu reino, Caspian toma a resolução de retomar seu lugar no comando de Nárnia. E é aí que entram os irmãos Pevensie, que irão ajudar o Príncipe a lutar contra as tropas reunidas por Miraz e seus aliados.

Assim como aconteceu com “As Crônicas de Nárnia – O Leão, a Feiticeira e o Guarda-Roupa”, o ponto alto de “As Crônicas de Nárnia – Príncipe Caspian” é a parte técnica do filme. Os trabalhos de direção de arte, de figurinos, de trilha sonora e de efeitos visuais podem muito bem ser considerados ao Oscar 2009. No entanto, o filme peca um pouco no roteiro – que foi escrito por Andrew Adamson, Christopher Markus e Stephen McFeely com base na obra do escritor C.S. Lewis. Personagens novos como o Príncipe Caspian e Lorde Miraz são muito mal desenvolvidos e o filme falha em explicar alguns dos detalhes importantes da obra, como a ausência de Aslan (o leão dublado por Liam Neeson) em boa parte da trama e, principalmente, no final, quando indica os caminhos que a franquia irá seguir em filmes futuros.

Cotação: 7,5

As Crônicas de Narnia – Príncipe Caspian (The Chronicles of Narnia: Prince Caspian, Inglaterra, EUA, 2008)
Diretor(es): Andrew Adamson
Roteirista(s): Andrew Adamson, Christopher Markus, Stephen McFeely (com base na obra de C.S. Lewis)
Elenco: Ben Barnes, Georgie Henley, Skandar Keynes, William Moseley, Anna Popplewell, Sergio Castellitto, Peter Dinklage, Warwick Davis, Vincent Grass, Pierfrancesco Favino, Cornell John, Damián Alcázar, Alicia Borrachero, Simón Andreu, Predrag Bjelac

A Vida é Dura (Walk Hard - The Dewey Cox Story, 2007)

2008-06-02T14:19:00.000-07:00

Os filmes que retratam a vida de grandes nomes da música já se tornaram parte de um gênero próprio. Na maior parte das vezes, os roteiros desses longas possuem uma mesma estrutura e nos mostram a vida desses astros começando com a infância deles. Se eles passaram por algum trauma nesse período (como foi o caso de Ray Charles e de Johnny Cash), vemos como esse momento foi determinante para a vida deles. Aí, assistimos ao tortuoso caminho até o alcance da fama e como eles se entregam às tentações da estrada, sacrificando seus relacionamentos pessoais. E terminamos com o momento da redenção do artista. No entanto, um ponto é principal nesse tipo de filme: o legado musical daquele que é retratado.

No show business, se você é alvo de alguma sátira, é porque algo está dando muito certo. Então, se as cinebiografias dos músicos possuem um bom prestígio e atraem a atenção das premiações, por quê não fazer uma sátira brincando com esse tipo de filme? Foi justamente isso que fez o diretor Jake Kasdan (filho de Lawrence Kasdan), que ao lado do aclamado Judd Apatow, escreveu o roteiro de “A Vida é Dura”, longa que conta a história de Dewey Cox (John C. Reilly, que foi indicado ao Globo de Ouro 2008 de Melhor Ator num Filme de Comédia ou Musical pela sua performance nesta obra), um cantor que é uma mistura de Ray Charles e Johnny Cash e que, com seu rock espiral e dançante, criou músicas que marcariam uma época.

O roteiro de Jake Kasdan e Judd Apatow segue bem a cartilha do gênero e mostra Dewey Cox como um menino de infância sofrida, que perdeu o irmão (Chip Hormess) cedo, e que tinha um relacionamento muito difícil com o pai (Raymond J. Barry). Dewey casou-se com a namoradinha de infância (Kristen Wiig, do “Saturday Night Live”), mas, ao encontrar a fama e as tentações da vida em turnê, se entregou totalmente ao uso de drogas e às muitas mulheres – especialmente ao amor de sua backing vocal Darlene (Jenna Fischer, do seriado “The Office”), que se tornaria a sua segunda esposa. Dewey experimentou todos os tipos de altos e baixos na sua carreira, mas conseguiu sair incólume disso tudo se tornando um ícone de uma geração.

“A Vida é Dura” é um filme que se apóia no carisma e no talento de seu ator principal, John C. Reilly. Ele está em quase todas as cenas do filme e tenta fazer o que pode com o material que lhe foi entregue. No entanto, nem ele consegue salvar o longa de ser uma obra que não consegue cumprir o seu objetivo principal. O problema de “A Vida é Dura” é que o roteiro de Jake Kasdan e Judd Apatow não consegue colocar uma coerência no todo da vida de Dewey Cox. Nesse caso, ao assistir ao filme, é bom ignorar esse fato, tentar rir um pouco com as músicas do cantor (especialmente com a maravilhosa “Let’s Duet”) e apreciar as participações especiais de Jack White, Eddie Vedder (!!!!!), Jewel e Lyle Lovett.

Cotação: 3,0

A Vida é Dura (Walk Hard: The Dewey Cox Story, EUA, 2007)
Diretor(es): Jake Kasdan
Roteirista(s): Judd Apatow, Jake Kasdan
Elenco: John C. Reilly, Jenna Fischer, Raymond J. Barry, Margo Martindale, Kristen Wiig, Chip Hormess, Conner Rayburn, Tim Meadows, Chris Parnell, Matt Besser, David Krumholtz, Nat Faxon, Terrence Beasor, David 'Honeyboy' Edwards, Gerry Black

Vencedores do MTV Movie Awards 2008

2008-06-02T03:31:00.000-07:00

Após uma noite que contou com a apresentação do comediante Mike Myers e as performances musicais de Coldplay e Pussycat Dolls, ficamos sabendo quais foram os vencedores do MTV Movie Awards 2008, prêmio promovido pelo canal especializado em música e entretenimento e cuja marca maior é o bom-humor.

A lista completa dos contemplados com o troféu que é uma réplica de um balde de pipocas está aqui:

Best Movie
Transformers

Best Male Performance
Will Smith, “I Am Legend”

Best Female Performance
Ellen Page, “Juno”

Best Villain
Johnny Depp, “Sweeney Todd – The Demon Barber of Fleet Street”

Best Comedic Performance
Johnny Depp, “Pirates of the Caribbean – At World’s End”

Best Fight
Sean Faris vs. Cam Gigandet -- "Never Back Down"

Best Kiss
Briana Evigan and Robert Hoffman -- "Step Up 2 The Streets"

Breakthrough Performance
Zac Efron, “Hairspray”

Best Summer Movie So Far
“Iron Man”

MTV Generation Award
Adam Sandler

A MTV Brasil deve transmitir o MTV Movie Awards 2008 ainda neste mês.

Divulgado o Trailer de "Burn After Reading"

2008-05-30T11:27:00.001-07:00

Após conquistarem 4 Oscars (dos quais 3 foram em categorias principais como Melhor Filme, Diretor e Roteiro Adaptado) com o filme “Onde os Fracos Não Têm Vez”, os irmãos Joel e Ethan Coen lançam, no dia 12 de Setembro de 2008 (nos Estados Unidos), mais uma nova obra cinematográfica. “Burn After Reading” não segue o tom denso do longa anterior dos irmãos Coen, já que é uma comédia ao estilo de “O Amor Custa Caro” e “E Aí, Meu Irmão, Cadê Você?”.

O filme se apóia na seguinte premissa: um CD contendo memórias de um agente da CIA cai nas mãos de dois empregados de uma academia de ginástica. Sabendo da importância do material que possuem, os dois inescrupulosos homens tentam vender o objeto. O roteiro (que também foi escrito pelos irmãos Coen) atraiu a atenção de grandes nomes hollywoodianos, como Brad Pitt, George Clooney, Tilda Swinton, Frances McDormand e Richard Jenkins.

O trailer de “Burn After Reading” foi liberado hoje e pode ser visto aqui:

Persépolis (Persepolis, 2007)

2008-05-29T10:49:00.000-07:00

Já faz muito tempo que os filmes de animação deixaram de ser um programa somente para as crianças. “Persépolis”, longa francês dirigido por Vincent Paronnaud e Marjane Satrapi, faz uma crônica sobre a situação política do Irã (indo do final da década de 70 até o início dos anos 90), um país que tem uma posição geográfica estratégica na região em que está situado, mas que tem uma história de disputa de poder muito complicada. Tudo isso nos é mostrado sob o ponto de vista de uma família, especialmente através do olhar de Marjane Satrapi (dublada por Chiara Mastroianni), a filha única de um casal culto (a mãe é dublada por Catherine Deneuve) e neta adorada pela avó (dublada por Danielle Darrieux).

Por causa disso, podemos dizer que “Persépolis” é um filme que fala muito sobre a perda da inocência. Quando encontramos Marji pela primeira vez, ela é uma menina de oito anos que, nas suas próprias palavras, usa roupas da Adidas, tem Bruce Lee como ídolo e sonha em ser uma profetisa do futuro para, assim, poder salvar o mundo. No entanto, a situação política do seu país é um verdadeiro caos. O xá – e seu regime brutal – está prestes a ser deposto e toda esta realidade lhe é explicada pelo seu pai (dublado por Simon Abkarian) e pelo seu tio, que foi um ex-prisioneiro político.

Saber desses detalhes irá mudar a vida de Marjane, que se torna uma criança preocupada com o mundo ao seu redor, com suas responsabilidades e, principalmente, com seu modo de pensar. Na medida em que se tem a entrada da Nova República Islâmica, com seus “Guardiões da Revolução”, viver no Irã fica cada vez mais perigoso e seus pais decidem enviá-la para a Áustria. E é a partir daí que vemos Marji passar por um processo de amadurecimento, o qual vai ser marcado pela tentativa dela de encontrar seu lugar e seu papel no meio de tudo isso.

Todos estes elementos já são uma prova mais que concreta de que “Persépolis” não é um típico filme de animação. Baseado nos quadrinhos autobiográficos da própria Marjane Satrapi, o filme tem uma técnica muito interessante e cada frame que vemos em tela poderiam ser figuras de um livro ou estampas de uma camiseta. A história de vida de Marji nos é apresentada com muito bom-humor e é justamente isso que faz com que a gente crie uma empatia tão grande com “Persépolis”, um filme verdadeiramente único dentro de sua própria proposta.

Cotação: 9,0

Persépolis (Persepolis, França, EUA, 2007)
Diretor(es): Vincent Paronnaud, Marjane Satrapi
Roteirista(s): Vincent Paronnaud, Marjane Satrapi
Elenco: Chiara Mastroianni, Catherine Deneuve, Danielle Darrieux, Simon Abkarian, Gabrielle Lopes, François Jerosme, Arié Elmaleh, Mathias Mlekuz, Jean-François Gallotte, Stéphane Foenkinos, Tilly Mandelbrot, Sean Penn, Gena Rowlands, Iggy Pop

Divulgado o trailer de "He's Just Not That Into You"

2008-05-28T12:29:00.001-07:00

Quando você dá uma olhada na premissa do filme "He's Just Not That Into You", do diretor Ken Kwapis ("Quatro Amigas e um Jeans Viajante"), você pensa que o longa pode se tratar de tudo, menos de uma comédia romântica. Baseado no best-seller escrito por Greg Behrendt e Liz Tuccillo, o filme se passa na cidade de Baltimore e segue uma história em que encontramos vários personagens que irão nos mostrar os desafios de se tentar compreender o comportamento humano.

Desde que foi anunciada a produção de "He's Just Not That Into You", o filme surpreendeu pela quantidade de bons atores que foram atraídos ao projeto. Além da produtora Drew Barrymore, participam do longa: Ginnifer Goodwin (do seriado "Big Love" e que alguns apostam se transformará em uma estrela após o lançamento desta obra), Scarlett Johansson, Jennifer Aniston, Justin Long, Jennifer Connelly, Ben Affleck, Bradley Cooper, Kevin Connolly, Kris Kristofferson, dentre outros.

O filme estréia no dia 24 de Outubro, nos Estados Unidos, e o trailer pode ser conferido aqui:

Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal (Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull, 2008)

2008-05-27T11:16:00.001-07:00

Mais do que um competente professor e arqueólogo, Henry Jones Jr. (Harrison Ford), o qual é mais conhecido como Indiana Jones, poderia ser definido como um homem de muita sorte. Afinal, durante suas jornadas ao redor do mundo em busca de artefatos raros, ele enfrentou – com muita coragem e algum afobamento, diga-se de passagem – um verdadeiro exército de inimigos e conseguiu sair somente com alguns arranhões de todos esses encontros.

Na cena de abertura de “Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal”, a aguardada quarta aventura protagonizada pelo personagem, encontramos Indy no ano de 1957 (ou seja, no meio da Guerra Fria). Ao lado do parceiro George “Mac” McHale (Ray Winstone), ele é prisioneiro dos soviéticos – que estão sob a liderança da Dra. Irina Spalko (Cate Blanchett). Após uma grande cena de ação, Indiana consegue escapar ileso e pronto para começar mais um novo capítulo de sua história.

Os soviéticos e Indiana Jones estão interessados numa mesma coisa: uma caveira de cristal que indica o caminho para uma cidade escondida, a qual, por sua vez, guarda a chave para o conhecimento pleno. Indy acaba entrando nessa busca graças ao convite que lhe é feito pelo impetuoso jovem Mutt Williams (Shia LaBeouf). Acontece que a mãe de Mutt, a velha conhecida do arqueólogo Marion Ravenwood (Karen Allen), e um amigo de Indiana, o professor Oxley (John Hurt), foram presos pelos soviéticos e eles precisam resgatá-los.

Assim como aconteceu nos outros filmes da série, “Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal” se destaca pelo primor técnico – prestem atenção ao detalhe do trabalho da direção de arte e de figurinos. Além disso, o diretor Steven Spielberg mostra toda a sua competência nas excelentes cenas de ação e na boa direção que faz do ótimo grupo de atores que conseguiu reunir para o projeto. No entanto, o longa tem um defeito que acaba sendo enorme: a trama escrita por David Koepp com base na história desenvolvida por George Lucas e Jeff Nathanson nunca chega a decolar. Ou seja, o filme não consegue empolgar a platéia.

Cotação: 7,0

Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal (Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull, EUA, 2008)
Diretor(es): Steven Spielberg
Roteirista(s): David Koepp (com base na história de George Lucas, Jeff Nathanson)
Elenco: Harrison Ford, Cate Blanchett, Karen Allen, Shia LaBeouf, Ray Winstone, John Hurt, Jim Broadbent, Igor Jijikine, Dimitri Diatchenko, Ilia Volok, Emmanuel Todorov, Pavel Lychnikoff, Andrew Divoff, Veniamin Manzyuk, Alan Dale

O Melhor Amigo da Noiva (Made of Honor, 2008)

2008-05-26T11:18:00.000-07:00

Em 1997, após vários fracassos de crítica e de bilheteria, a atriz Julia Roberts voltou à lista das grandes estrelas de Hollywood por causa de um filme sem pretensões chamado “O Casamento do Meu Melhor Amigo”, do diretor australiano P.J. Hogan. No longa, Roberts interpretava uma mulher que, depois de anos sem encontrar seu melhor amigo (Dermot Mulroney), recebe um contato dele anunciando o casamento com uma mulher (Cameron Diaz) aparentemente perfeita. Como a personagem de Roberts sempre foi apaixonada pelo melhor amigo, decide aproveitar a proximidade do posto que irá exercer (madrinha da noiva) para tentar desmarcar a união.

A obra “O Melhor Amigo da Noiva”, do diretor Paul Weiland, é quase que um plágio dessa idéia. O milionário bon-vivant Tom (Patrick Dempsey, do seriado “Grey’s Anatomy”) é o melhor amigo, há mais de dez anos, da adorável Claire (Michelle Monaghan). Quando ela viaja a trabalho para a Escócia, Tom se descobre apaixonado pela amiga e decide contar a verdade para Claire quando ela voltar. No entanto, a surpresa vem quando a garota volta da Escócia de casamento marcado com Colin McMurray (Kevin McKidd, do seriado “Rome”), um homem rico e de uma família de duques. Assim como a personagem de Julia Roberts, em “O Casamento do Meu Melhor Amigo”, Tom servirá de “madrinha” da noiva e vai tentar acabar com o casamento a qualquer custo.

O roteiro de Adam Sztykiel, Deborah Kaplan e Harry Elfont, apesar de claramente influenciado pelo filme de P.J. Hogan, adiciona um elemento totalmente original a esta trama. No decorrer de “O Melhor Amigo da Noiva”, encontraremos várias piadas que fazem algum tipo de referência sexual – desde o começo com a festa a fantasia em que "Bill Clinton" vai atrás da sua "Monica Lewinsky" até chegar às brincadeiras a respeito da sexualidade da “madrinha” Tom. E o melhor de tudo é que o filme nunca cai na baixaria. Tudo é apresentado de uma maneira muito sutil.

Cotação: 6,5

O Melhor Amigo da Noiva (Made of Honor, EUA, Inglaterra, 2008)
Diretor(es): Paul Weiland
Roteirista(s): Adam Sztykiel, Deborah Kaplan, Harry Elfont
Elenco: Patrick Dempsey, Michelle Monaghan, Kevin McKidd, Kadeem Hardison, Chris Messina, Richmond Arquette, Busy Philipps, Whitney Cummings, Emily Nelson, Kathleen Quinlan, Selma Stern, Sydney Pollack, James Sikking, Kevin Sussman, Beau Garrett

P.S.: O nosso post fica como homenagem ao diretor, produtor e ator Sydney Pollack, que faleceu no dia de hoje, aos 73 anos.

Cannes Film Festival 2008 - Lista de Vencedores

2008-05-25T13:42:00.000-07:00

Após 12 dias e 22 filmes em competição, o júri do Festival de Cinema de Cannes 2008, o qual foi presidido por Sean Penn e contou com a presença de nomes como Alfonso Cuarón, Natalie Portman, Alexandra Maria Lara, Marjane Satrapi, entre outros, anunciou os vencedores da edição deste ano.

A Palma de Ouro ficou com o filme francês "Entre Paredes", de Laurent Cantet. "Gomorra", de Matteo Garrone, que era forte candidato ao prêmio principal do festival, ficou com o Grande Prêmio. O Melhor Ator, de acordo com o júri, foi Benicio del Toro ("Che"). O Melhor Diretor foi Nuri Bilge Ceylan, de "Três Macacos". Já os irmãos Jean-Pierre e Luc Dardenne, favoritos de Cannes, ficaram com o prêmio de Melhor Roteiro por "O Silêncio de Lorna".

No entanto, a grande surpresa estava reservada para a categoria de Melhor Atriz. Nada de Julianne Moore ou Angelina Jolie ou Catherine Deneuve. O prêmio foi para a brasileira Sandra Corveloni, do filme "Linha de Passe", uma atriz que faz sua estréia em longas-metragens e que não esteve em Cannes para a apresentação do filme. De São Paulo, Sandra reagiu da seguinte maneira à premiação: "O prêmio valeu por todo o esforço da equipe. Trabalhamos com muito amor e dedicação. Todos podemos ser considerados vencedores".

Este é o segundo prêmio conquistado por um filme brasileiro no ano de 2008 (o primeiro foi o Urso de Ouro em Berlim para "Tropa de Elite"). Sinal de bons presságios para o nosso cinema.

Para ver mais vencedores do Festival de Cinema de Cannes, é só entrar no Blog do Vinícius.

Rambo 4 (John Rambo, 2008)

2008-05-23T11:28:00.000-07:00

Nos últimos anos, movido muito mais pela falta de oportunidade de trabalho do que por um sentimento de nostalgia, o ator Sylvester Stallone decidiu voltar à pele de seus dois personagens mais famosos: Rocky Balboa e John Rambo. Em comum entre os dois projetos, além do fato do controle criativo estar totalmente nas mãos de Stallone, o fato de que o ator retoma as características que fizeram de Rocky e Rambo os ícones que eles são, mas não sem esquecer que o mundo ao redor deles mudou e eles precisam se adaptar a isso.

Em “Rambo 4”, que tem a direção de Sylvester Stallone (que também foi o co-autor do roteiro ao lado de Art Monterastelli), encontramos John Rambo isolado em uma localidade que fica no norte da Tailândia. Seu sossego é ameaçado quando um grupo de missionários o contrata para transportá-los pelo rio de forma que eles cheguem à tribo Karene. Quando o grupo é seqüestrado pelo exército birmanês, Rambo volta àquilo que sabe fazer melhor e parte para o resgate dos missionários.

No final dos anos 80 até a metade dos anos 90, quando eu era ainda uma criança, todos os domingos, meu pai me deixava dormir um pouco mais tarde. Acontece que nós tínhamos uma pequena tradição familiar e assistíamos juntos aos filmes que passavam no Domingo Maior, programa que vai ao ar até hoje, na Rede Globo. Foi assim que fui apresentada a vários “clássicos” protagonizados pelo meu herói de infância Charles Bronson; bem como aos estrelados por outros heróis contemporâneos como Sylvester Stallone, Lorenzo Lamas, Arnold Schwarzenegger, Dolph Lundgren, Steven Seagal, Chuck Norris, Jean Claude Van Damme, dentre outros.

Nós dois assistimos juntos a este “Rambo 4” e chegamos a uma conclusão: o destino da obra é se tornar um daqueles filmes que serão reprisados à exaustão no Domingo Maior. E o longa tem tudo para agradar em cheio aos fãs do programa, já que tem efeitos bisonhos, um herói brucutu (e que adora fazer uma cara de mau), uma mocinha em perigo (a atriz Julie Benz, do seriado “Dexter”) e inúmeras cenas de ação bem loucas, cheias de sangue, em que órgãos voam e membros são decapitados. Tudo isso sem o mínimo de aprofundamento de roteiro – e, honestamente, este é o detalhe que menos importa em um filme como esse.

Cotação: 4,5

Rambo 4 (Rambo, EUA, Alemanha, 2008)
Diretor(es): Sylvester Stallone
Roteirista(s): Art Monterastelli, Sylvester Stallone (com base no personagem criado por David Morrell)
Elenco: Sylvester Stallone, Julie Benz, Matthew Marsden, Graham McTavish, Rey Gallegos, Jake La Botz, Tim Kang, Maung Maung Khim, Paul Schulze, Cameron Pearson, Thomas Peterson, Tony Skarberg, James Wearing Smith, Kasikorn Niyompattana, Shaliew Manrungbun

Entrevista (Interview, 2007)

2008-05-22T10:44:00.000-07:00

Quando você está na faculdade de Jornalismo, você aprende que um dos detalhes mais importantes da profissão que você irá seguir é: nunca apareça para cobrir um evento, um acontecimento ou entrevistar alguém sem estar devidamente preparado. Em “Entrevista”, do diretor e ator Steve Buscemi (que co-escreveu o roteiro da obra ao lado de David Schechter), o jornalista Pierre Peders (interpretado pelo próprio Buscemi) quebra justamente este mandamento importante da profissão.

Acontece que Pierre Peders é acostumado a fazer a cobertura de fatos políticos, entrevistando gente importante que faz parte da cena em Washington, capital dos Estados Unidos. Ele mesmo estranha quando seu editor o manda para Nova York para fazer o perfil da atriz Katya (Sienna Miller). Quando os dois se encontram num restaurante, a jovem fica espantada com o tão pouco que ele sabe a respeito dela. A entrevista em si é um desastre, já que ela passa grande parte do tempo explicando para Pierre que ela é uma atriz de um seriado de TV e que fez um filme de terror super bem-sucedido. No entanto, um infortúnio faz com que Pierre acabe passando a noite com Katya no apartamento dela. E é no loft da atriz que ele irá encontrar a sua matéria, a história que ele quer contar.

Em seus 84 minutos de duração, “Entrevista” se apóia nos diálogos que acontecem entre Katya e Pierre Peders. Por esta razão, o elemento mais importante do filme acaba sendo o roteiro de Steve Buscemi e David Schechter, o qual alterna com propriedade diferentes vozes narrativas que acabam, no final, revelando a verdadeira personalidade por trás dos dois personagens. Neste ponto, é importante destacar também as ótimas atuações da dupla de atores principais, especialmente a de Sienna Miller, uma atriz perfeita para o papel de Katya, pelo qual recebeu uma indicação ao Independent Spirit Awards 2008 de Melhor Atriz.

Cotação: 7,0

Entrevista (Interview, EUA, 2007)

Diretor(es): Steve Buscemi
Roteirista(s): Steve Buscemi, David Schechter
Elenco: Sienna Miller, Steve Buscemi, Michael Buscemi, Tara Elders, David Schecter, Molly Griffith, Elizabeth Bracco, James Villemaire, Jackson Loo, muMs, Doc Dougherty, Donna Hanover, Wayne Wilcox, Danny Schechter, Philippe Vonlanthen

Cannes Film Festival 2008 - Estréia de "Che"

2008-05-21T10:30:00.000-07:00

Por muito tempo, todos os detalhes por trás de “Che”, o projeto por muito tempo acalentado pelo diretor Steven Soderbergh e pelo ator Benicio del Toro, foram desconhecidos. No entanto, todo o mistério acabará logo mais, quando a obra – que é composta por duas partes intituladas “The Argentine” e “Guerilla” – estrear no Festival de Cinema de Cannes.

Até a participação no famoso festival foi confirmada em cima da hora, já que os rumores davam conta de que Steven Soderbergh não havia finalizado a edição dos dois filmes a tempo de eles serem mostrados na Riviera Francesa. No entanto, apesar de este ser um projeto controverso (e que, por exemplo, não recebeu o financiamento de grandes estúdios) e difícil de ser promovido ao público, a verdade é que os distribuidores (especialmente aqueles que trabalham somente na América do Norte) estão travando uma guerra silenciosa, nos bastidores, pelos direitos de exibição do filme – afinal, muitos apostam que “The Argentine” e/ou “Guerilla” serão bons concorrentes ao Oscar 2009.

"Che" acompanha aquele que foi o momento mais alto da filosofia pregada por Ernesto "Che" Guevara de la Serna. “The Argentine” se passa em 1956, quando Che (Benicio del Toro) liderou, ao lado de Fidel Castro (Demián Bichir), um exército popular para depor o regime de Fulgêncio Batista. Já “Guerilla” – que pessoas da indústria afirmam ser a parte mais superior de “Che” – se passa após a queda de Fulgêncio Batista, quando Che passou a fomentar outras guerrilhas na África e na América do Sul até que foi capturado e morto na Bolívia.

Para acompanhar as reações da crítica à “Che”, é só ficar de olho no Blog do Vinícius, que faz uma cobertura completa da edição 2008 do Festival de Cinema de Cannes.

Cannes Film Festival 2008 - Estréia de "The Exchange"

2008-05-20T04:17:00.000-07:00

Esqueça “Changeling”. Agora, o novo filme de Clint Eastwood atende pelo nome de “The Exchange”. Estréia do dia de hoje no Festival de Cinema de Cannes, o filme estrelado por Angelina Jolie é inspirado em fatos reais e sua história começa com o desaparecimento de um garotinho. No entanto, os críticos que já assistiram ao filme são quase unânimes em afirmar que “The Exchange” é um longa que passa por caminhos muito mais tortuosos do que a sua trama indica.

Um jornalista britânico que foi citado no blog Hollywood Elsewhere afirma que “The Exchange” é “um filme longo, mas é muito forte e comovente. Não existe um ponto fraco em todo o filme”. O jornalista ainda destaca as atuações de Angelina Jolie (“muito, muito boa”) e de John Malkovich e aponta Clint Eastwood como o favorito para levar o prêmio de Melhor Diretor no Festival.

Já Todd McCarthy, da Variety, diz que “uma dúzia de diretores ofereceriam diferentes maneiras de abordagem para o mesmo material – sensacionalista, melodramática, entre outras. Talvez, a melhor maneira para descrever a abordagem de Eastwood é que ele é muito atento – aos elementos centrais da história, com certeza, mas também a alternância entre o público e o privado, a arbitrariedade da vida e da morte, os modos distintos em que diferentes pessoas enxergam as mesmas coisas, o comportamento destrutivo de alguns adultos perto das crianças e a qualidade de vida na Califórnia na época em que ele mesmo tinha nascido”.

Parece que, com “The Exchange”, temos um grande favorito não só à Palma de Ouro em Cannes, como também à temporada de premiações 2008-2009.

PS: Lembrando que o Blog do Vinícius faz a cobertura completa do Festival de Cinema de Cannes.

De Olho no Oscar 2009 - "Australia"

2008-05-18T16:20:00.000-07:00

Direção: Baz Luhrmann

Roteiro: Baz Luhrmann, Ronald Harwood, Stuart Beattie, Richard Flanagan

Elenco: Hugh Jackman, Nicole Kidman, David Wenham, Bryan Brown

Data de estréia: Novembro de 2008, nos Estados Unidos.

Por quê ficar de olho: Já faz sete anos que Baz Luhrmann lançou “Moulin Rouge! – Amor em Vermelho”. Como é de costume nos projetos do diretor, “Australia” é uma obra cheia de pretensão e de grandiosidade e vem sendo até chamada de o “E O Vento Levou” da Oceania. Um épico que se passa no país natal do diretor, em um momento histórico que antecede a II Guerra Mundial, o filme conta a história de uma aristocrata inglesa (Kidman) que herda uma propriedade e junta forças com um homem bem rude (Jackman) para levar uma carga de algodão para a cidade de Darwin, a qual será um dos alvos dos bombardeios japoneses.

O trailer mostra logo qual será o ponto mais forte de “Australia”: a sua qualidade técnica. Para este filme, Baz Luhrmann reuniu em torno de si uma equipe técnica formada por muitas mulheres. Os destaques vão para a diretora de arte e figurinista Catherine Martin (vencedora do Oscar por “Moulin Rouge! – Amor em Vermelho” e esposa de Luhrmann), para a editora Dody Dorn (do filme “Amnésia”) e para a diretora de fotografia Mandy Walker. Provavelmente, todas deverão estar presentes na lista de indicados ao Oscar 2009 - assim como a trilha sonora de "Australia", que o trailer indica ser belíssima.

Cannes Film Festival - Estréia de "Linha de Passe"

2008-05-17T06:21:00.000-07:00

Antes de estrear no Festival de Cinema de Cannes, o filme “Linha de Passe”, dos diretores Walter Salles e Daniella Thomas, foi envolvido em uma grande polêmica. Em 2006, Salles entrou com um processo de plágio contra o autor João Emanuel Carneiro, que teria se inspirado na trama do filme para compor um dos personagens centrais da novela “Cobras e Lagartos”, que foi ao ar pela Rede Globo. O processo acabou não dando em muita coisa, mas forçou a dupla de diretores a recomeçar um projeto que eles vinham acalentando há mais de 4 anos – e o resultado dessas mudanças foi o que eles apresentaram na Riviera Francesa.

“Linha de Passe” não é o típico filme brasileiro. Ao invés de apostar no retrato das nossas mazelas sociais, o roteiro do longa segue “quatro irmãos em São Paulo que recorrem ao futebol, à religião e ao crime na medida em que tentam escapar da pobreza e da monotonia da vida dos subúrbios”. Fala o diretor Walter Salles: “Nós não queríamos fazer um filme sobre traficantes de drogas ou policiais nas áreas mais pobres. Nós queríamos fazer um filme que mostrasse que a violência estava sendo rejeitada como saída de vida”.

O filme de Walter Salles e Daniella Thomas é um dos quatro produzidos na América do Sul a estarem concorrendo à Palma de Ouro no festival de Cannes. A primeira reação ao filme foi publicada pela agência de notícias Reuters, que afirma que "Linha de Passe" é difícil, porém tocante.

PS: O Blog do Vinícius está fazendo uma cobertura completa da edição 2008 do Festival de Cinema de Cannes

Bella (Beauty, 2006)

2008-05-16T12:25:00.000-07:00

Sabe-se lá quantos filmes são produzidos anualmente em todo o mundo. As obras que não possuem o apoio de uma grande distribuidora percorrem um caminho bastante extenso até chegarem às salas de cinema. Nesses casos, os longas vão para festivais mundo afora, esperando chamar a atenção de algum parceiro. Mas, para atrair algum sócio é preciso ter uma qualidade muito especial. “Bella”, filme do diretor Alejandro Gomez Monteverde, preenche todos esses requisitos, afinal é uma película muito bonita, mas que só conseguiu alcançar um grande público após ser eleito o vencedor do People’s Choice Award do Toronto International Film Festival, em 2006 – e, mesmo assim, só consegue ser lançado no Brasil dois anos após sua produção.

O roteiro de “Bella”, que foi escrito por Alejandro Gomez Monteverde, Patrick Million e Leo Severino, é bastante simples e se apóia em dois personagens que possuem algo em comum: eles foram bastante machucados pela vida. São eles: Jose (Eduardo Verástegui) e Nina (a maravilhosa Tammy Blanchard). Os dois trabalham no restaurante do irmão dele, Manny (Manny Perez). Jose, como chef de cozinha. Nina, como garçonete. Quando “Bella” começa, encontramos uma Nina muito desnorteada. Em um curto espaço de tempo, ela descobre que está grávida e que perdeu o emprego. Ao saber disso (e da intenção da garçonete em não manter a gravidez), Jose decide passar um dia com Nina (primeiro andando pelas ruas de Nova York, depois caminhando pela praia da cidade aonde mora). A princípio, a gente vai estranhar o por quê de Jose ser tão solícito com Nina. Parece que ele está em uma missão. Mas, a verdade é que, no curso daquele dia, os dois irão encontrar aquilo que estavam procurando há muito tempo.

É justamente a simplicidade de “Bella”, um filme sem acontecimentos extraordinários, um dos elementos que fazem com que a gente se conecte tanto com o longa. As atuações dos atores principais contribuem muito para isso – os dois, aliás, poderiam muito bem ter sido lembrados na temporada de premiações 2006-2007. Eduardo Verástegui, uma espécie de Jim Caviezel mexicano, é a sensibilidade em pessoa. Já Tammy Blanchard (atriz vencedora do Emmy pela performance na minissérie “A Vida com Judy Garland”; indicada ao Tony Awards pela montagem de “Gypsy”, dirigida por Sam Mendes, e cujo papel mais conhecido no cinema foi o da namorada surda de Matt Damon em “O Bom Pastor”) adiciona ao seu currículo mais uma excelente – e comovente – performance.

Cotação: 9,8

Bella (Beauty, México, EUA, 2006)
Diretor(es): Alejandro Gomez Monteverde
Roteirista(s): Alejandro Gomez Monteverde, Patrick Million, Leo Severino
Elenco: Eduardo Verástegui, Tammy Blanchard, Manny Perez, Ali Landry, Angélica Aragón, Jaime Tirelli, Ramon Rodriguez, Lukas Behnken, Peter Bucossi, David Castro, Michael Chin, Dominic Colon, Hudson Cooper, Tawny Cypress, Ewa Da Cruz

Morte no Funeral (Death at a Funeral, 2007)

2008-05-15T11:17:00.000-07:00

Ao contrário do que acontece no Brasil, quando os velórios são situações bastante íntimas, em que a participação maior é de parentes e amigos mais próximos, em países como os Estados Unidos e a Inglaterra, os funerais são eventos super bem elaborados, com uma recepção com direito a comida e bebidas. É justamente num acontecimento desses que se passa toda a trama de “Morte no Funeral”, do diretor Frank Oz.

Edward, o esposo de Sandra (Jane Asher) e pai de Daniel (Matthew MacFadyen, de “Orgulho e Preconceito”) e Robert (Rupert Graves), acaba de falecer. Toda a sua família se movimenta para comparecer ao seu velório. Como existem diversas maneiras para se reagir a uma morte, as pessoas que fazem parte da família de Edward aproveitarão a oportunidade para resolverem todos os seus problemas internos – incluindo aí um segredo que envolve o falecido e que está relacionado ao personagem interpretado por Peter Dinklage (ator revelado pelo filme “O Agente da Estação”).

É muito difícil imaginar que se possa tirar algo de cômico de um acontecimento tão triste como um velório, mas isso acontece com “Morte no Funeral”. O roteiro de Dean Craig é muito bem construído e pode ser resumido da seguinte forma: além de fazerem parte da mesma família, o que todos os personagens do filme têm em comum é o fato de que, no dia do velório de Edward, serão protagonistas de uma série de decisões equivocadas. Por isso, seria fundamental para o filme ter um bom elenco, que unisse todas as arestas desta história. Nesse sentido, “Morte no Funeral” está muito bem servido, já que seu elenco possui o timing cômico perfeito e entraram na brincadeira cheia de ironia e humor negro proposta pela dupla Dean Craig e Frank Oz.

Cotação: 6,3

Morte no Funeral (Death at a Funeral, Alemanha, Inglaterra, EUA, 2007)

Diretor(es): Frank Oz
Roteirista(s): Dean Craig
Elenco: Matthew Macfadyen, Keeley Hawes, Andy Nyman, Ewen Bremner, Daisy Donovan, Alan Tudyk, Jane Asher, Kris Marshall, Rupert Graves, Peter Vaughan, Thomas Wheatley, Peter Egan, Peter Dinklage, Brendan O'Hea, Jeremy Booth

Cannes Film Festival 2008 - Estréia de "Cegueira"

2008-05-14T10:50:00.000-07:00

A festa de abertura do Festival de Cinema de Cannes só acontece na noite de hoje, dia 14 de Maio, no entanto, para alguns as festividades já começaram, afinal “Cegueira”, filme do brasileiro Fernando Meirelles baseado na obra “Ensaio Sobre a Cegueira”, do escritor português José Saramago, foi exibido ontem para uma platéia de convidados e jornalistas que estão cobrindo o evento – isso antes de ser mostrado ao público do festival.

A recepção dos presentes à sessão já começou a sair e “Cegueira” tem dividido muitas opiniões. Enquanto a France Press afirma que: "metáfora da sociedade humana, de um suspense angustiante, o filme de Meirelles faz do espectador uma testemunha da violência e o convida a refletir sobre o ser humano e seus mais baixos instintos, além da sua capacidade de amar e seu senso de responsabilidade. Contudo, em meio a esta violência extrema e de caráter quase apocalípticos da história, Meirelles encontra momentos para expressar ternura e até mesmo humor"; a agência de noticias espanhola Efe fala que: “apesar do bom planejamento, montagem e atuação, o filme tem uma trilha sonora pouco adequada, uma história mais previsível do que deveria e um roteiro que parece buscar uma justificativa moral para as ações dos personagens".

No entanto, uma das críticas mais duras à obra vem de Jeffrey Wells, do blog Hollywood Elsewhere. No seu texto, o jornalista aponta vários erros do filme, como o roteiro de Don McKellar preferindo abordar os efeitos sociais de uma cegueira generalizada e a decisão do roteirista em colocar grande parte da trama dentro da prisão em que os cegos ficam sitiados. A conclusão de Wells é ainda menos animadora, já que ele prevê que o filme não vai causar grande impacto na platéia.

Jeffrey Wells ainda afirma que “duas ou três pessoas aplaudiram ao final da exibição para a imprensa. A recepção na entrevista coletiva foi totalmente muda”. Uma crítica mais detalhada sobre “Cegueira” foi postada também no site da Variety.

Garçonete (Waitress, 2007)

2008-05-13T11:11:00.000-07:00

No ano de 2008, o cinema norte-americano lançou três filmes que tocavam num mesmo tema: o da gravidez indesejada. Mas, ao contrário do que foi visto em “Ligeiramente Grávidos”, de Judd Apatow, e “Juno”, de Jason Reitman, que falavam sobre as mudanças na vida das mulheres grávidas; “Garçonete”, da diretora e roteirista Adrienne Shelly, tem um quê de “Por um Sentido na Vida”, de Miguel Arteta, já que retrata personagens femininas que estão em busca de uma motivação, de algo que lhes traga a felicidade que elas não possuem.

A vida de Jenna (Keri Russell), uma jovem que mora em uma pequena cidade do interior, não é nada cor-de-rosa. Ela tem um casamento completamente infeliz com Earl (Jeremy Sisto), um homem bastante egoísta e que se preocupa mais com as suas próprias necessidades. A grande válvula de escape de Jenna acontece no trabalho – ela é uma garçonete cuja especialidade maior é fazer tortas deliciosas. É justamente este dom que Jenna acredita que irá lhe trazer a liberdade (o plano dela é fugir do marido após ganhar o grande prêmio em um concurso de tortas). No entanto, uma gravidez não planejada e uma paixonite pelo médico (Nathan Fillion, que pode ser visto na atual temporada de “Desperate Housewives”) que começará a atendê-la são pontos que irão impedi-la de colocar seu desejo em prática.

Em paralelo ao retrato da jornada de Jenna, “Garçonete” nos apresenta às duas colegas de trabalho dela, as quais possuem os mesmos conflitos vividos pela personagem principal. Becky (Cheryl Hines, do seriado “Curb Your Enthusiasm”) também está presa num casamento infeliz, mas tenta levar tudo com muito bom-humor. Já Dawn (Adrienne Shelly) é aquele tipo de mulher completamente desajeitada, mas que não desistiu de tentar encontrar o amor e a felicidade que é uma conseqüência direta daqueles que têm esse sentimento.

“Garçonete” é um daqueles filmes muito simples, mas que possuem uma qualidade fundamental: causam empatia na platéia. É muito fácil para a gente se identificar com os conflitos vividos pelas personagens da obra e é fundamental nesse sentido o roteiro de Adrienne Shelly (que faleceu pouco antes do lançamento da obra). Como roteirista, ela não possui a ironia de um Judd Apatow ou a cultura pop de uma Diablo Cody, mas preenche seus diálogos com elementos muito próximos do real. E é através dessa genuinidade que Shelly coloca a sua mensagem: a de que a felicidade está atrelada a nossa idéia de futuro. Ou seja, tendo algo em que se agarrar ou em que se fortalecer, nós podemos tudo.

Cotação: 7,5

Garçonete (Waitress, EUA, 2007)
Diretor(es): Adrienne Shelly
Roteirista(s): Adrienne Shelly
Elenco: Keri Russell, Nathan Fillion, Cheryl Hines, Jeremy Sisto, Andy Griffith, Adrienne Shelly, Eddie Jemison, Lew Temple, Darby Stanchfield, Heidi Sulzman, Lauri Johnson, Sarah Hunley, Cindy Drummond, Nathan Dean, Caroline Fogarty

Speed Racer (Speed Racer, 2008)

2008-05-12T11:47:00.000-07:00

Quando se senta na frente de um volante, o piloto Speed Racer (Emile Hirsch) não está ali apenas por causa da adrenalina da velocidade ou das emoções das curvas apertadas. A maior motivação dele é lutar por sua própria família – pelo pai (John Goodman), o dono de uma equipe de corridas totalmente independente; pela mãe (Susan Sarandon) e namorada Trixie (Christina Ricci), que o apóiam 100%, mas possuem o medo de perdê-lo e pelo irmão caçula Gorducho (Kick Gurry), que ao lado do animal de estimação, o macaco Zequinha, se mete em encrencas engraçadas. Todos eles sofreram um trauma muito grande: a perda do filho e irmão mais velho Rex (Scott Porter, o Jason Street da série “Friday Night Lights”), que foi, um dia, o melhor piloto do mundo, porém teve sua reputação arranhada após morrer tragicamente em decorrência de um acidente em uma corrida.

Podemos dizer que Speed Racer possui uma visão muito romântica da profissão de piloto e das corridas de automóveis. Quando ele encontra um tipo como Royalton (Roger Allam) – o dono de uma equipe de corridas que lhe oferece um contrato milionário para que ele seja o piloto dele –, que acredita que os resultados das provas pouco dependem do talento individual, e sim dos interesses das empresas que estão envolvidas no processo, Speed entra em contato com um tipo de visão completamente diferente sobre aquilo que faz.

É desse confronto de valores que nasce o acontecimento mais importante da trama de “Speed Racer”, filme escrito e dirigido pelos irmãos Andy e Larry Wachowski. Ao lado do Corredor X (Matthew Fox, do seriado “Lost”), Speed será uma força de resistência importante aos interesses de Royalton e de outros que manipulam resultados de corridas. Nessa luta pessoal, Speed Racer encontrará ainda uma motivação diferente: pilotar para mudar as coisas ao seu redor. E as transformações mais profundas poderão ser notadas dentro de sua família, já que, graças ao desempenho de Speed, a família Racer irá encontrar uma alegria que antes havia sido perdida.

Baseado no desenho animado homônimo criado por Tatsuo Yoshida, em 1960, e que ainda obtém sucesso nos dias atuais, “Speed Racer” é um filme que possui personagens carismáticos (os quais são interpretados por um elenco muito bom) e uma execução perfeita do ponto de vista visual por parte dos irmãos Andy e Larry Wachowski. O objetivo deles, com esse longa, era fazer um desenho animado em live action, por isso o uso de cores fortes em quase todas as cenas. A obra alcança seu ápice quando retrata as corridas de automóveis e só peca um pouco nas situações cômicas vividas pela dupla Gorducho e Zequinha. Sei que essa é a função deles dentro do universo de “Speed Racer”, mas, em muitos momentos, as cenas protagonizadas pelos dois prejudicam o andamento da obra – mesmo assim, é bom frisar que isso em nenhum momento afeta de forma profunda o resultado final obtido pelos irmãos Andy e Larry Wachowski.

Cotação: 8,3

Speed Racer (Speed Racer, EUA, 2008)
Diretor(es): Os Irmãos Wachowski
Roteirista(s): Os Irmãos Wachowski (com base no desenho animado criado por Tatsuo Yoshida)
Elenco: Emile Hirsch, Nicholas Elia, Susan Sarandon, Melissa Holroyd, Ariel Winter, Scott Porter, Gian Ganziano, Peter Fernandez, Harvey Friedman, Sadao Ueda, Valery Tscheplanowa, Sami Loris, Olivier Marlo, Sean McDonagh, Kick Gurry

Loucas por Amor, Viciadas em Dinheiro (Mad Money, 2008)

2008-05-09T11:36:00.000-07:00

O que a primeira cena de “Loucas por Amor, Viciadas em Dinheiro” (que tradução mais horrorosa), da diretora Callie Khouri, mostra é que não é exclusivo da sociedade brasileira a procura de pessoas com alto nível de escolaridade – e movidas por pura necessidade – por empregos em que suas qualificações profissionais pouco importam. É justamente isso que acontece com Bridget Cardigan (Diane Keaton). Ela é da classe média alta, possui ensino superior, porém, desde que seu marido Don (Ted Danson) perdeu o emprego, ela se viu mergulhada em dívidas. Para evitar um dano ainda maior ao seu padrão de vida, Bridget decide procurar um trabalho e acaba aceitando a oferta de ser ASG do Federal Reserve System (FED), o Banco Central dos Estados Unidos.

Ao vivenciar a rotina diária de sua nova profissão, Bridget se espanta com um detalhe: todos os dias, milhares de notas são destruídas, pois estão levemente danificadas. Na sua atual situação de vida, a verdade é que Bridget adoraria pôr a mão nesse dinheiro. É aí que ela tem a idéia de roubar uma parte dessa quantia para usufruto próprio. Como não pode fazer tudo isso sozinha, atrai para seu plano duas outras serventes do banco: a mãe solteira Nina Brewster (Queen Latifah), que sonha em oferecer uma educação que preste aos seus dois filhos, e a jovem Jackie Truman (Katie Holmes, numa atuação constrangedora), que deseja se mudar do trailer que divide com o marido (Adam Rothenberg).

Para evitar serem pegas pelo rigoroso sistema de segurança do Federal Reserve System, Bridget, Nina e Jackie decidem seguir dois preceitos: nunca roubar quantias enormes e, principalmente, não usar o dinheiro para compras que chamem a atenção de órgãos como a Receita Federal. O problema é que – ao longo de três anos fazendo esse pequeno ato ilegal – a ganância delas passa a ser cada vez maior e, quando elas começam a quebrar essas duas regras básicas, correm o risco de deixar rastros e terem seu plano descoberto.

“Loucas por Amor, Viciadas em Dinheiro” é a nova versão de “Hot Money”, um filme especialmente feito para a TV inglesa. A diretora Callie Khouri é perfeita para esse tipo de obra, pois ela entende bastante de tramas que têm como personagens principais mulheres que estão doidas para adquirir o controle de sua vida – afinal trabalhou em filmes como “Thelma & Louise”, “O Poder do Amor” e “Divinos Segredos”. Apesar da boa direção de Khouri, o maior problema de “Loucas por Amor, Viciadas em Dinheiro” é o roteiro de Glenn Gers, que se perde nos seus próprios clichês. No final, o filme acaba sendo uma experiência tolerável graças às atuações de Queen Latifah e Diane Keaton, atrizes que, sem dúvida alguma, possuem um talento muito maior do que obras como essa.

Cotação: 3,5

Loucas por Amor, Viciadas em Dinheiro (Mad Money, EUA, 2008)
Diretor(es): Callie Khouri
Roteirista(s): Glenn Gers (com base nos roteiros de John Mister e Neil McKay, Terry Winsor)
Elenco: Diane Keaton, Ted Danson, Katie Holmes, Adam Rothenberg, Queen Latifah, Sterling Blackmon, Peyton 'Alex' Smith, Charlie Caldwell, Richard F Law, Meagen Fay, Chris McDonald, Denise Lee, Sylvia Castro Galan, Morgana Shaw, Roger Cross

De Olho no Primetime Emmy Awards 2008 - "Damages"

2008-05-08T11:58:00.000-07:00

Damages (Primeira Temporada - 2007/2008)
Criada por: Todd A. Kessler, Glenn Kessler, Daniel Zelman
Elenco: Glenn Close, Rose Byrne, Zeljko Ivanek, Noah Bean, Tate Donovan, Ted Danson
Atores Convidados: Philip Bosco, Peter Riegert, Anastasia Griffith, Peter Facinelli, dentre outros.

Em um dos episódios da primeira temporada de “Damages”, seriado que vai ao ar pelo canal AXN, Patty Hewes (Glenn Close) olha para a sua protegida, Ellen Parsons (Rose Byrne, que foi revelada pelo filme “Tróia”), e diz: “nunca confie em ninguém”. Na realidade, este também é um aviso para nós, telespectadores, que aprenderemos que não existem mocinhos (as) e vilões neste seriado. Todos estão no mesmo barco. Todos terão que fazer um servicinho sujo ao longo dos episódios.

A trama da primeira temporada de “Damages” acompanha o que acontece na vida pessoal e profissional de Patty Hewes, cujo escritório está envolvido até o pescoço numa “class action” (ação movida por um grande número de pessoas) contra o empresário Arthur Frobisher (Ted Danson), que roubou as economias de vida de antigos colaboradores. Na busca por uma pista ou uma testemunha chaves, vale tudo e o que assistimos, tanto por parte da defesa quanto da acusação, é uma verdadeira briga pelo poder e, principalmente, pelos milhões envolvidos na causa.

No entanto, um dos elementos mais interessantes da primeira temporada de “Damages” é acompanhar o relacionamento que se estabelece entre Patty Hewes e Ellen Parsons. A primeira é uma advogada famosíssima, competente, admirada e temida; que está sempre à frente dos outros; e conhecida por consumir a vida daqueles que se colocam em seu caminho. Patty quer dedicação total e exclusiva. Já a segunda, está começando seu caminho no ramo do Direito. Consegue o emprego dos sonhos na firma de Patty e ganha a confiança da chefe. No entanto, Ellen vê sua vida pessoal se desmoronar, já que Patty espera dela um comprometimento exclusivo com a causa de Arthur Frobisher.

Como virou moda para os seriados terem um mistério encaixado dentro de sua trama central, “Damages” também tem o seu. E ele já é revelado logo no primeiro episódio da série. Ellen foi presa sob a acusação de ter assassinado o noivo David Connor (Noah Bean). É justamente este acontecimento que desencadeia toda a trama da primeira temporada de “Damages” e nos mostra que existe algo de podre no meio de todos esses personagens.

O importante, no final, é ficar atento à frase de Patty Hewes que citamos no início do texto. Ao assistir “Damages”, não confie em ninguém. Nada é aquilo que parece ser. Por esta razão, os pontos mais positivos dessa primeira temporada do seriado são o roteiro (em nenhum momento a série parece ser confusa, já que todas as peças se encaixam) e o elenco. Glenn Close arrasa num tipo de personagem que ela conhece muito bem (Patty Hewes vai entrar no rol das maiores bitches da televisão) – por ter vencido o Globo de Ouro 2008 de Melhor Atriz em Série Dramática, ela é a favorita para vencer o Emmy na mesma categoria. Rose Byrne surpreende com uma Ellen Parsons vulnerável, mas que, por trás da cara de anjinho, guarda uma mulher forte e decidida. Ted Danson tem um dos melhores papéis de sua carreira – e nunca esteve tão bem. Zeljko Ivanek (que interpreta Ray Fiske, o advogado de Arthur Frobisher) mantém um alto nível de atuação em todos os episódios. E os atores convidados ainda acrescentam muito à “Damages”, especialmente Anastasia Griffith (na pele de Katie Connor, a cunhada de Ellen Parsons), Peter Facinelli (que faz Gregory Malina, uma testemunha-chave do caso Frobisher) e Peter Riegert (que interpreta George Moore, um investigador da Comissão de Valores Mobiliários que guarda os seus próprios segredos).

Previsões de indicações para o Primetime Emmy Awards 2008:
Best Drama Series
Best Actress in a Drama Series – Glenn Close
Best Supporting Actor in a Drama Series – Ted Danson
Best Supporting Actress in a Drama Series – Rose Byrne
Guest Actress in a Drama Series – Anastasia Griffith
Best Writing in a Drama Series - Todd A. Kessler, Glenn Kessler e Daniel Zelman, “Pilot, A.K.A. Get Me A Lawyer”

Homem de Ferro (Iron Man, 2008)

2008-05-07T12:04:00.000-07:00

Como o próprio Tony Stark (Robert Downey Jr.) afirma, no final de “Homem de Ferro”, filme do diretor Jon Favreau, ele não faz o tipo super-herói. Herdeiro da empresa que é a maior fornecedora de armas do Exército norte-americano, Stark foge do estereótipo “nerd” e, apesar de sua enorme inteligência, é um bon-vivant e adora estar ao lado de mulheres bonitas, em momentos de diversão. Ou seja, Tony Stark evita encarar qualquer tipo de responsabilidade.

Isso irá mudar quando ele passa por uma daquelas experiências que transforma a vida de qualquer pessoa. Logo após apresentar ao Exército dos Estados Unidos a sua mais nova invenção – o poderoso míssil Jericho –, Tony Stark é seqüestrado por rebeldes afegãos. Ele passa três meses em cativeiro e só consegue fugir do local após construir uma poderosa armadura de ferro – cujo projeto foi executado com a ajuda de seu companheiro de “prisão”, Yinsen (Shaun Toub, que estava no elenco de filmes como “Crash – No Limite”).

Ao vivenciar na pele o poder de devastação que os produtos que cria e fabrica possuem, Tony Stark tem uma espécie de revelação e decide mudar todo o propósito de sua empresa deixando de fabricar armas. Como uma mudança radical dessas não pode ser feita do dia para a noite, Stark passa a agir de uma outra maneira. Aperfeiçoando a armadura inicial com a qual conseguiu fugir do cativeiro onde ficou preso, Stark se transforma no Homem de Ferro, um soldado (esta seria a definição mais adequada para o herói) que luta para destruir as armas que fabrica antes que elas possam fazer vítimas e arrasar localidades.

“Homem de Ferro” marca o início de uma temporada que promete para os cinéfilos. O filme de Jon Favreau é somente o primeiro a estrear nos cinemas, em 2008, tendo como base criações da Marvel Comics – o próximo é “O Incrível Hulk”, do diretor Louis Leterrier. Portanto, a responsabilidade que o diretor Jon Favreau tinha nas mãos era enorme. E ele se sai muito bem, ao realizar um longa muito divertido e com ótimas cenas de ação. Além disso, o diretor acertou em cheio ao bancar a escalação de Robert Downey Jr. como Tony Stark. O ator está excelente, equilibrando com perfeição um tom que passa pela ironia, pela comédia e pela seriedade com a mesma intensidade. Do elenco, o outro nome que se destaca é o de Jeff Bridges, que arrasa como Obadiah Stane, o sócio – e maior inimigo – de Tony Stark.

Cotação: 8,5

Homem de Ferro (Iron Man, EUA, 2008)
Diretor(es): Jon Favreau
Roteirista(s): Arthur Marcum, Matt Holloway, Mark Fergus, Hawk Ostby (com base nos personagens criados por Stan Lee, Larry Lieber, Jack Kirby, Don Heck)
Elenco: Robert Downey Jr., Terrence Howard, Gwyneth Paltrow, Jeff Bridges, Samuel L. Jackson, Leslie Bibb, Clark Gregg, Stan Lee, Shaun Toub, Bill Smitrovich, Ghostface Killah, Sahar Bibiyan, Faran Tahir

MTV Movie Awards 2008 - Indicados

2008-05-06T11:39:00.000-07:00

A MTV anunciou na data de hoje a sua lista de indicados para a edição anual dos MTV Movie Awards, o mais diferente - e bem-humorado - dos prêmios para a indústria cinematográfica. Liderando o pacote, com 5 indicações, a comédia "Superbad - É Hoje", do diretor Greg Mottola. Com 4 indicações, aparece o fenômeno indie "Juno", do diretor Jason Reitman.

O estranho da lista de indicados para o MTV Movie Awards 2008 é que ela inclui obras que ainda nem estrearam nos cinemas, como "As Crônicas de Nárnia - Príncipe Caspian", "Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal" e "Sex and the City - O Filme".

A lista completa de indicados:

BEST MOVIE
Juno
Transformers
Pirates of the Caribbean: At World's End
I Am Legend
Superbad
National Treasure: Book of Secrets

BEST MALE PERFORMANCE
Will Smith, I Am Legend
Shia LaBeouf, Transformers
Denzel Washington, American Gangster
Matt Damon, The Bourne Ultimatum
Michael Cera, Juno

BEST FEMALE PERFORMANCE
Ellen Page, Juno
Keira Knightley, Pirates of the Caribbean: At World's End
Katherine Heigl, Knocked Up
Amy Adams, Enchanted
Jessica Biel, I Now Pronounce You Chuck & Larry

BEST VILLAIN
Johnny Depp, Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street
Denzel Washington, American Gangster
Angelina Jolie, Beowulf
Topher Grace, Spider-Man 3
Javier Bardem, No Country for Old Men

BEST COMEDIC PERFORMANCE
Johnny Depp, Pirates of the Caribbean: At World's End
Adam Sandler, I Now Pronounce You Chuck & Larry
Jonah Hill, Superbad
Seth Rogen, Knocked Up
Amy Adams, Enchanted

BEST FIGHT
Matt Damon vs. Joey Ansah, The Bourne Ultimatum
Tobey Maguire vs. James Franco, Spider-Man 3
Hayden Christensen vs. Jamie Bell, Jumper
Sean Faris vs. Cam Gigandet, Never Back Down
Chris Tucker & Jackie Chan vs. Sun Ming Ming, Rush Hour 3
Alien vs. Predator, Alien vs. Predator—Requiem

BEST KISS
Shia LaBeouf and Sarah Roemer, Disturbia
Amy Adams and Patrick Dempsey, Enchanted
Daniel Radcliffe and Katie Leung, Harry Potter and the Order of the Phoenix
Ellen Page and Michael Cera, Juno
Briana Evigan and Robert Hoffman, Step Up 2: the Streets

BREAKTHROUGH PERFORMANCE
Zac Efron, Hairspray
Seth Rogen, Knocked Up
Jonah Hill, Superbad
Michael Cera, Superbad
Chris Brown, This Christmas
Nikki Blonsky, Hairspray
Megan Fox, Transformers
Christopher Mintz-Plasse, Superbad

BEST SUMMER MOVIE SO FAR
Iron Man
Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull
Sex and the City: The Movie
Speed Racer
The Chronicles of Narnia: Prince Caspian

A edição 2008 do MTV Movie Awards acontecerá no dia 01 de Junho e terá a apresentação do comediante Mike Myers.

O Olho do Mal (The Eye, 2008)

2008-05-05T12:37:00.000-07:00

A vida de quem está na espera por uma doação de órgãos é muito difícil. Por incrível que pareça, não é essa a realidade que passa o prólogo de “O Olho do Mal”, filme dirigido pela dupla David Moreau e Xavier Palud. Sydney Wells (Jessica Alba) é uma violinista de bastante sucesso. Solista de uma orquestra, ela mora em um apartamento confortável e, aparentemente, está mais do que acostumada com a cegueira que a acomete desde que ela tinha cinco anos e decidiu brincar com fogos de artifício ao lado da irmã mais velha.

Ao que parece, Helen Wells (Parker Posey, péssima nas poucas cenas que possui), a irmã de Sydney, nunca se conformou com o destino que ela teve. Talvez movida por um sentimento de culpa, Helen recoloca a irmã na fila por uma doação de córnea (da primeira vez em que Sydney passou por um transplante, o órgão foi rejeitado pelo seu corpo). É justamente este procedimento que dá início ao acontecimento mais importante do roteiro de “O Olho do Mal”: a partir do momento em que Sydney começa a enxergar novamente, ela começa a ser atormentada por visões de coisas que, provavelmente, faziam parte da vida da pessoa que lhe ofereceu o órgão (a esse fenômeno, os médicos dão o nome de memória visual).

Na medida em que passa pela adaptação ao novo – e assustador – mundo que se apresenta a ela, Sydney leva ao pé da letra aquela afirmação de que é preciso “ver para crer” e, ao lado do Dr. Paul Faulkner (Alessandro Nivola), um especialista no atendimento a pacientes que passaram por transplantes de córnea, tenta compreender o que as visões que ela enxerga significam. Só assim, Sydney poderá encontrar uma maneira de retomar a sua vida – a qual fica totalmente parada enquanto ela passa por esse momento bastante difícil.

Refilmagem do terror chinês “O Olho – A Herança”, dos diretores Oxide Pang e Danny Pang (os mesmos de “Os Mensageiros”), o filme da dupla David Moreau e Xavier Palud falha justamente naquilo que deveria ser seu ponto mais forte e não causa qualquer sensação de medo na platéia. Somente as sólidas atuações de Jessica Alba (a qual precisa, urgentemente, de um novo agente que a leve a projetos, no mínimo, interessantes) e Alessandro Nivola (que também não dá sorte nos filmes que faz) conseguem fazer de “O Olho do Mal” um filme tolerável.

Cotação: 3,0

O Olho do Mal (The Eye, EUA, 2008)
Diretor(es): David Moreau, Xavier Palud
Roteirista(s): Sebastian Gutierrez (com base no roteiro de Jo Jo Yuet-chun Hui, Oxide Pang, Danny Pang)
Elenco: Jessica Alba, Alessandro Nivola, Parker Posey, Rade Serbedzija, Fernanda Romero, Rachel Ticotin, Obba Babatundé, Danny Mora, Chloe Moretz, Brett Haworth, Kevin K., Tamlyn Tomita, Esodi Geiger, Karen Austin, Ryan J. Pezdric

Margot e o Casamento (Margot at the Wedding, 2007)

2008-05-02T11:37:00.000-07:00

Já virou um clichê do cinema. Toda vez em que um personagem principal de um filme volta para casa é sinônimo de que ele está passando por uma fase complicada em sua vida. O retorno às origens serve até mesmo como um propósito para que o personagem se conecte novamente consigo mesmo e possa obter aquilo que queria ao regressar ao lar: a possibilidade do recomeço. O longa “Margot e o Casamento”, do diretor e roteirista Noah Baumbach, apesar de seguir um chavão desses, nos surpreende ao mostrar alguém que não quer iniciar uma nova jornada, e sim ter coragem para seguir no caminho que já conhece.

De uma certa maneira, Margot (Nicole Kidman), lembra muito Joan Berkman (Laura Linney), a personagem principal de “A Lula e a Baleia”, filme anterior de Noah Baumbach. As duas são mulheres de intelecto privilegiado. Trabalham com o ato de escrever e são casadas com homens do mesmo campo profissional. Com os filhos, tentam levar um relacionamento moderno. Ou seja, elas são adeptas daquele estilo de que se deve adotar o máximo de sinceridade com as crianças. Nenhum assunto é tabu entre eles.

Quando encontramos Margot na primeira cena de “Margot e o Casamento”, ela está viajando de trem com o filho Claude (Zane Pais). Os dois estão a caminho da cidade natal dela, mais precisamente para a casa aonde ela cresceu. É lá que vive Pauline (Jennifer Jason Leigh, que foi indicada ao Independent Spirit Awards 2008 de Melhor Atriz Coadjuvante pela sua performance neste filme), uma das irmãs de Margot. Elas não se falam há algum tempo, mas isso não impediu que Margot fosse convidada – e aceitasse participar – do casamento de Pauline com Malcolm (Jack Black), um homem com muito senso de humor, porém nenhum plano concreto de vida.

É a partir do reencontro entre as duas irmãs que o roteiro de Noah Baumbach aborda um território que também foi encarado em “A Lula e a Baleia”: os das famílias cheias de imperfeição. No caso particular de “Margot e o Casamento”, os problemas familiares nos são revelados através da inconstância emocional vivenciada por Margot e Pauline, que, uma hora, se amam e confiam uma na outra; e, na outra, se odeiam e querem distância completa. No meio dessa tempestade de sentimentos, temos (de novo) duas crianças – além do já citado Claude, encontramos Ingrid (Flora Cross), a filha de Pauline – que estão naquele momento crucial da formação da personalidade.

Como já foi mencionado algumas vezes durante o texto, são inúmeras as semelhanças entre esse “Margot e o Casamento” e o filme “A Lula e a Baleia”. Além dos elementos presentes na narrativa, podemos perceber que os pontos mais fortes dos dois filmes se encontram no ótimo elenco. Se, em “A Lula e Baleia”, Laura Linney e Jeff Daniels deram um verdadeiro show; em “Margot e o Casamento”, Nicole Kidman e Jennifer Jason Leigh oferecem performances inspiradíssimas. O elemento que destoa aqui é o roteiro de Noah Baumbach. O filme é construído em cima de muitos diálogos e os mesmos fazem com que “Margot e o Casamento” seja uma verdadeira volta de montanha russa, assim como as muitas mudanças de humores das suas duas personagens principais.

Cotação: 6,3

Margot at the Wedding (Margot at the Wedding, EUA, 2007)
Diretor(es): Noah Baumbach
Roteirista(s): Noah Baumbach
Elenco: Zane Pais, Susan Blackwell, Nicole Kidman, Jack Black, Flora Cross, Jennifer Jason Leigh, Seth Barrish, Matthew Arkin, Michael Cullen, Enid Graham, Sophie Nyweide, Justin Roth, Ciarán Hinds, Halley Feiffer, Joanthan Scwartz

Novo Trailer de "The Incredible Hulk"

2008-04-30T16:56:00.000-07:00

Os fãs de filmes de super-heróis, que estão muito agitados com a estréia de "Homem de Ferro", do diretor Jon Favreau, nesta semana, nas salas de cinema do Brasil, possuem mais motivos para comemorar. A Marvel revelou na data de hoje o segundo trailer oficial do filme "O Incrível Hulk", do diretor Louis Leterrier, e com o ator Edward Norton na pele do monstro verde.

Se o primeiro trailer oficial do filme deixou algumas dúvidas nas mentes dos fãs mais ardorosos, essa segunda versão, com certeza, causa uma impressão bem mais animadora - especialmente no que diz respeito ao aspecto dos efeitos especiais. Além do trailer, foram divulgadas hoje novas imagens do filme pelo site Superhero Flix.

Prestem atenção para as várias cenas do trailer que mostram passagens filmadas na Favela de Tavares Bastos, no Rio de Janeiro.

"O Incrível Hulk" estréia mundialmente no dia 13 de Junho.

Um Amor de Tesouro (Fool's Gold, 2008)

2008-04-30T09:52:00.000-07:00

Em 2005, o diretor John Stockwell lançou um filme chamado “Mergulho Radical”. No mar do Caribe, um casal de mergulhadores chamado Jared (Paul Walker) e Sam (Jessica Alba) encontram um avião afundado, o qual esconde um tesouro e uma carga de drogas. Com patrocinadores no seu encalço, além dos traficantes que são donos daquilo que eles também descobriram no fundo do mar, se tem o desenvolvimento de uma trama que mistura aventura, romance e ação. O longa “Um Amor de Tesouro”, do diretor Andy Tennant, guarda muitas semelhanças com a obra dirigida por John Stockwell. A diferença é que a narrativa se passa nas praias da Flórida.

O casal recém-divorciado Benjamin Finnegan (Matthew McConaughey, que está bem à vontade em várias cenas em que aparece sem camisa – um figurino habitual que ele adorna fora das telas) e Tess (Kate Hudson) se reúnem para um último projeto a dois: a descoberta do local onde está escondido o “Dote da Rainha”, tesouro que seria entregue pelo rei espanhol Felipe II à sua jovem esposa e que desapareceu, misteriosamente, no fundo do mar, após toda a frota espanhola ser derrubada por um furacão.

Para colocarem seu plano em prática, Finn e Tess contarão com o bem-vindo patrocínio do milionário Nigel Honeycutt (Donald Sutherland, com um bronzeado artificial totalmente constrangedor) e da sua filha Gemma (Alexis Dziena, completamente hilária), bem como a ajuda do parceiro Alfonz (Ewen Bremmer). No entanto, eles ainda terão que lidar com a concorrência de Moe Fitch (Ray Winstone), um dos maiores especialistas na caça ao tesouro, e do rapper linha dura Bigg Bunny (Kevin Hart), o ex-financiador de Finn, a quem ele deve uma quantia enorme.

Filmado nas belas praias da Austrália, é justamente a paisagem natural um dos pontos mais altos de “Um Amor de Tesouro”. Além disso, o diretor Andy Tennant (de obras como “Hitch – Conselheiro Amoroso”, “Doce Lar” e “E Agora, Meu Amor?”) aposta na química existente entre Matthew McConaughey e Kate Hudson, que se deram muito bem na comédia romântica “Como Perder um Homem em 10 Dias”. No entanto, no final, o que acaba marcando mais o longa é a mistura entre comédia, romance e aventura, a qual – neste caso – deu muito certo.

Cotação: 5,8

Um Amor de Tesouro (Fool's Gold, EUA, 2008)
Diretor(es): Andy Tennant
Roteirista(s): John Claflin, Daniel Zelman, Andy Tennant
Elenco: Matthew McConaughey, Kate Hudson, Donald Sutherland, Alexis Dziena, Ewen Bremner, Ray Winstone, Kevin Hart, Malcolm-Jamal Warner, Brian Hooks, David Roberts, Michael Mulheren, Adam LeFevre, Rohan Nichol, Roger Sciberras, Elizabeth Connolly

No Vale das Sombras (In the Valley of Elah, 2007)

2008-04-29T11:42:00.000-07:00

O título original de “No Vale das Sombras”, do diretor Paul Haggis, se baseia em uma história do Antigo Testamento. Golias era um gigante imbatível. Ele desafiou o exército israelense a enviar o seu melhor homem para lutar com ele, mas ninguém se prontificava para atender a missão. Davi, um rapaz comum, decidiu enfrentar o gigante. Munido de uma armadura e de um estilingue, derrubou Golias com uma pedra só. A história de Davi e Golias fala sobre a superação dos medos e, de alguma maneira, todos os personagens deste filme também estão diantes de uma situação em que têm que vencer seus maiores temores.

Temos os soldados norte-americanos (Wes Chatham, Jake McLaughlin, Mehcad Brooks, Jonathan Tucker e Victor Wolf) que servem no Iraque e que têm que encontrar uma maneira para sobreviver (física e mentalmente) ao local. Encontramos a Detetive Emily Sanders (Charlize Theron, numa contida – e eficiente – atuação), que é mãe solteira do pequeno David (Devin Brochu), e tem que lutar contra o preconceito dos colegas de trabalho, que a designam para casos considerados ridículos. E nos deparamos com Hank Deerfield (Tommy Lee Jones, numa performance que lhe rendeu uma indicação ao Oscar 2008 de Melhor Ator), o esposo de Joan (Susan Sarandon), um militar aposentado e que tem que lidar com a culpa que sente pelo destino que tiveram as vidas de seus dois únicos filhos homens, os quais seguiram a mesma carreira do pai.

A trama de “No Vale das Sombras”, que foi escrita por Paul Haggis e Mark Boal, segue a investigação que é feita por Hank Deerfield e pela Detetive Emily Sanders – com a cooperação parcial do Tenente Kirklander (Jason Patric), da polícia do exército – para descobrir a verdade sobre o desaparecimento do filho caçula de Deerfield, Mike (o já citado Jonathan Tucker), que acabara de regressar do Iraque. A partir do inquérito, vamos mergulhar nos dramas pessoais de cada um dos grupos mencionados no segundo parágrafo do texto e passaremos a entender de que forma eles irão se colocar no novo mundo que se apresenta a eles.

Antes de ganhar a fama mundial com os roteiros de filmes como “Crash – No Limite” e “Menina de Ouro”, Paul Haggis era um profissional cujos créditos mais conhecidos incluíam textos para seriados de TV como “Family Law”, “L.A. Law” e “Walker: Texas Rangers”. De alguma maneira, a estrutura narrativa de “No Vale das Sombras” lembra muito a de um episódio de um programa de temática policial, como “Without a Trace”, “Cold Case” ou “Law & Order”. Você tem a contextualização, a descoberta das lacunas no caso, a exploração das vidas pessoais dos envolvidos e, finalmente, o desfecho do evento com as eventuais cenas que mostram o início da continuação da vida. O filme poderia, por isso mesmo, ser uma obra que não marcasse muito, mas acontece justamente o contrário. “No Vale das Sombras” deixa uma impressão definitiva em quem o assiste e isto é mérito exclusivo do roteiro. Não importa quem seja seu parceiro de redação, Paul Haggis consegue encadear as palavras de forma que elas nos emocionam e nos envolvem naquilo que estamos assistindo.

Cotação: 9,0

No Vale das Sombras (In the Valley of Elah, EUA, 2007)
Diretor(es): Paul Haggis
Roteirista(s): Paul Haggis, Mark Boal
Elenco: Tommy Lee Jones, Charlize Theron, Joseph Bertot, Brent Briscoe, Devin Brochu, Josh Brolin, Mehcad Brooks, Chris Browning, Wes Chatham, Barry Corbin, Wayne Duvall, Frances Fisher, James Franco, Rick Gonzalez, Loren Haynes

De Olho no Primetime Emmy Awards 2008 - "The Closer"

2008-04-28T09:47:00.000-07:00

As indicações para o 60th Annual Primetime Emmy Awards 2008 só serão anunciadas no dia 17 de Julho, porém muito se pode ser discutido sobre a edição desse ano. Por exemplo: as mudanças nas regras do prêmio (foi criada uma nova categoria: a de melhor apresentador de um programa de competição ou reality show e atores e atrizes de programas de variedades, como o “Saturday Night Live”, passam agora a concorrer nas categorias de séries de comédia) ou de que forma a greve de roteiristas irá influenciar a lista de indicados. Para responder a esta pergunta, alguns apostam em uma abertura maior da Academia de Artes e Ciências Televisivas para os seriados veiculados pela TV a Cabo (como “Mad Men”, “Damages” – programa sobre o qual falaremos em breve aqui no Cinéfila por Natureza –, “The Wire”, dentre outras).

O canal TNT, que de acordo com o blogueiro Tom O’Neil, tem sido um dos mais originais e agressivos concorrentes do Emmy Awards, liberou nesta semana a sua caixa oficial para o FYC (For Your Consideration) aos votantes da Academia. Nela, constam programas como o seriado “Savage Grace” (estrelado por Holly Hunter e que estréia em Maio, no Brasil, pelo canal Fox) e a minissérie “A Companhia” (dos atores Chris O’Donnell, Alfred Molina, Michael Keaton, entre outros).

No entanto, algumas das maiores chances do canal no Primetime Emmy Awards 2008 se encontram no seriado “The Closer”, cuja terceira temporada foi uma das melhores a serem veiculadas na temporada 2007-2008. Criada por James Duff, o programa segue a unidade de homicídios prioritários da polícia de Los Angeles (LAPD). Liderada pela Deputy Chief Brenda Leigh Johnson (Kyra Sedgwick), a equipe, além de desvendar crimes, tem que se preocupar com os conflitos internos, especialmente com os policiais da delegacia de homicídios.

Para submeter o seriado na categoria de Best Drama Series, a TNT fez um excelente trabalho ao escolher quatro dos melhores episódios da terceira temporada do programa. São eles: “Homewrecker” (o season-premiere em que a equipe de Brenda tinha que investigar um triplo homicídio), “Ruby” (numa corrida contra o tempo, a equipe de Brenda tem que ir atrás de uma menina de oito anos que desapareceu misteriosamente e que pode estar nas mãos de um criminoso sexual – se existir justiça no Emmy 2008, Heath Freeman tem que ser indicado como Guest Actor in a Drama Series por sua performance nesse episódio), “Manhunt” (em uma outra corrida contra o tempo, a equipe de Brenda tem que desvendar a identidade de um serial killer antes que ele faça uma nova vítima) e “Til Death Do Us Part” (episódio dividido em duas partes em que a equipe de Brenda tem que elucidar o assassinato de um famoso advogado de divórcios).

Além de depositarem altas esperanças numa possível indicação de “The Closer” na categoria de Best Drama Series, o TNT também aposta alto numa vitória de Kyra Sedgwick na categoria de Lead Actress in a Drama Series. Na terceira temporada de “The Closer”, os roteiristas foram super generosos com a atriz, que possui vários excelentes episódios para escolher. A maior concorrência dela parece ser a aclamada Glenn Close por seu trabalho na primeira temporada de “Damages” (por ele, já venceu o Globo de Ouro 2008 de Melhor Atriz em Série de Drama), mas já dissemos aqui – e não custa nada repetir: Kyra Sedgwick é a melhor atriz em atividade na televisão norte-americana e a maneira como ela criou e interpreta a personagem Brenda Leigh Johnson é digna de todas as honras que possam ser conquistadas.

O Cinéfila por Natureza vai começar a divulgar, aos poucos, seus palpites para as categorias principais do 6oth Annual Primetime Emmy Awards. Vamos começar com o que, acreditamos, serem as maiores chances de “The Closer” de receber indicações na premiação:

Best Drama Series
Lead Actress in a Drama Series – Kyra Sedgwick
Best Directing in a Drama Series – Kevin Bacon pelo episódio “Blindsided”
Best Writing in a Drama Series – Mike Berchem e James Duff pelo episódio “Manhunt”

O Poder da Esperança (Music Within, 2007)

2008-04-25T11:55:00.000-07:00

Quando era ainda uma criança, Richard Pimentel (Ridge Canipe) escutou de um professor uma frase famosa que dizia que muitas pessoas passam pela vida sem encontrar a sua verdadeira música. Por essa afirmação, devemos entender que falta a muita gente descobrir a sua verdadeira voz. A de Richard lhe foi exposta muito cedo: ele tem o dom da palavra. Um ótimo orador, especialmente de discursos que ele decorava pelo rádio, Richard ainda precisava de muita experiência de vida para poder realmente executar algo que fizesse a diferença na vida das pessoas.

De alguma maneira, ele não conseguia transportar as agruras de sua vida pessoal – a mãe (Rebecca de Mornay) vive num hospício e o pai (Clint Jung) morreu cedo – para os discursos que fazia. Isso só irá acontecer quando ele (agora interpretado por Ron Livingston) volta do Vietnã acometido por uma doença que o fez perder a audição e ficar permanentemente com um zumbido no ouvido. Através da amizade que ele desenvolve com Art Honeyman (Michael Sheen, ótimo), um homem inteligente mas portador de paralisia cerebral, bem como com outros veteranos de guerra, Richard decide dedicar a sua vida à luta pelos direitos dos deficientes, especialmente pela inclusão deles em uma vida plena na sociedade – com emprego, lazer, entre outras coisas.

Baseado em uma história real, “O Poder da Esperança”, filme do diretor Steven Sawalich, conta uma história bastante inspiradora. O filme tem uma ótima trilha sonora, a qual embala as diferentes fases da vida de Richard; porém conta com um roteiro que, em alguns momentos, pega pesado com as cenas que retratam alguns dos pontos mais difíceis vividos pelo personagem principal. De qualquer maneira, “O Poder da Esperança” é um filme que marca justamente pela bela mensagem que quer passar.

Cotação: 5,0

O Poder da Esperança (Music Within, 2007)
Diretor: Steven Sawalich
Roteiro: Bret McKinney, Mark Andrew Olsen, Kelly Kennemer
Elenco: Ron Livingston, Melissa George, Michael Sheen, Yul Vasquez, Rebecca de Mornay, Hector Elizondo, Leslie Nielsen, Ridge Canipe, Paul Michael, Clint Jung, John Livingston

Enterrem Meu Coração na Beira do Rio (Bury My Heart at Wounded Knee, 2007)

2008-04-24T11:17:00.000-07:00

Toda a trama de “Enterrem Meu Coração na Beira do Rio”, telefilme do diretor Yves Simoneau, se baseia em um fato da história dos Estados Unidos. No século XIX, os índios da tribo Sioux eram um dos poucos a resistirem e se recusavam a abandonar as Black Hills, local que eles consideravam ser sagrado. No entanto, a insistência do homem branco em se apoderar da localidade se intensifica quando, em meio a uma grande depressão econômica, é descoberta uma valiosa mina de ouro por lá.

Após essa contextualização histórica, o roteiro de Daniel Giat (tendo como base o livro de Dee Alexander Brown) se divide em duas linhas narrativas. A primeira segue o grande cacique Touro Sentado (August Schellenberg), que, com sua tribo Sioux, abandona as Black Hills e vai para o Canadá. A segunda retrata a ocidentalização de Ohiyesa (Chevez Ezaneh), um membro da tribo Sioux, que recebe toda a sua educação em uma escola do Estado de Illinois e vira o médico Charles Eastman (Adam Beach), o símbolo maior da política de adaptação dos índios desenvolvida pelo Senador Henry Dawes (Aidan Quinn).

A parte mais interessante de “Enterrem Meu Coração na Beira do Rio” acontece quando estes três personagens que entraram para a história norte-americana se encontram nas Black Hills, cada um desempenhando uma função diferente. Foi no dia 29 de Dezembro de 1890, quando as tropas do governo norte-americano, após várias tentativas frustradas de ocidentalização indígena ou de fazer com que a tribo aceitasse os termos de um acordo que não lhes beneficiava em nada, foi a responsável por um dos maiores massacres vistos no país, quando centenas de homens, mulheres e crianças indígenas foram mortas.

Indicado a 17 Primetime Emmy Awards 2007, “Enterrem Meu Coração na Beira do Rio” ganhou 6 estatuetas, incluindo a de Melhor Filme Produzido Para Televisão. Cada um desses prêmios foi merecido, já que a parte técnica do telefilme é maravilhosa. O diretor Yves Simoneau nos entrega uma obra de belas imagens e que faz uma discussão muito interessante sobre a defesa de valores e sobre não se entregar. Pena que o roteiro, mesmo passando uma mensagem necessária, seja tão cheio de falhas.

Cotação: 6,9

Enterrem Meu Coração na Beira do Rio (Bury My Heart at Wounded Knee, EUA, 2007)
Diretor(es): Yves Simoneau
Roteirista(s): Daniel Giat (com base no livro de Dee Alexander Brown)
Elenco: Aidan Quinn, Adam Beach, August Schellenberg, J.K. Simmons, Eric Schweig, Wes Studi, Colm Feore, Gordon Tootoosis, Fred Dalton Thompson, Anna Paquin, Laura Bachynski, Wayne Charles Baker, Tom Carey, Gerald Tokala Clifford, Chris Diamantopoulos

Valente (The Brave One, 2007)

2008-04-23T11:26:00.000-07:00

Bem no início de “Valente”, do diretor Neil Jordan, Erica Bain (Jodie Foster, numa performance que lhe rendeu uma indicação ao Globo de Ouro 2008 de Melhor Atriz em Filmes Dramáticos), que apresenta um programa cujo assunto principal são as caminhadas que ela faz pelas ruas de Nova York, fala a respeito de sua falta de costume com aquele mundo caótico. Ela sente falta de um tempo que já acabou. No entanto, pouco tempo depois disso, Erica é uma nova mulher, alguém que consegue ficar alheio a – quase – todos os sons advindos dos becos da cidade aonde mora.

A mudança em Erica se dá em decorrência de um ato de violência. Ela e o noivo David Kirmani (Naveen Andrews, do seriado “Lost”) são espancados até perderem a consciência. Ele acaba falecendo, enquanto ela fica em coma por três semanas. Ao acordar, Erica tenta se acostumar novamente ao mundo a seu redor, mas ao mesmo tempo sente uma vontade enorme de preencher o vazio que ficou em sua vida após a morte de David.

Existem diversas maneiras para continuar a vida após algo como o que Erica passou. Não é que ela passa a ser alguém intolerante. Na realidade, Erica está disposta a não passar mais nunca por este tipo de sofrimento. É por esta razão que, ao se deparar novamente com outros atos de violência, ela reaja – não com o objetivo de fazer justiça com as próprias mãos, mas sim para encontrar um novo significado para a sua existência, já que Erica acredita que não poderá nunca mais voltar a ser a mesma pessoa que foi antes da morte de David.

O roteiro de Roderick Taylor, Bruce A. Taylor e Cynthia Mort nos dá elementos importantes para compreender a nova fase de Erica. É fundamental aqui a maneira como os três roteiristas desenvolvem o relacionamento que se estabelece entre ela e o detetive Mercer (Terrence Howard, numa ótima atuação). O contraste entre o que é considerado correto e o que é visto como errado no conceito do que é legal e do que é justo é um dos pontos mais altos – e de reflexão – de “Valente”.

Se fosse um filme brasileiro, “Valente” seria uma obra considerada fascista e Erica Bain viraria uma heroína a la Capitão Nascimento. Como é um longa norte-americano, deve ser interpretado sob o ponto de vista daquele país. Personagens como Erica Bain teriam feito sucesso nos anos 70, ao lado de tipos como Dirty Harry e Paul Kersey. No entanto, nos dias atuais, uma história como a retratada pelo filme de Neil Jordan é quase que uma afronta. Os norte-americanos acreditam piamente na lei e na justiça. Talvez, por isso, “Valente” tenha sido solenemente ignorado no país.

Cotação: 8,2

Valente (The Brave One, EUA, Austrália, 2007)
Diretor(es): Neil Jordan
Roteirista(s): Roderick Taylor, Bruce A. Taylor, Cynthia Mort
Elenco: Jodie Foster, Terrence Howard, Nicky Katt, Naveen Andrews, Mary Steenburgen, Ene Oloja, Luis Da Silva Jr., Blaze Foster, Rafael Sardina, Jane Adams, Gordon MacDonald, Zoe Kravitz, John Magaro, Victor Colicchio, Jermel Howard

Super-Herói - O Filme (Superhero Movie, 2008)

2008-04-22T11:24:00.000-07:00

Apesar de enfrentarem vilões bastante perigosos e de terem a grande responsabilidade de salvar o mundo, os super-heróis sabem também ter um bom senso de humor. Esse é o caso, por exemplo, da dupla Johnny Storm (Chris Evans) e Ben Grimm (Michael Chiklis) dos filmes do “Quarteto Fantástico” e do Peter Parker (Tobey Maguire) versão emo visto em “Homem-Aranha 3”. “Super-Herói – O Filme”, do diretor e roteirista Craig Mazin, tem o objetivo de fazer uma aventura cômica parodiando alguns dos super-heróis mais populares do cinema, como “X-Men” e os já citados “Quarteto Fantástico” e “Homem-Aranha”.

Por falar no Spidey, é justamente ele – e seu alter-ego – o motivo maior de inspiração por trás do roteiro escrito por Craig Mazin. Rick Riker (Drake Bell) é um típico jovem de 16/17 anos. Órfão de pai e mãe, ele é criado pelos tios (Leslie Nielsen e Marion Ross). Apaixonado pela garota mais popular da escola (Sara Paxton), que nem lhe dá bola, Rick é ridicularizado todos os dias por aqueles que, na escala social do colegial, são considerados os mais populares. Em uma visita escolar a um laboratório, ele é picado por uma libélula modificada geneticamente e, em decorrência disso, se transforma no Libélula, um super-herói forte e muito valente.

“Super-Herói – O Filme” não seria um longa do gênero se não tivesse um grande vilão e ele está na figura do dono do laboratório visitado pela turma de Rick Riker. Lou Landers (Christopher McDonald), não por acaso, é o tio do maior inimigo (Ryan Hensen, do seriado “Veronica Mars”) de Rick; e, após passar por uma experiência científica, se transforma no Ampulheta, vilão que tem como propósito maior alcançar a imortalidade – para isso, ele tem que matar um certo número de pessoas.

É importante frisar que, apesar de ser uma paródia, “Super-Herói – O Filme” tem muitos elementos que o diferem de filmes como “Espartalhões” e “Uma Comédia Nada Romântica”. A começar pelo roteiro do filme, que tem uma estrutura narrativa bem definida, sem espaços para aquelas gags que tanto irritam. No entanto, a principal delas é a presença de um elenco que é formado por atores com o mínimo de talento para a atuação. Você vê o esforço deles em apresentar tudo o que vemos na tela – “Super-Herói – O Filme”, no fundo, é uma obra muito sem-graça – sem parecer que estão fazendo algo que, na realidade, é ridículo.

Cotação: 1,5

Super-Herói: O Filme (Superhero Movie, EUA, 2008)
Diretor(es): Craig Mazin
Roteirista(s): Craig Mazin
Elenco: Drake Bell, Sara Paxton, Christopher McDonald, Leslie Nielsen, Kevin Hart, Marion Ross, Ryan Hansen, Keith David, Brent Spiner, Robert Joy, Jeffrey Tambor, Robert Hays, Nicole Sullivan, Sam Cohen, Tracy Morgan

Apenas uma Vez (Once, 2007)

2008-04-21T13:34:00.000-07:00

Quando subiram no palco do Kodak Theater, no dia 24 de Fevereiro de 2008, para receberem o Oscar de Melhor Canção Original pela belíssima “Falling Slowly”, a dupla Glen Hansard e Marketa Irglova deram um discurso inspirador sobre lutar pelos seus sonhos e, principalmente, sobre a importância de se fazer arte. Tudo o que eles disseram naquela noite pode ser tomado como uma extensão dos temas tratados no filme que eles estrelaram: “Apenas Uma Vez”, do diretor e roteirista John Carney.

O longa foi totalmente rodado em Dublin, capital da Irlanda, e segue e trajetória de um homem (Hansard) que trabalha na pequena loja de consertos do pai e que, nas horas livres, toca seu violão nas ruas da capital irlandesa em busca de ganhar alguns trocados. Em uma noite, sua platéia solitária é formada por uma jovem imigrante tcheca (Irglova) e este encontro irá mudar a vida dos dois.

O roteiro de John Carney utiliza um recurso diferente para explorar as personalidades de seus dois personagens principais. Sabemos o essencial sobre a vida pessoal do homem e da jovem, mas eles se desnudam por completo para nós ao exporem seus sentimentos mais íntimos através da linguagem da música – é aí que entram, além da já citada “Falling Slowly”, canções como “When Your Mind’s Made Up” e “If You Want Me”, entre outras.

Numa época em que os filmes independentes têm cada vez mais cara de produções caprichadas, “Apenas Uma Vez” é um sopro de originalidade e uma volta ao conceito de filmes independentes como forma de experimentação da linguagem cinematográfica. A preocupação do diretor e roteirista John Carney com elementos estéticos como a fotografia, por exemplo, é zero. O grande charme de seu filme é a química genuína existente entre Glen Hansard e Marketa Irglova e as músicas que são resultado do encontro dos dois. E são justamente estes dois elementos que fazem de “Apenas Uma Vez” um dos filmes mais belos e comoventes de 2007.

Cotação: 9,7

Apenas Uma Vez (Once, Irlanda, 2006)
Diretor(es): John Carney
Roteirista(s): John Carney
Elenco: Glen Hansard, Markéta Irglová, Hugh Walsh, Gerard Hendrick, Alaistair Foley, Geoff Minogue, Bill Hodnett, Danuse Ktrestova, Darren Healy, Mal Whyte, Marcella Plunkett, Niall Cleary, Wiltold Owski, Krzysztos Tiotka, Tomek Glowacki

Um Plano Brilhante (Flawless, 2007)

2008-04-18T12:38:00.000-07:00

Existe um certo tipo de filme que nunca envelhece e é aquele que retrata histórias de planos de um roubo que deve ser considerado perfeito. Só no primeiro semestre de 2008, as salas de cinema dos Estados Unidos se viram diante de dois filmes dessa espécie. O primeiro foi “Um Plano Brilhante”, do diretor Michael Radford. O segundo foi “Efeito Dominó”, de Roger Donaldson, filme que recebeu muitos elogios da crítica especializada. Os brasileiros, desde a semana passada, já podem conferir uma dessas obras: a de Radford, que se passa na década de 60, em Londres.

O roteiro de Edward Anderson oferece uma característica em comum aos dois personagens principais de “Um Plano Brilhante”: eles são pessoas que – por casualidades do destino – não conseguiram desenvolver plenamente todo o seu potencial. Em uma época altamente machista, Laura Quinn (Demi Moore, na melhor performance desde que retomou sua carreira) possui um cargo de destaque na London Diamond Corporation, uma empresa especializada na venda de diamantes. No entanto, ela sempre é preterida na hora das promoções para homens menos qualificados que ela.

Já o Sr. Hobbs (Michael Caine, ótimo) teve que se dedicar ao cuidado da esposa doente e abandonou a oportunidade que teve de seguir a carreira para a qual foi treinado. Hobbs trabalha como faxineiro na London Diamond Corporation e sabe de toda a sujeira que está escondida entre as paredes de cada sala da empresa. Quando ele revela para Laura que ela será demitida em breve, arranja uma cúmplice para seu plano: roubar um punhado de diamantes da empresa na qual trabalham.

Se você acha que o planejamento e a execução do roubo são as partes mais legais de “Um Plano Brilhante”, não perde por esperar. O diretor Michael Radford e o roteirista Edward Anderson nos reservam surpresas interessantes a partir do momento em que a investigação do roubo entra em cena. De alguma forma, a presença do investigador Finch (Lambert Wilson) consegue revelar ainda mais da podridão existente na London Diamond Corporation e das motivações por trás dos atos cometidos pelos dois personagens principais.

Com “Um Plano Brilhante”, o diretor Michael Radford envereda, pela primeira vez, nos meandros de um filme nesse estilo. E ele se sai muito bem no trabalho – especialmente porque contou com uma equipe técnica inspirada, destacando-se a direção de arte (de Sophie Becher e Christina Schaffer), os figurinos e a trilha de Stephen Warbeck. A única vez em que Radford escorrega é no seu final, que é um tanto demagógico – aqui, o diretor repete o mesmo erro visto em um outro filme sobre “os melhores amigos das mulheres”, “Diamante de Sangue”, de Edward Zwick.

Cotação: 7,5

Um Plano Brilhante (Flawless, Inglaterra, Luxemburgo, 2007)
Diretor(es): Michael Radford
Roteirista(s): Edward Anderson
Elenco: Joss Ackland, Jonathan Aris, Michael Caine, Simon Day, Josef d'Bache-Kane, Constantine Gregory, David Henry, Kim Hermans, Nicholas Jones, Demi Moore, Derren Nesbitt, Nathaniel Parker, Steve Preston, Ben Righton, Peter Rnic

Os Indomáveis (3:10 to Yuma, 2007)

2008-04-17T10:23:00.000-07:00

A campanha de marketing de “Os Indomáveis”, do diretor James Mangold, era bem interessante e nos dava a impressão de que o filme faria pelo gênero de western o mesmo que “Moulin Rouge – Amor em Vermelho!” fez pelos musicais. Ledo engano. Na sua essência, “Os Indomáveis” é uma típica obra de faroeste, com tudo aquilo que o gênero tem direito: mocinhos, vilões, honestidade, honra, caráter e coragem.

O cansaço está estampado no rosto de Dan Evans (Christian Bale, excelente). Impedido de trabalhar da maneira que gostaria por limitações físicas (é manco, devido a um ferimento de guerra) e climáticas (a região em que vive está sendo assolada por uma seca violenta), ele perdeu a paciência. Endividado e louco para oferecer uma vida mais digna à sua família – a qual é formada pela esposa Alice (Gretchen Mol) e pelos filhos William (o ótimo Logan Lerman, do seriado prematuramente cancelado “Jack & Bobby”) e Mark (Benjamin Petry) –, Dan aceita a tarefa de levar o criminoso Ben Wade (Russell Crowe, eficiente) – o líder de uma gangue de foras-da-lei que causou um prejuízo de milhões a uma empresa ferroviária – a uma estação de trem, de onde Wade partirá para a famosa prisão de Yuma.

Cada um à sua maneira, Dan Evans e Ben Wade representam os valores propagados pelos filmes de western. O interessante, em “Os Indomáveis”, é que o roteiro de Halsted Welles, Michael Brandt e Derek Haas (que foi escrito tendo como base um conto de Elmore Leonard) insere dois antagonistas jovens na história e que oferecem um confronto interessante de valores. William, o filho mais velho de Dan, admira figuras como a de Ben Wade, mas acredita naquilo que é justo. Já Charlie Prince (Ben Foster, roubando a cena), o braço-direito de Ben, representa o ímpeto juvenil, a precipitação, a vontade de agir – mesmo se for para errar feio – e, por isso mesmo, é o mais próximo de um grande vilão que “Os Indomáveis” tem.

O diretor James Mangold tem uma carreira bastante diversa em Hollywood. Em sua filmografia, encontramos obras que se encaixam em gêneros distintos como o policial (“Cop Land”), a comédia romântica (“Kate & Leopold”), o drama (“Garota, Interrompida”), o suspense (“Identidade”) e a cinebiografia (“Johnny & June”). O ponto em comum entre esses projetos é a regularidade. Mangold é aquele tipo de diretor confiável e que é garantia de um bom resultado. “Os Indomáveis” é um filme que não empolga muito inicialmente, mas cujo diferencial é a excepcional meia hora final – em que todos os núcleos narrativos se encontram na cidade de Contention à espera – ou a fim de impedir – o embarque de Ben Wade no trem para Yuma.

Cotação: 9,3

Os Indomáveis (3:10 to Yuma, EUA, 2007)
Diretor(es): James Mangold
Roteirista(s): Halsted Welles, Michael Brandt, Derek Haas (com base no conto de Elmore Leonard)
Elenco: Russell Crowe, Christian Bale, Logan Lerman, Dallas Roberts, Ben Foster, Peter Fonda, Vinessa Shaw, Alan Tudyk, Luce Rains, Gretchen Mol, Lennie Loftin, Rio Alexander, Johnny Whitworth, Shawn Howell, Pat Ricotti

Awake - A Vida por um Fio (Awake, 2007)

2008-04-16T13:55:00.000-07:00

Toda a trama de “Awake – A Vida por um Fio”, filme escrito e dirigido por Joby Harold, se apóia em um fenômeno conhecido pelo nome de consciência anestésica. Isso acontece quando alguém, após receber uma anestesia antes de uma operação, permanece acordado durante o procedimento, porém completamente paralisado. É justamente isso que irá ocorrer com Clay Beresford (Hayden Christensen), o milionário herdeiro de um fundo de investimentos. Ele sofreu um ataque cardíaco e, em decorrência disso, entrou na lista de transplantes para obter um novo coração. Na noite mais feliz de sua vida, ele recebe o telefonema que tanto esperava e vai para o hospital, aonde o seu grande amigo, Dr. Jack Harper (Terrence Howard), o aguarda para dar início ao acontecimento que poderá mudar a sua curta existência, já que Clay pode não sair vivo da sala de cirurgia.

O roteiro do longa mergulha superficialmente na vida pessoal de Clay, que perdeu o pai (Sam Robards) ainda criança e, desde cedo, foi criado pela mãe, Lilith, (Lena Olin) para ser o grande sucessor dele na empresa familiar. Está claro – desde a primeira cena – que a mãe de Clay o protege bastante e, por causa disso, o jovem tem uma relutância enorme em contar para ela os verdadeiros anseios que possui para a sua vida. Além disso, Clay esconde dela a maior razão por trás de sua felicidade: o relacionamento com Sam Lockwood (Jessica Alba), a qual trabalha como assistente pessoal de Lilith.

“Awake – A Vida por um Fio” causa momentos de verdadeira agonia na platéia, quando nos convida a acompanhar tudo o que acontece com Clay Beresford na sala de cirurgia. Com consciência do que está ocorrendo à sua volta; mas, ao mesmo tempo, com um sentimento de impotência enorme, Clay pouco pode fazer quando percebe que sua vida está correndo risco nas mãos dos médicos em quem tanto confia. As reviravoltas adotadas pelo diretor e roteirista Joby Harold são boas – porém, óbvias – e a impressão que fica é a de que “Awake – A Vida por um Fio” poderia ter sido um filme bem melhor se tivesse trabalhado com calma as relações entre Clay e cada um dos personagens que vemos em tela.

Cotação: 5,3

Awake - A Vida por um Fio (Awake, EUA, 2007)
Diretor(es): Joby Harold
Roteirista(s): Joby Harold
Elenco: Hayden Christensen, Jessica Alba, Terrence Howard, Lena Olin, Christopher McDonald, Sam Robards, Arliss Howard, Fisher Stevens, Georgina Chapman, David Harbour, Steven Hinkle, Denis O'Hare, Charlie Hewson, Court Young, Joseph Costa

Elizabeth - A Era de Ouro (Elizabeth - The Golden Age, 2007)

2008-04-15T11:21:00.000-07:00

No Internet Movie Database (IMDB), constam 54 filmes nos quais ela apareceu, mas foi somente no ano de 1998, com “Elizabeth” e “Shakespeare Apaixonado”, que o público realmente prestou atenção em uma das rainhas mais importantes – e populares – da história da Inglaterra: Elizabeth I. Conhecida popularmente como “A Rainha Virgem”, foi sob o seu reinado que a Inglaterra ascendeu como força política mundial e econômica. Além disso, foi sob seu domínio que os ingleses viram a produção artística atingir um altíssimo nível, destacando-se, nessa época, os nomes de dois dos maiores dramaturgos de todos os tempos: Christopher Marlowe e William Shakespeare.

O filme “Elizabeth – A Era de Ouro”, continuação de “Elizabeth”, apesar de possuir um subtítulo positivo, trata, na realidade, de um dos momentos mais turbulentos do reinado dela. Estamos em 1585. A Espanha, do rei Felipe II (Jordi Mollà), possui o grande plano de se tornar a maior potência européia e, por conseqüência, mundial. De maioria católica, o reinado espanhol inicia uma Guerra Cristã pela Europa e transforma os ingleses (na sua maioria protestantes) em seus maiores alvos – o objetivo principal deles é tirar Elizabeth (Cate Blanchett, numa performance que lhe rendeu uma indicação ao Oscar 2008 de Melhor Atriz) do poder e colocar, em seu lugar, Mary Stuart (Samantha Morton, excelente), uma seguidora da fé católica.

Se não bastasse isso, a rainha Elizabeth I ainda tem que lidar com a própria turbulência interna do seu país. A população ainda não se acostumou com sua solteirice e espera que sua rainha mãe ofereça um herdeiro ao trono. Em meio às atividades alcoviteiras de seu fiel escudeiro, Sir Francis Walsingham (Geoffrey Rush), que quer apresentá-la a todo homem descendente da realeza, na Europa; a rainha se aproxima de Sir Walter Raleigh (Clive Owen), cujo estilo de vida livre e aventureiro a fascina.

A grande diferença entre “Elizabeth” e este “Elizabeth – A Era de Ouro” (ambos foram dirigidos por Shekhar Kapur) é o tema principal do roteiro. Se, no primeiro filme, existia uma abordagem do que é o exercício do poder; a continuação prefere humanizar a rainha Elizabeth I, mostrando-a em seus momentos de maior vulnerabilidade e nos quais ela está muito temperamental e ansiosa pelo que irá acontecer. “Elizabeth – A Era de Ouro” funciona perfeitamente na sua primeira hora. Tudo o que acontece após isso é puro exagero – inclusive da parte visual do filme, bem como da atuação de Cate Blanchett, os quais foram o ponto alto da primeira obra.

Cotação: 6,0

Elizabeth: A Era de Ouro (Elizabeth: The Golden Age, Inglaterra, França, 2007)
Diretor(es): Shekhar Kapur
Roteirista(s): William Nicholson, Michael Hirst
Elenco: Jordi Mollà, Aimee King, Cate Blanchett, John Shrapnel, Geoffrey Rush, Susan Lynch, Elise McCave, Samantha Morton, Abbie Cornish, Penelope McGhie, Rhys Ifans, Eddie Redmayne, Stuart McLoughlin, Clive Owen, Adrian Scarborough

Paranoid Park (Paranoid Park, 2007)

2008-04-14T11:39:00.000-07:00

“Paranoid Park”, o filme mais recente a ser dirigido por Gus Van Sant, retoma alguns temas vistos em “Elefante”, longa que ele dirigiu em 2003. Nas duas obras, temos uma trama que fala a respeito de jovens vítimas ou causadores de atos de violência. No caso de “Paranoid Park”, acompanhamos Alex (Gabe Nevins), que gosta de ir com o amigo Jared (Jake Miller) visitar o Paranoid Park, local freqüentado por skatistas e que fica situado nas proximidades de algumas das ruas mais violentas de Portland (Oregon).

O roteiro do filme, que também foi escrito por Gus Van Sant tendo como base o livro homônimo de Blake Nelson, coloca Alex como o centro de uma investigação policial que quer encontrar o responsável pelo assassinato de um guarda ferroviário. O crime aconteceu próximo ao Paranoid Park e, numa narrativa não-linear, acompanhamos qual o papel que Alex desempenha nisso tudo, ao mesmo tempo em que vemos o jovem entrar num estado cada vez maior de isolamento.

Em “Paranoid Park”, encontramos elementos que são recorrentes na filmografia mais recente de Gus Van Sant. A câmera é uma observadora dos fatos – o que confere à obra um caráter documental. A trilha sonora preenche os – muitos – silêncios deixados pelos personagens. A edição não quer dar um senso de continuidade entre uma cena e outra – e sim unir vários fragmentos num todo. No final, o longa acaba sendo um estudo sobre aquilo que podemos – ou não – carregar ou, numa interpretação mais otimista dos fatos, sobre como conviver com os erros que cometemos sem dar margens para que alguém desconfie de nós.

Cotação: 8,5

Paranoid Park (Paranoid Park, França, EUA, 2007)
Diretor(es): Gus Van Sant
Roteirista(s): Gus Van Sant (com base no livro de Blake Nelson)
Elenco: Gabe Nevins, Daniel Liu, Taylor Momsen, Jake Miller, Lauren McKinney, Winfield Jackson, Joe Schweitzer, Grace Carter, Scott Patrick Green, John Michael Burrowes, Jay 'Smay' Williamson, Dillon Hines, Emma Nevins, Brad Peterson, Emily Galash

Lendo - "Na Praia"

2008-04-12T16:35:00.000-07:00

“Tinham muitos planos, planos inconseqüentes, amontoados diante deles num futuro enevoado, tão luxuriantes e emaranhados quanto a flora da costa de Dorset no verão, e igualmente belos. Onde e como iriam viver, quem seriam seus amigos mais próximos, o emprego dele na firma do pai dela, a carreira musical que ela teria pela frente, o que fazer com o dinheiro que o pai deles lhe dera, e como não seriam iguais às outras pessoas, pelo menos interiormente. Este ainda era o tempo – que terminaria naquela década célebre – em que ser jovem era um estorvo social, um sinal de irrelevância, uma condição ligeiramente embaraçosa para a qual o casamento era o começo da cura. Quase estranhos, mantinham-se retraidamente juntos, num novo pináculo da existência, jubilosos com a promessa do novo estado civil a alçá-los para fora da juventude infinita – Edward e Florence, enfim livres!” (p. 09)

A Era Vitoriana foi considerada como o grande auge do Império Britânico. Nessa época, além da revolução industrial inglesa ter atingido seu melhor momento, tivemos o surgimento de escritores notáveis, como George Eliot, Charles Dickens, Emily Bronte, Lewis Carroll, entre outros. Mesmo com tanta efervescência cultural, a época foi marcada por uma enorme repressão moral, em que pouco se conversava sobre temas polêmicos, como sexo.

É na transição da era vitoriana para um período em que se houve uma verdadeira revolução sexual e de costumes, na Inglaterra, que se passa o romance “Na Praia”, do escritor Ian McEwan. Os personagens principais da obra – os jovens Edward Mayhew e Florence Ponting – acabam de se casar e se instalam num quarto de hotel na praia de Chesil, junto ao Canal da Mancha, para celebrar a sua noite de núpcias. Um detalhe importante a ser observado é que, desde o primeiro momento em que encontramos os dois, sabemos que o amor entre eles é verdadeiro e abundante.

Se existe algo que falta para Edward e Florence é intimidade. Filhos da era vitoriana, nascidos em famílias de costumes tradicionais, os dois nunca ultrapassaram os beijos em seus momentos a sós. Mais por decisão dela, casaram-se virgens e aguardam o instante em Chesil para atingirem a cumplicidade máxima como casal. No entanto, é justamente a falta de uma familiaridade maior entre os dois que nos dá uma pista de que a lua-de-mel entre o casal – e o casamento, por conseqüência – podem se transformar em uma situação desconfortável se eles não começarem a ser honestos um com o outro.

À primeira vista, “Na Praia” pode parecer um romance muito simples se comparado à profundidade de outras obras de Ian McEwan, como “Reparação”. No entanto, o livro é tão complexo quanto o trabalho mais famoso do escritor. A maneira como McEwan desenha a alternância de pensamentos entre Edward e Florence é sensacional. Os dois personagens foram muito bem construídos em suas respectivas histórias de vida e de aspirações; e o mais interessante para nós, como leitores, é ver como eles são atrapalhados em sua falta de maturidade para começar uma nova etapa de vida. Casamento não é uma coisa fácil e se apóia em coisas simples, como amor, carinho, amizade, respeito e, principalmente, diálogo. São elementos como esses que adquirimos na leitura de “Na Praia”, a qual é uma daquelas obras em que a arte se inspira na vida.

Na Praia (2007)
Autor: Ian McEwan
Editora: Companhia das Letras

Hilary e Jackie (Hilary and Jackie, 1998)

2008-04-11T11:31:00.000-07:00

Ainda na infância, quando conservavam uma inocência, as irmãs Hilary (Keeley Flanders) e Jacqueline du Pré (Auriol Evans) prometeram que nunca iriam se afastar uma da outra. Nessa época, a cumplicidade entre elas era notável. As duas, além do interesse comum pela música (a primeira tocava flauta, enquanto a segunda tocava violoncelo), guardavam um amor profundo uma pela outra; além de possuírem um relacionamento marcado por uma forte devoção.

No entanto, na medida em que foram crescendo e seguindo seus projetos de vida, Hilary (agora interpretada pela australiana Rachel Griffiths, que é bem conhecida pelo seu trabalho em séries como “Six Feet Under” e “Brothers & Sisters”) e Jackie (agora interpretada por Emily Watson) descumpriram a sua promessa. Enquanto a irmã mais velha deixa de ser a flautista prodígio para ser a esposa de Kiffer (David Morrissey), a mãe de duas crianças (Hayley James-Gannon e Melissa James-Gannon) e morar em uma casa do campo, com muita paz e tranqüilidade; a irmã mais nova se transforma em uma das violoncelistas mais brilhantes que a música clássica já viu. Jackie mergulha completamente no universo da vida de concertos, viagens e fama. Além disso, se casa com o maestro e pianista Daniel Barenboim (James Frain) – que, até hoje, é um dos nomes mais consagrados do gênero musical.

A distância que se estabelece entre as duas irmãs du Pré é fundamental para o desenvolvimento da narrativa do filme “Hilary e Jackie”, do diretor Anand Tucker (o mesmo de “A Garota da Vitrine”). Acompanhar os diferentes estilos de vida delas é importante até mesmo para entender (e não julgar) o por quê do afastamento de Hilary durante a fase em que Jackie está sendo lentamente consumida pela esclerose múltipla. Por causa disso, é vital que as duas atrizes que interpretam os personagens estejam no auge de sua forma. E isso acontece com Emily Watson e Rachel Griffiths (as quais foram indicadas ao Oscar 1999 de Melhor Atriz e Melhor Atriz Coadjuvante, respectivamente, pelos seus trabalhos no longa). As duas estão brilhantes, especialmente Watson – cuja performance beira o extraordinário nos momentos em que retrata a doença de Jackie.

Cotação: 7,3

Hilary & Jackie (Hilary and Jackie, EUA, 1998)
Diretor(es): Anand Tucker
Roteirista(s): Frank Cottrell Boyce (com base no livro de Hilary du Pré, Piers du Pré)
Elenco: Emily Watson, Rachel Griffiths, James Frain, David Morrissey, Charles Dance, Celia Imrie, Rupert Penry-Jones, Bill Paterson, Auriol Evans, Keeley Flanders, Grace Chatto, Nyree Dawn Porter, Maggie McCarthy, Vernon Dobtcheff, Anthony Smee

Jumper (Jumper, 2008)

2008-04-10T11:31:00.001-07:00

“Jumper”, do diretor Doug Liman, tem um começo até interessante. David Rice (Max Thieriot) é um jovem que tem uma vida muito difícil no colegial. De personalidade retraída, ele nutre uma paixão pela colega de escola Millie (AnnaSophia Robb). No entanto, ela tem uma proximidade maior com tipos como Mark (Jesse James), que adoram atazanar a vida de pessoas como David. É justamente em uma situação de pressão que ele descobrirá que possui um poder: o de se teletransportar, podendo ir a qualquer lugar, a qualquer momento.

Peter Parker já dizia que “grandes poderes trazem grandes responsabilidades”. No entanto, David vê, naquele momento, o seu poder como a desculpa perfeita para fugir do ambiente difícil no qual estava inserido – se não bastasse as brincadeiras na escola, ele ainda tinha que lidar com um pai (Michael Rooker) abusivo. Após deixar sua cidade natal, David se dedica a descobrir de que forma pode usar o poder a seu favor. E ele é totalmente egoísta nesse sentido, já que – mais crescido e, agora, interpretado por Hayden Christensen – começa a roubar bancos para poder sustentar um estilo de vida cheio de diversão, em que ele pode acordar em Nova York, almoçar em Londres e dormir em Paris, por exemplo.

Como o filme não iria se sustentar só com cenas desse tipo, os roteiristas David S. Goyer, Jim Uhls e Simon Kinberg colocam uma reviravolta na trama. E é aqui que o barco começa a desandar. David começa a ser perseguido por uma organização secreta chamada Paladinos (a qual é liderada pelo personagem de Samuel L. Jackson) e que tem como objetivo principal matar pessoas que possuem o poder de se teletransportar. Com a ajuda de Griffin (Jamie Bell), um jovem que também pode se transportar por diversos lugares, David entra nessa batalha – até porque, claro, ele tem que defender também sua mulher amada, a já citada Millie (que, um pouco mais crescida, passa a ser interpretada por Rachel Bilson, do seriado “The O.C.”).

O diretor Doug Liman tem uma trajetória muito interessante no cinema. De diretor indie queridinho (e mente por trás de obras como “Swingers – Curtindo a Noite” e “Vamos Nessa!”), passou a ser o que podemos chamar de “diretor de filmes de ação inteligentes e cheios de bom humor”. Nesta fase, se destacam obras como “A Identidade Bourne” e “Sr. e Sra. Smith”. Com este “Jumper”, Liman inicia uma nova jornada: a de diretor de filmes feitos para um público que só tem interesse em ver um filme que irá lhe entreter. Aonde será que ele vai parar?

Cotação: 4,0

Jumper (Jumper, EUA, 2008)
Diretor(es): Doug Liman
Roteirista(s): David S. Goyer, Jim Uhls, Simon Kinberg (com base no livro de Steven Gould)
Elenco: Hayden Christensen, Samuel L. Jackson, Diane Lane, Jamie Bell, Rachel Bilson, Michael Rooker, AnnaSophia Robb, Max Thieriot, Jesse James, Tom Hulce, Kristen Stewart, Teddy Dunn, Barbara Garrick, Michael Winther, Massimiliano Pazzaglia

O Orfanato (El Orfanato, 2007)

2008-04-09T14:01:00.000-07:00

Além da presença de uma heroína machucada emocionalmente, um bom filme de suspense tem que contar com uma criança bastante especial. Quando usam esses seres pequeninos – geralmente ligados a uma imagem de alegria e de que nada de mal pode ocorrer com eles –, as obras do gênero não têm pena deles e os colocam em situações de extrema vulnerabilidade. “O Orfanato”, do diretor J.A. Bayona, usa – e abusa – desses dois elementos para criar uma atmosfera de medo e apreensão.

A personagem principal da obra é Laura (Mireia Renau quando criança e Belén Rueda quando adulta), uma garota órfã que é adotada por uma família e que, tempos depois, já casada com Carlos (Fernando Cayo) e mãe de Simón (Roger Príncep), decide retribuir toda a sorte que teve e compra o antigo orfanato aonde morou, pois pretende transformar a casa em um ambiente no qual crianças com necessidades especiais poderão ser bem tratadas.

Seu próprio filho, Simón, é uma criança com necessidades especiais. Tanto Laura quanto Carlos procuram proteger o menino de duas verdades sobre a sua origem. A primeira: ele é adotado. A segunda: ele é portador do vírus HIV. No entanto, como tantas outras crianças, Simón tem uma característica: o menino tem uma imaginação fértil e é cheio de amigos que só existem em sua mente. Como seus pais são muito presentes em sua vida, permitem que Simón desenvolva sua fantasia da maneira que ele queira.

Para não entregar mais detalhes sobre a trama criada por Sergio G. Sánchez, o importante é saber que o passado de Laura e a imaginação de Simón terão um papel fundamental para o que veremos mais na frente: uma série de acontecimentos estranhos e que terão influência direta na dinâmica familiar que, um dia, foi perfeita.

Filmes como “O Sexto Sentido” e “Os Outros” nos ensinaram a esperar um desfecho surpreendente de longas no gênero de suspense. No entanto, em sua estrutura narrativa, “O Orfanato” é um filme muito convencional e que se aproxima de obras como “Os Mensageiros”. Vai chegar um momento em que você irá se perguntar: mas esse filme não vai terminar nunca? Entretanto, isso – de forma alguma – tira o maior mérito de “O Orfanato”: a performance de Belén Rueda. É por causa dela e da trilha sonora de Fernando Velásquez que o filme, em vários momentos, vai lhe causar aquele friozinho na barriga que a gente tanto espera de obras desse gênero.

Cotação: 6,5

O Orfanato (El Orfanato, México, Espanha, 2007)
Diretor(es): J.A. Bayona
Roteirista(s): Sergio G. Sánchez
Elenco: Belén Rueda, Fernando Cayo, Geraldine Chaplin, Montserrat Carulla, Mabel Rivera, Andrés Gertrúdix, Roger Príncep, Carla Gordillo Alicia, Georgina Avellaneda, Alejandro Campos, Oscar Guillermo Garretón, Edgar Vivar

Não Estou Lá (I'm Not There, 2007)

2008-04-08T11:54:00.000-07:00

Certa vez, o cantor e compositor Bob Dylan afirmou que “tudo o que posso fazer é ser eu mesmo, não importa que pessoa eu seja”. O filme “Não Estou Lá”, do diretor Todd Haynes (que co-escreveu o roteiro ao lado de Oren Moverman), leva isso a sério e apresenta uma trama inspirada nas muitas músicas e vidas de Dylan. Para tanto, Haynes trabalha com seis personagens distintos. São eles: Jude Quinn (Cate Blanchett, numa performance que lhe rendeu uma indicação ao Oscar 2008 de Melhor Atriz Coadjuvante), Arthur Rimbaud (Ben Whishaw), Jack Rollins (Christian Bale), Billy the Kid (Richard Gere), Woody Guthrie (Marcus Carl Franklin) e Robbie Clark (Heath Ledger).

Cada um destes personagens cobre as diversas faces de Bob Dylan. Ou seja, temos o cantor folk tradicional, dedicado às músicas que seriam classificadas de “canções de protesto” (rótulo que ele, mais tarde, negaria); o cantor de músicas mais pessoais e introspectivas, ligadas a uma visão particular de mundo (e com claras influências do rock ‘n roll); o cantor de tendências country; o homem que sofreu uma desilusão amorosa grande; o homem que aceitou Jesus Cristo e se filiou a uma Igreja; o homem que se isolou completamente por uns tempos; entre outros.

É justamente o fato de ser uma biografia não convencional o ponto que traz maiores problemas ao filme “Não Estou Lá”. Quando tem em tela personagens como Jude Quinn, Jack Rollins e Robbie Clark, o diretor Todd Haynes mostra completo domínio de sua obra e de seu personagem. No entanto, nem assim Haynes consegue mascarar alguns pontos falhos de transição entre as histórias que quer contar e, no caso da sub-trama envolvendo o ator Richard Gere, a mesma fica completamente solta dentro do filme. Billy the Kid não parece ter conexão alguma com os outros Dylans que vemos na tela.

Cotação: 6,0

Não Estou Lá (I'm Not There, EUA, Alemanha, 2007)
Diretor(es): Todd Haynes
Roteirista(s): Todd Haynes, Oren Moverman
Elenco: Cate Blanchett, Ben Whishaw, Christian Bale, Richard Gere, Marcus Carl Franklin, Heath Ledger, Kris Kristofferson, Don Francks, Roc LaFortune, Larry Day, Paul Cagelet, Pierre-Alexandre Fortin, Richie Havens, Tyrone Benskin, Kim Roberts

O Assassinato de Jesse James Pelo Covarde Robert Ford (The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford, 2007)

2008-04-07T11:29:00.000-07:00

“O Assassinato de Jesse James Pelo Covarde Robert Ford”, filme do diretor e roteirista neozelandês Andrew Dominik, é um daqueles casos em que você assiste ao longa já sabendo o que irá acontecer. Você tem idéia de que alguém será assassinado. Você sabe quem será a vítima e quem é o responsável pelo crime. No entanto, isso não estraga de maneira alguma a obra, já que a trama da película prefere colocar o foco na construção dos personagens – em especial da dupla destacada no título – e em como as escolhas feitas por eles irão afetar suas respectivas vidas.

“Às vezes, eu mal consigo me reconhecer quando estou nervoso. Eu embarco em jornadas fora de meu corpo aonde eu observo as minhas mãos vermelhas e minha cara malvada e penso sobre este homem que escolheu um caminho tão errado. Eu tenho me tornado um problema para mim mesmo”.

Jesse James (Brad Pitt) é o líder – ao lado do irmão mais velho Frank (Sam Shepard) – de um lendário grupo de foras-da-lei (fazem parte da gangue os atores Sam Rockwell, Garret Dillahunt, Paul Schneider e Jeremy Renner). Ele rouba dos ricos para dar aos pobres. É figura procurada pelos governantes e policiais. É o esposo de Zee (Mary-Louise Parker) e o pai ausente de Mary (Brooklynn Proux) e Tim (Dustin Bollinger). Homem, ao mesmo tempo, admirado e temido, mas que desperta naqueles que fazem parte de seu círculo mais próximo um respeito enorme. É capaz de reconhecer a traição de longe e esconde muito bem todos os seus medos por trás de uma persona forte.

“Eu fui um ninguém toda a minha vida. Eu era o caçula; eu era aquele a quem eles faziam promessas que nunca cumpriam. E, desde que eu me entendo por gente, Jesse James é tão grande quanto uma árvore. Eu estou preparado para isto, Jim. E eu vou conseguir. Eu sei que eu só vou ter esta única oportunidade e você pode apostar a sua vida que eu não vou estragá-la”.

Robert Ford (Casey Affleck, numa performance que lhe rendeu uma indicação ao Oscar 2008 de Melhor Ator Coadjuvante) é um jovem de 19 anos e que tem um grande ídolo: Jesse James. Seu irmão mais velho, Charley (o já citado Sam Rockwell), faz parte da gangue dos irmãos James e realiza um constante lobby para que Bob possa também ser integrante do grupo. De personalidade introvertida, Robert é um ser extremamente observador e tem o desejo de ser tão famoso quanto Jesse. Poderá obter isso se conseguir colocar em prática seu plano de assassinar aquele a quem tanto admira.

Podemos dizer que “O Assassinato de Jesse James Pelo Covarde Robert Ford” é um filme que fala muito a respeito do que é ser uma celebridade, alguém que inspira nos outros sentimentos contrastantes de heroísmo e vilania. No entanto, o que o roteiro de Andrew Dominik nos mostra é que até mesmo os heróis têm seu lado podre e, quando isso está exposto de forma clara, todo aquele fascínio vem por água abaixo – e é isso que leva Robert Ford a tomar a decisão a qual o título do filme faz referência.

No entanto, mais do que ser uma obra sobre pessoas célebres, “O Assassinato de Jesse James Pelo Covarde Robert Ford” é um filme sobre o peso que as escolhas que fazemos possuem na edificação daquilo que somos. Quando encontramos Robert Ford pela primeira vez, ele é um jovem impetuoso, movido por uma arrogância – ainda – sadia. Quando o vemos no final do longa, Bob é um homem que carrega em suas costas o peso daquilo que fez e que tem a sabedoria para analisar friamente as razões por trás de seu ato e como isso só lhe trouxe infelicidade.

Poderíamos ficar aqui escrevendo linhas e linhas sobre a genialidade do roteiro de Andrew Dominik (que teve como base o livro de Ron Hansen). A necessidade que ele tem de colocar tudo em pratos limpos, mostrando razão e conseqüência, pode fazer com que muitos acreditem que “O Assassinato de Jesse James Pelo Covarde Robert Ford” é um filme longo e cansativo. Pelo contrário, para aquilo que ele quer alcançar, os 160 minutos de narrativa são mais do que necessários. Além de ser um roteirista talentoso, o que o neozelandês revela é que também é um diretor de muitos recursos. Seu filme é muito sofisticado e se apóia num trabalho excelente por parte da equipe técnica, com destaque para a edição de Curtiss Clayton e Dylan Tichenor, a fotografia de Roger Deakins, a direção de arte de Troy Sizemore e Janice Blackie-Goodine e a trilha sonora de Nick Cave e Warren Ellis.

Cotação: 9,5

O Assassinato de Jesse James pelo Covarde Robert Ford (The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford, EUA, 2007)
Diretor(es): Andrew Dominik
Roteirista(s): Andrew Dominik (com base no livro de Ron Hansen)
Elenco: Brad Pitt, Mary-Louise Parker, Brooklynn Proulx, Dustin Bollinger, Casey Affleck, Sam Rockwell, Jeremy Renner, Sam Shepard, Garret Dillahunt, Paul Schneider, Joel McNichol, James Defelice, J.C. Roberts, Darrell Orydzuk, Jonathan Erich Drachenberg

Os Cem Anos de Bette Davis

2008-04-05T08:22:00.000-07:00

Katharine Hepburn pode ser considerada a melhor atriz de cinema de todos os tempos. No entanto, só uma mulher foi digna do título de “a primeira-dama do cinema” e ela foi a atriz Bette Davis, que, se estivesse viva, completaria hoje, dia 05 de Abril, 100 anos de idade. Uma profissional completa – afinal, trabalhou no teatro, no cinema e na televisão –, Davis foi a primeira a receber 10 indicações ao Oscar de Melhor Atriz (das quais venceu duas pelos filmes “Perigosa”, de 1935, e “Jezebel”, de 1938). Aliás, em se tratando dos prêmios da Academia, Bette mantém um recorde que ainda tem que ser batido, já que ela é a única atriz a ter recebido cinco indicações seguidas ao Oscar.

Nascida Ruth Elizabeth Davis, Bette teve uma infância marcada pelo abandono do pai. Criada pela mãe, que era uma fotógrafa, ela despertou para a carreira artística após assistir a uma peça de teatro no seu Estado natal de Massachussetts. Depois de finalizar seus estudos, Bette foi contratada pela companhia de teatro do diretor George Cukor (que também teve uma formidável carreira no cinema) e, em 1929, foi descoberta por um olheiro, que a levou para Hollywood – cidade na qual ela firmou seu primeiro contrato com um grande estúdio, a Universal Pictures.

O reconhecimento como atriz veio após uma fase turbulenta, em que Bette Davis pensou em desistir do cinema e voltar ao teatro. Foi na Warner Bros. – estúdio com o qual ela assinou um contrato em 1932 – que ela conseguiu seu primeiro grande papel (no já citado “Perigosa”) e começou a ser considerada uma das mais interessantes atrizes de cinema daquela época.

Na década de 40, Davis era a maior estrela da Warner e deu sinais de sua personalidade forte ao surpreender muita gente quando aceitou se tornar a primeira mulher presidente da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas (um posto que ela abandonou pouco tempo depois, pois teve problemas com os membros da associação, que não aceitavam as suas idéias arrojadas). Esta não seria a primeira vez que Bette iria causar espanto, já que, durante a II Guerra Mundial, fundou – ao lado do ator John Garfield – a Hollywood Canteen, companhia que angariava fundos e entretia os soldados que estavam no conflito.

A partir do final da década de 40, Bette Davis alternou momentos bons e ruins na sua carreira. Nesta fase, se destacam os filmes “A Malvada” (1950) e “O que Teria Acontecido com Baby Jane?” (1962). Acumulando trabalhos na televisão e participação em peças teatrais e filmes sem muita expressão, Bette faleceu no dia 06 de Outubro de 1989, em uma cidade francesa.

Bette Davis foi casada quatro vezes e deixou 3 filhos. Mas, em uma entrevista, confessou que o grande amor de sua vida foi o diretor William Wyler, com quem ela trabalhou em filmes como o citado “Jezebel”, “A Carta” (1940) e “Pérfida” (1941). Os dois tiveram um romance conturbado e que só não foi adiante porque Wyler, um homem casado, se recusou a deixar a esposa para ficar com a atriz.

De Olho no Oscar 2009 - "Blindness"

2008-04-04T08:25:00.000-07:00

Direção: Fernando Meirelles

Roteiro: Don McKellar

Elenco: Gael García Bernal, Julianne Moore, Mark Ruffalo, Sandra Oh, Alice Braga, Danny Glover

Sinopse: Pessoas começam a sofrer de uma cegueira repentina e são isoladas numa espécie de prisão. No meio da cegueira, uma única pessoa consegue enxergar: a mulher de um médico. E é através dos olhos dela que vemos a comunidade que se forma entre os cegos se transformar num ambiente dominado pelo caos e pela desordem.

Por quê ficar de olho? Baseado no livro “Ensaio Sobre a Cegueira”, do escritor português José Saramago, “Blindness” é o segundo projeto em língua inglesa a ser dirigido pelo brasileiro Fernando Meirelles, diretor que foi indicado ao Oscar pelo seu trabalho em “Cidade de Deus”. Nesta nova investida internacional (que, aparentemente, terá um clima tenso e influência de obras como “Filhos da Esperança”), Meirelles trouxe para a sua equipe nomes que ele conhece, como o da atriz Alice Braga, o diretor de fotografia César Charlone, o editor Daniel Rezende e o compositor Marco Antônio Guimarães. A equipe técnica do filme tem potencial para ser lembrada pela Academia, no entanto, a grande expectativa em torno do longa é em relação à atriz Julianne Moore. Uma favorita dos votantes ao Oscar (afinal, já foi indicada 4 vezes ao prêmio), ela é uma das profissionais que os cinéfilos acreditam já ter sido merecedora de ganhar a estatueta há um bom tempo. Meirelles deu sorte à Rachel Weisz. Será que também fará o mesmo com Moore?

Data de estréia: Outubro de 2008, no Brasil

Espartalhões (Meet the Spartans, 2008)

2008-04-03T11:49:00.000-07:00

Quando estreou nas salas de cinema dos Estados Unidos, no ano passado, o filme “300”, de Zack Snyder, foi bombardeado com interpretações que viam sexualidade demais no filme, ao mostrar o culto ao corpo masculino, a excessiva camaradagem que existia entre os soldados e ao fazer o retrato dos persas como seres andróginos. A sátira “Espartalhões”, dos diretores e roteiristas Jason Friedberg e Aaron Seltzer, se aproveita bastante de todo o barulho em torno desse assunto e faz um filme cheio de referências à homossexualidade – incluindo o uso de hinos da comunidade gay, como “I Will Survive”, e a criação de cenas cheias de piadinhas de mau gosto sobre os homossexuais.

Já que é mesmo inspirado em “300”, “Espartalhões” conta uma versão – que os diretores acreditam ser – bem-humorada sobre a saga de Leônidas (Sean Maguire, numa imitação muito mal-feita de Gerard Butler), que, após ser abandonado no mundo selvagem, volta à Esparta – cidade aonde se torna rei, se casa com Margo (Carmen Electra) e reúne um exército de 300 homens para lutar contra as tropas de Xerxes (Ken Davitian, que participou do filme “Borat – O Segundo Melhor Repórter do Glorioso País Cazaquistão Viaja à América”).

A partir dessa trama central, “Espartalhões” repete a fórmula dos filmes anteriores da dupla Jason Friedberg e Aaron Seltzer e começa a fazer referências a uma série de filmes, programas de TV e personalidades do mundo do entretenimento. Alguns dos que “aparecem” no longa são: Angelina Jolie e Brad Pitt, Britney Spears e seu ex-marido Kevin Federline, Paris Hilton, Lindsay Lohan, “Happy Feet – O Pingüim”, “Casino Royale”, “Homem-Aranha 3”, “Motoqueiro Fantasma”, “Transformers”, “Rocky Balboa”, “Ugly Betty”, “American Idol”, “America’s Next Top Model”, “Dancing With the Stars”, dentre tantos outros.

A dupla Jason Friedberg e Aaron Seltzer não desiste. Não sei por quê eles insistem em nos brindar, todo começo de ano, com esses filmes de sátira que não acrescentam em nada e, pior, nem nos entretém mais. No caso particular de “Espartalhões”, os dois vão ainda mais longe porque o filme em si tem um teor muito agressivo e de ridicularização mesmo. E essa é uma prova suficiente de que esse tipo de sátira já deu o que tinha que dar.

Cotação: 0

Espartalhões (Meet the Spartans, EUA, 2008)
Diretor(es): Jason Friedberg, Aaron Seltzer
Roteirista(s): Jason Friedberg, Aaron Seltzer
Elenco: Sean Maguire, Carmen Electra, Ken Davitian, Kevin Sorbo, Diedrich Bader, Method Man, Jareb Dauplaise, Travis Van Winkle, Phil Morris, Jim Piddock, Nicole Parker, Ike Barinholtz, Crista Flanagan, Hunter Clary, Emily Wilson

Medo da Verdade (Gone Baby Gone, 2007)

2008-04-02T12:01:00.001-07:00

A primeira cena de “Medo da Verdade”, do diretor Ben Affleck, se passa na – aparentemente – pacata vizinhança de Dorchester, na cidade de Boston (Massachussetts). Ao fundo, a narração do detetive particular Patrick Kenzie (Casey Affleck): “eu sempre acreditei que as coisas que você não escolhia eram as que faziam de nós o que somos. Sua cidade, seu bairro, sua família. As pessoas aqui se orgulham disso, como se fosse algo que eles conquistaram. Os corpos que rodeiam as suas almas, as cidades que as envolvem. Eu vivi neste lugar a minha vida toda; a maioria dessas pessoas também. Quando o seu trabalho é encontrar gente que está desaparecida, ajuda saber aonde eles começaram. Eu encontro as pessoas que se entregaram ao vício e, depois, sucumbiram. Esta cidade pode ser difícil. Quando eu era mais jovem, eu perguntei ao meu padre como você poderia chegar ao céu e, mesmo assim, ficar protegido de todo o mal do mundo. Ele me disse o que Deus falou para as Suas crianças. “Você é uma ovelha no meio dos lobos. Seja esperto como as serpentes, mas inocente como as pombas””.

É neste local que se dá o misterioso desaparecimento da menina Amanda McCready (Madeline O’Brien), de quatro anos de idade. Com a polícia – representada aqui pelo Capitão Jack Doyle (Morgan Freeman) e os Detetives Remy Bressant (Ed Harris) e Nick Poole (John Ashton) – perdida e sem qualquer pista segura, Beatrice (Amy Madigan) e Lionel McCready (Titus Welliver) – os tios da garota – decidem contratar Patrick Kenzie e sua namorada e sócia Angie Gennaro (Michelle Monaghan) para tentar encontrar Amanda.

Baseado no livro de Dennis Lehane (autor também de “Sobre Meninos e Lobos”), “Medo da Verdade” acompanha justamente a investigação feita por Patrick e Angie. E este processo será muito difícil, já que – ao se depararem com as idiossincrasias do caráter de Helene McCready (Amy Ryan, numa performance que lhe rendeu uma indicação ao Oscar 2008 de Melhor Atriz Coadjuvante), a mãe relapsa de Amanda – a dupla será confrontada com uma verdadeira discussão entre o que é certo e o que é errado e que faz uma referência direta àquilo que escutamos de Patrick Kenzie na primeira cena do filme – sua escolha final, com certeza, nos deixará pensando no desfecho da obra por um bom tempo.

“Medo da Verdade” é o filme que marca a estréia do ator Ben Affleck como diretor de um longa-metragem (ele também co-escreveu o roteiro da obra com Aaron Stockard). Escolher a trama de Dennis Lehane foi uma decisão segura por parte do ator/diretor, já que ele – como nativo de Boston – conhece bem o bairro de Dorchester e os personagens que ali habitam. O que impressiona no filme – além das boas mudanças que Affleck e Stockard imprimiram à trama criada por Dennis Lehane – é a segurança do diretor em fazer a transição correta entre momentos de tensão e de drama. A mão dele nunca é pesada demais. O tom do filme é o adequado. No entanto, a grande surpresa vem do fato de que o diretor (que, venhamos e convenhamos, é somente um ator mediano) consegue arrancar desempenhos expressivos de seu elenco, especialmente do irmão Casey Affleck (que teve um ano de 2007 excelente com esse filme e “O Assassinato de Jesse James Pelo Covarde Robert Ford” – que lhe rendeu uma indicação ao Oscar 2008 de Melhor Ator Coadjuvante), Ed Harris e Amy Ryan (todos os méritos vão para Affleck pela descoberta dessa excelente atriz, que tem uma carreira consagrada no teatro nova-iorquino e cujo crédito mais conhecido – até então – era o da detetive Beadie Russell no fantástico seriado “The Wire”, da HBO).

Cotação: 8,7

Medo da Verdade (Gone Baby Gone, EUA, 2007)
Diretor(es): Ben Affleck
Roteirista(s): Ben Affleck, Aaron Stockard (com base no livro de Dennis Lehane)
Elenco: Casey Affleck, Michelle Monaghan, Morgan Freeman, Ed Harris, John Ashton, Amy Ryan, Amy Madigan, Titus Welliver, Michael K. Williams, Edi Gathegi, Mark Margolis, Madeline O'Brien, Slaine, Trudi Goodman, Matthew Maher
Lançamento em DVD: 05 de Abril de 2008

Jogos do Poder (Charlie Wilson's War, 2007)

2008-04-01T11:24:00.000-07:00

Provavelmente, até a estréia do filme “Jogos do Poder”, do diretor Mike Nichols, você nunca ouviu falar a respeito de um congressista norte-americano chamado Charlie Wilson (Tom Hanks, numa das performances mais naturais de sua carreira). Representante do segundo distrito congressional do Estado do Texas, Charlie ficou por 24 anos na vida pública e, como o roteiro de Aaron Sorkin (criador de alguns dos melhores seriados dos últimos anos, como “Sports Night”, “The West Wing” e “Studio 60 on the Sunset Strip”) bem nos mostra, ele ficou mais conhecido por ser um dos mentores por trás da operação secreta da CIA que ajudou os guerrilheiros afegãos a combater os exércitos da União Soviética no país – como bem se sabe hoje, foi nessa guerrilha que nomes como o de Osama Bin Laden surgiram como lideranças políticas e religiosas naquela região.

“Jogos do Poder” nos mostra justamente como Charlie Wilson conseguiu liberar uma verba de 1 bilhão de dólares para a guerra no Afeganistão. O roteirista Aaron Sorkin enfoca as particularidades das personalidades de cada um dos envolvidos nessa operação. Charlie, apesar de congressista, tem uma imagem completamente oposta daquela que fazemos dos homens públicos. Ele adora uma farra movida a whisky e drogas e só emprega mulheres belíssimas em seu escritório (uma de suas mais sérias assistentes é interpretada por Amy Adams).

Aqueles que irão ajudá-lo a colocar seu plano em prática também possuem personalidades interessantes. A socialite texana Joanne Herring (Julia Roberts), além de ser cônsul emérita do Paquistão, é religiosa e tomou a causa dos afegãos como um objetivo de vida, ao qual doa, além de seu tempo, um pouco de seu dinheiro. Já o agente da CIA Gust Avrakatos (Philip Seymour Hoffman, numa performance que lhe rendeu uma indicação ao Oscar 2008 de Melhor Ator Coadjuvante) tem o pavio curtíssimo e deseja uma oportunidade de mostrar ao chefe (o sempre eficiente John Slattery) o valor que ele acredita possuir.

É justamente no destaque das incongruências desses três personagens que se encontra um dos maiores trunfos de “Jogos do Poder”. O tempo todo, o roteirista Aaron Sorkin brinca com o destino dos afegãos ao mostrar nas mãos de quem a salvação deles está. No entanto, já perto do final, o roteirista mostra que não é assim. Por trás de tanta excentricidade, existem pessoas realmente preocupadas com o que irá acontecer especialmente após a vitória afegã. Ou seja, quem irá reconstruir o país, quem irá oferecer a estrutura que os afegãos precisam para poder recomeçarem a vida? (Alguma semelhança com os tempos atuais pós-invasão do Iraque é uma mera coincidência).

O diretor Mike Nichols reencontrou sua virtuose no começo dessa década, ao filmar obras feitas especialmente para a TV, como “Uma Lição de Vida” e a minissérie “Angels in America”. Com este “Jogos do Poder”, o diretor volta a um terreno que ele tentou abordar em “Segredos do Poder”: o da comédia política. Nesta segunda tentativa, Nichols se sai bem melhor. Ele entendeu bem seu personagem principal e, principalmente, a inteligência do roteiro de Aaron Sorkin. O resultado: um filme que é conciso, que não enrola e que passa sua mensagem de uma maneira satisfatória.

Cotação: 7,0

Jogos do Poder (Charlie Wilson's War, EUA, 2007)
Diretor(es): Mike Nichols
Roteirista(s): Aaron Sorkin (com base no livro de George Crile)
Elenco: Tom Hanks, Amy Adams, Julia Roberts, Philip Seymour Hoffman, Terry Bozeman, Brian Markinson, Jud Tylor, Hilary Salvatore, Cyia Batten, Kirby Mitchell, Ed Regine, Daniel Eric Gold, Emily Blunt, Peter Gerety, Wynn Everett

A Espiã (Zwartboek, 2006)

2008-03-31T12:20:00.000-07:00

O regime Nazista – bem como seus atos e conseqüências – foi uma matéria-prima bastante explorada pela sétima arte. Mesmo assim, roteiristas e diretores de diversas partes do mundo (afinal, o Nazismo causou efeitos que puderam ser sentidos em todos os lados do globo) ainda conseguem encontrar personagens e histórias interessantes que estavam inseridos naquela época. Este é o caso do diretor holandês Paul Verhoeven, que co-escreveu, ao lado de Gerard Soeteman, o roteiro do filme “A Espiã”.

Estamos no final do Verão de 1944. O esconderijo da bela cantora de origem judaica Rachel Stein (Carice Van Houten) é descoberto e ela é obrigada a fugir – agora na companhia do pai (Jack Vecht), da mãe (Jacqueline Blom) e do irmão Max (Seth Kamphuijs) – com tantos outros judeus para a Bélgica. No entanto, o barco que transportava os refugiados é interceptado por uma patrulha alemã – liderada por Gunther Franken (Waldemar Kobus) – e todos, menos Rachel, são assassinados.

O ocorrido faz com que Rachel decida se juntar à Resistência, grupo que lutava contra a presença alemã na Holanda. Já usando o nome de Ellis de Vris, Rachel se aproxima de Ludwig Muntze (Sebastian Koch, do filme “A Vida dos Outros”), que lhe oferece um emprego dentro do quartel general alemão na Holanda. Na medida em que começa a se envolver emocionalmente com Muntze, Rachel vê sua situação de espiã ficando cada vez mais complicada – ainda mais depois que uma operação de resgate de presos planejada pela Resistência dá completamente errada.

Quem está acostumado com os filmes hollywoodianos do diretor Paul Verhoeven (os mais conhecidos são: “O Homem Sem Sombra”, “Tropas Estrelares”, “Instinto Selvagem”, “O Vingador do Futuro”, Robocop – O Policial do Futuro” e o infame “Showgirls”) irá estranhar muito “A Espiã”. A obra é extremamente tradicional do ponto de vista da linguagem cinematográfica, muito bem realizada e marca o retorno do holandês ao seu país de origem. É como se o longa fosse dirigido por uma pessoa completamente diferente. Com este filme, Verhoeven se viu novamente nas graças dos críticos e quase recebeu uma indicação ao Oscar 2007 de Melhor Filme Estrangeiro. “A Espiã” é uma sucessão de acertos e o maior deles, com certeza, foi a escalação de Carice Van Houten para o papel principal. Ela ilumina a tela e, por sua competente performance, chamou a atenção de diretores como Bryan Singer e Ridley Scott, com os quais trabalhou em “Operação Valquíria” e “Body of Lies”, dois dos filmes mais esperados de 2008.

Cotação: 8,8

A Espiã (Zwartboek, Holanda, Alemanha, Bélgica, 2006)
Diretor(es): Paul Verhoeven
Roteirista(s): Gerard Soeteman, Paul Verhoeven
Elenco: Carice van Houten, Sebastian Koch, Thom Hoffman, Halina Reijn, Waldemar Kobus, Derek de Lint, Christian Berkel, Dolf de Vries, Peter Blok, Michiel Huisman, Ronald Armbrust, Frank Lammers, Matthias Schoenaerts, Johnny de Mol, Xander Straat

MEME: Filmes Subestimados

2008-03-29T17:20:00.000-07:00

Recebi do amigo blogueiro cinéfilo Vinícius Pereira (do excelente “Blog do Vinícius”), um MEME no qual devo comentar cinco filmes subestimados. De acordo com Vinícius, se enquadram nessa categoria “os longas que você considera maravilhosos, quase uma obra-prima, mas que a maioria acha apenas bom, ou as premiações o ignoraram”. Foi um pouco difícil escolher somente cinco filmes, mas a seleção abaixo inclui alguns dos meus filmes preferidos e que não receberam o reconhecimento que deveriam.

Aproveito para repassar esse mesmo MEME aos seguintes colegas blogueiros: Weiner (“A Grande Arte”), Marcus Vinícius (do “Caminhante Noturno Cinema”), João Paulo (“Cine JP”), Cassiano (“Museu do Cinema”) e Ramon e Rogério (“Cinema em Casa”).

São eles:

- “A.I. – Inteligência Artificial” (Artificial Intelligence: A.I., 2001, dirigido por Steven Spielberg)
Um projeto que foi acalentado por 21 anos pelo aclamado diretor inglês Stanley Kubrick, “A.I. – Inteligência Artificial” acabou sendo realizado – por sugestão do próprio Kubrick – por Steven Spielberg. O filme conta a jornada do robô David (Haley Joel Osment), que passa a morar com a família Swinton, que sofre com o coma irreversível do filho. A trama sofre um revés quando a criança dos Swinton acorda e volta ao lar. Com ciúmes do amor que é dado ao pequeno robô, Martin (Jake Thomas) consegue fazer com que os pais abandonem David à sua própria sorte. É a partir daí que se tem início ao caminho que David tenta percorrer de forma para que ele se transforme num ser humano de verdade, com sentimentos genuínos e reais. “A.I. – Inteligência Artificial” é uma história de amor diferente, com toques de ficção científica, humor e cenas inesquecíveis; além de ser uma das melhores – e mais subestimadas – obras de Spielberg.

- “Em Luta Pelo Amor” (Dangerous Beauty, 1998, dirigido por Marshall Herskovitz)
Produzido pela dupla Marshall Herskovitz e Edward Zwick (que também são responsáveis pelo excelente seriado “Once and Again”), “Em Luta Pelo Amor” é um dos meus filmes de romance favoritos – pois tem uma história linda, cenas marcantes (especialmente o final) e uma produção caprichadíssima. A história se passa em Veneza (Itália), aonde Veronica Franco (Catherine McCormack) se apaixona por Marco Venier (Rufus Sewell). No entanto, como ele é de uma família rica, a mesma se opõe a um possível casamento entre os dois. Veronica, então, escolhe o único caminho possível para a sua vida e se torna cortesã, vivendo romances com alguns dos homens mais poderosos da cidade. O roteiro ainda tem como pano de fundo a influência da Igreja Católica e a Santa Inquisição, que exerce um papel importante no desfecho do filme.

- “Todos Dizem Eu Te Amo” (Everyone Says I Love You, 1996, dirigido por Woody Allen)
As obras produzidas, nos anos 90, pelo diretor e roteirista Woody Allen ficaram meio que esquecidas no tempo. O caso particular de “Todos Dizem Eu Te Amo” é quase alarmante, já que este musical cheio de nostalgia é um dos filmes mais deliciosos da última década. No filme, iremos entrar em contato com os casos de amor de membros de uma mesma família. Iremos de Nova York à Paris numa verdadeira celebração à felicidade e ao amor. O elemento que eu mais gosto no filme são os números musicais, que (salvo no caso de Drew Barrymore) foram interpretados pelos próprios atores. O resultado: danças desengonçadas, vozes imperfeitas, mas que resultam em cenas que nos deixam com um sorriso no rosto e reforçam a sensação de que estamos assistindo a pessoas reais na tela.

- “A Última Noite” (The 25th Hour, 2002, dirigido por Spike Lee)
Esta obra baseada no livro de David Benioff ficou conhecida como o primeiro filme a ser rodado em Nova York após o 11 de Setembro, por isso muitos dos diálogos da película refletem as mudanças vividas pelos habitantes da cidade após os atentados terroristas. Spike Lee realiza uma de suas obras mais maduras ao contar a história de Montgomery Brogan (Edward Norton, em uma das melhores atuações de sua carreira), um traficante de drogas, que – em sua última noite de liberdade – coloca em termos as relações com os amigos (Philip Seymour Hoffman e Barry Pepper), a namorada (Rosario Dawson) e seu pai (Brian Cox). “A Última Noite” é um filme feito de grandes performances, um bom roteiro, uma edição arrojada e uma trilha sonora marcante de Terence Blanchard.

- “Vidas em Jogo” (The Game, 1997, dirigido por David Fincher)
Entre “Seven – Os Sete Pecados Capitais” e “Clube da Luta”, David Fincher realizou essa pequena obra-prima, que conta a história de Nicholas Van Orton (Michael Douglas), um homem solitário e que ganha de presente de aniversário do irmão (Sean Penn) a oportunidade de brincar com um jogo extremamente real e que mexe com a cabeça de seu participante. Em “Vidas em Jogo”, encontramos alguns dos traços marcantes dos filmes de David Fincher, um diretor que nos transporta completamente para a realidade na qual seu filme está inserido.

61 Anos Sem Virginia Woolf

2008-03-28T12:01:00.000-07:00

Há exatamente 61 anos, a escritora inglesa Virginia Woolf se “libertou” após vários anos lutando contra graves crises de depressão. O destino da autora é semelhante ao de muitas outras almas atormentadas da Literatura, mas, assim como acontece com tantos artistas, sua palavra se mantém eterna para aqueles que têm o prazer de entrar em contato com sua extensa obra literária.

Virginia Woolf nasceu em Londres, no dia 25 de Janeiro de 1882, em meio a um ambiente bastante letrado. Ela era a terceira filha do casal Sir Leslie e Julia Stephen (ele era um crítico de literatura e ela era a herdeira da editora Duckworth). Seria impossível negar a influência que tal ambiente teve na vida de Virginia – desde criança, ela começou a se expressar pela escrita, seja através de cartas aos pais ou até mesmo ao redigir a sua primeira crítica literária aos 9 anos. E foi este o início de um longo caminho percorrido por Virginia, que a levaria, mais tarde, à condição de romancista, crítica literária e ensaísta.

Virginia Woolf foi uma escritora que alterou os rumos da narrativa literária no século XX. A grande contribuição que a autora deu para esta forma de arte foi a capacidade que ela tinha de exercer o controle da sua escrita e de penetrar na psicologia e na mente de suas personagens. Nos seus livros, se pode encontrar a boa e clara fluência da escrita séria com os momentos em que ela se deixava levar pelo humor. Ao mesmo tempo, Virginia Woolf transgrediu barreiras ao impor a si mesma um compromisso de sempre fazer experimentos de forma e conteúdo nos seus livros e ao revelar a alma feminina dentro de um campo (literário) no qual predominavam os pontos de vista masculinos (o que fez com que ela também ficasse conhecida como uma das primeiras escritoras a abordar temáticas puramente feministas).

A escritora inglesa foi uma das mais célebres integrantes do grupo Bloomsbury, que teve origem em uma reunião informal entre recém-formados da Universidade de Cambridge (dentre os quais estavam Thoby Stephen, irmão de Virginia Woolf) e evoluiu até ser efetivamente criado, em 1904, por uma série de pessoas que formavam uma vanguarda intelectual como a pintora Vanessa Bell (irmã de Virginia Woolf), o crítico de arte Clive Bell, o economista John Maynard Keynes, o historiador Lytton Strachey, a poeta Vita Sackville-West e o romancista E. M. Forster. Essas pessoas estavam em busca da honestidade intelectual, da verdade e de um ambiente livre de idéias e costumes, por isso mesmo procuraram fugir de qualquer convenção da sociedade.

Muita gente deve conhecer Virginia Woolf através do retrato feito por Nicole Kidman no filme “As Horas” (2002), do diretor Stephen Daldry, o qual rendeu à atriz australiana o Oscar 2003 de Melhor Atriz. Baseado no livro homônimo de Michael Cunningham, “As Horas” faz uma verdadeira homenagem ao estilo Virginia Woolf de se escrever ao colocar em folha e, conseqüentemente, em tela, todas as características de sua linguagem literária (a forma espacial do romance, o tempo da narrativa como o tempo da mente, o fluxo de consciência). O livro/filme é um mergulho nas mentes e nas vidas de três mulheres atormentadas, mas que possuem um algo em comum: a busca pelo sentido de sua existência e por um ideal de felicidade.

No entanto, verdade seja dita: Virginia Woolf foi uma escritora tão à frente de seu tempo que, até hoje, aspirantes a autores se reúnem, anualmente, na cidade de Charleston (local que foi a residência da irmã de Virginia, Vanessa Bell), para estudar seus métodos e suas obras. Como um elemento de curiosidade, uma dessas pessoas foi o escritor Michael Cunningham, que fez do já citado “As Horas” a sua grande homenagem à vida e obra de Virginia Woolf e fez com que tantas outras pessoas também se interessassem pelos livros dela.

O Essencial de Virginia Woolf:
“A Viagem” (1915)
“Noite e Dia” (1919)
“Mrs. Dalloway” (1925)
“Rumo ao Farol” (1927)
“Orlando – Uma Biografia” (1928)
“As Ondas” (1931)
“Entre os Atos” (1941)

Adaptações Baseadas em Obras de Virginia Woolf:
“Golven” (1982)
“Orlando – A Mulher Imortal” (1992)
“Mrs. Dalloway” (1997)

Coisas que Perdemos Pelo Caminho (Things We Lost in the Fire, 2007)

2008-03-27T11:14:00.001-07:00

Brian Burke (David Duchovny) é um bem-sucedido construtor, do tipo que nunca terá problemas com sua conta bancária. No lado pessoal, ele também não tem do que reclamar, já que é muito bem casado com Audrey (Halle Berry) e tem dois lindos e inteligentes filhos chamados Harper (Alexis Llewellyn) e Dory (Micah Berry, que, apesar do mesmo sobrenome, não é parente da sua colega de elenco famosa). É a rotina de sua família que iremos acompanhar na primeira meia hora de “Coisas que Perdemos Pelo Caminho”, da diretora dinamarquesa Susanne Bier. São essas cenas que reforçam o sentimento – a partir da descoberta do falecimento de Brian, em circunstâncias trágicas – de que a morte não é nada justa.

O roteiro de Allan Loeb abroda a maneira como aqueles que sobrevivem encaram a perda. No caso de “Coisas que Perdemos Pelo Caminho”, acompanhamos o que ocorre com a viúva Audrey e com Jerry Sunborne (Benicio del Toro), o melhor amigo de Brian. Enquanto a primeira está doida para encontrar uma maneira de fugir da realidade em que está inserida desde a morte do marido; o segundo – que é um viciado em heroína em recuperação e foi morar com a família Burke, a convite de Audrey – tenta colocar a sua vida nos eixos, ao mesmo tempo em que procura fugir da transferência que é até natural, já que ele não está na residência da família Burke para suprir a ausência de Brian ou substituí-lo.

“Coisas que Perdemos Pelo Caminho” é um daqueles filmes que nos dá uma sensação de deja-vu. Até a dupla de atores principais já interpretou esses personagens anteriormente. Entretanto, é importante notar que o trabalho de Susanne Bier é completamente honesto e a diretora realiza um filme sensível, que nunca descamba para um lado melancólico. O roteiro se interessa pela transformação que acontece com Audrey e Jerry e faz uma analogia muito original entre a morte e a vida sem o vício. Em comum entre as duas situações, o fato de que, para sobreviver, temos que encarar um dia de cada vez.

Cotação: 6,2

Coisas que Perdemos pelo Caminho (Things We Lost in the Fire, EUA, Inglaterra, 2007)
Diretor(es): Susanne Bier
Roteirista(s): Allan Loe
Elenco: Halle Berry, Benicio Del Toro, David Duchovny, Alexis Llewellyn, Micah Berry, John Carroll Lynch, Alison Lohman, Robin Weigert, Omar Benson Miller, Paula Newsome, Sarah Dubrovsky, Maureen Thomas, Patricia Harras, V.J. Foster, Caroline Field

Senhores do Crime (Eastern Promises, 2007)

2008-03-26T12:00:00.000-07:00

A história de Tatiana (Sarah-Jeanne Labrosse) é igual a de muitas outras jovens que saem do Leste Europeu em busca de oportunidades melhores de vida. No caso particular dela, a garota deixa a família para trás e embarca para Londres, aonde não obtém a ajuda esperada e acaba caindo nas mãos da Máfia Russa, que a transforma em uma prostituta. Aos 14 anos, grávida e vítima de todo tipo de abuso físico e/ou psicológico, Tatiana morre pouco tempo depois de dar a luz à filha, que recebe o nome de Christine.

É a partir deste último acontecimento que toda a trama de “Senhores do Crime”, do diretor David Cronenberg, é desenvolvida. E, na história criada por Steven Knight, encontraremos três núcleos bem interessantes: o da parteira Anna (Naomi Watts, um pouco desperdiçada), o do motorista Nikolai (Viggo Mortensen, em uma performance que lhe rendeu uma indicação ao Oscar 2008 de Melhor Ator) e o dos mafiosos Semyon (Armin Mueller-Stahl, excelente) e Kirill (Vincent Cassel, ótimo). Todos esses personagens possuem algo em comum: o diário de Tatiana. O interesse por desvendar – e, em alguns casos, esconder – as palavras da garota é que nos faz mergulhar no mundo sórdido e marcado pela traição da Máfia Russa.

Assim como fez em seu filme anterior (“Marcas da Violência”), o diretor David Cronenberg mostra as relações da máfia de uma maneira completamente diferente. Se em “Marcas”, Cronenberg enfocava a porção de ódio que existe em cada um de nós; em “Senhores do Crime”, o diretor abusa de cenas que mostram a vulnerabilidade de todos os personagens que vemos em tela. No entanto, o curioso é que o filme não é marcado por um tom obscuro, e sim reflete a vontade de oferecer a alguém que ainda nem deu seus primeiros passos uma vida isenta de todo o sofrimento e solidão que estão presentes em abundância nas dos outros personagens de “Senhores do Crime”.

Cotação: 6,5

Senhores do Crime (Eastern Promises, Inglaterra, Canadá, EUA, 2007)
Diretor(es): David Cronenberg
Roteirista(s): Steven Knight
Elenco: Josef Altin, Mina E. Mina, Aleksandar Mikic, Sarah-Jeanne Labrosse, Lalita Ahmed, Badi Uzzaman, Naomi Watts, Doña Croll, Raza Jaffrey, Sinéad Cusack, Jerzy Skolimowski, Tatiana Maslany, Viggo Mortensen, Vincent Cassel, Armin Mueller-Stahl

Os Cem Anos de David Lean

2008-03-25T07:34:00.000-07:00

Se estivesse vivo, o cineasta inglês David Lean completaria hoje, dia 25 de março, 100 anos de idade. Nascido na cidade de Croydon, no condado de Surray (Inglaterra), Lean era de uma família bastante tradicional, que o proibia de ir ao cinema durante a infância. Até chegar ao posto de diretor de um longa-metragem (sua estréia aconteceu em 1942, com o filme “Nosso Barco, Nossa Alma”, que ele co-dirigiu com Noel Coward), Lean serviu chá e exerceu as funções de carregador de latas de negativos, editor e mensageiro num estúdio londrino.

O reconhecimento veio com as suas adaptações de duas famosas obras do escritor Charles Dickens: “Grandes Esperanças” (1946) e “Oliver Twist” (1948). No entanto, David Lean deixou sua marca definitiva no cinema com filmes que carregavam em si as grandes marcas do estilo do diretor, como o perfeccionismo e o detalhismo. São eles: “A Ponte do Rio Kwai” (1957), “Lawrence da Arábia” (1962) e “Doutor Jivago” (1965).

Com estes filmes, os quais possuem uma característica clássica e refinada, David Lean influenciou uma série de outros diretores – notadamente o diretor Anthony Minghella (que faleceu recentemente) e seu “O Paciente Inglês” (1996).

David Lean recebeu, em 1984, o título de Cavaleiro do Império Britânico e faleceu no dia 16 de Abril de 1991, em Londres, pouco tempo antes de começar as filmagens de “Nostromo”, filme que seria baseado na obra homônima de Joseph Conrad.

Para homenagear o diretor, o Cinéfila por Natureza coloca aqui o vídeo de uma das mais clássicas trilhas sonoras de todos os tempos: a de “Doutor Jivago”, composta pelo francês Maurice Jarre (que também trabalhou com David Lean em “Lawrence da Arábia”). A apresentação aconteceu em 1992, num tributo feito ao diretor.

As Crônicas de Spiderwick (The Spiderwick Chronicles, 2008)

2008-03-24T12:36:00.000-07:00

Quando escrevemos a respeito do filme “Meu Monstro de Estimação”, do diretor Jay Russell, falamos a respeito da última safra de filmes infantis, os quais possuem uma qualidade estética impressionante e uma trama nada açucarada. “As Crônicas de Spiderwick”, do diretor Mark Waters (“Sexta-Feira Muito Louca”, “E Se Fosse Verdade” e “Meninas Malvadas”), é outro exemplar desse gênero, já que sua trama principal mostra as crianças passando por situações difíceis de forma que possam fortalecer seus laços familiares.

Após se separar do marido (Andrew McCarthy), Helen Grace (Mary-Louise Parker, do seriado “Weeds”) se muda com os três filhos – os gêmeos Jared e Simon (ambos interpretados por Freddie Highmore) e a jovem Mallory (uma crescida Sarah Bolger, de “Terra de Sonhos”) – para uma casa que ela herdou da tia Lucinda (Joan Plowright). Jared, especialmente, anda um pouco arredio por causa da mudança e, principalmente, da separação dos pais.

É justamente Jared que irá entrar em contato com o grande segredo que está guardado entre as paredes da casa da família: um livro escrito por Arthur Spiderwick (David Strathairn) e que é uma espécie de guia para as criaturas fantásticas que nos rodeiam. No entanto, nem todos esses seres são bonzinhos e os irmãos Grace se vêem envolvidos em um conflito no qual têm que proteger, a todo custo, o livro para que ele não caia nas mãos erradas – leia-se nas de Mulgarath (Nick Nolte), o qual poderá destruir o mundo se conseguir a posse do guia escrito por Arthur.

Baseado na série de livros homônimos de Tony DiTerlizzi e Holly Black, “As Crônicas de Spiderwick” é um filme extremamente cativante. Apesar de ter sido feito para o público infantil, como uma espécie de aperitivo para o que veremos mais tarde em “As Crônicas de Nárnia – Príncipe Caspian”, a obra conta com uma equipe técnica que irá encher os olhos dos cinéfilos: o diretor de fotografia é Caleb Deschanel (que foi cinco vezes indicado ao Oscar), a excelente música original é de James Horner (o autor do tema de “Titanic”), a edição é de Michael Kahn (o habitual colaborador de Steven Spielberg) e um dos autores do roteiro é o aclamado diretor John Sayles.

Cotação: 8,5

As Crônicas de Spiderwick (The Spiderwick Chronicles, EUA, 2008)
Diretor(es): Mark Waters
Roteirista(s): Karey Kirkpatrick, David Berenbaum, John Sayles (baseado nos livros de Tony DiTerlizzi e Holly Black)
Elenco: Freddie Highmore, Sarah Bolger, Nick Nolte, Mary-Louise Parker, Joan Plowright, David Strathairn, Seth Rogen, Jordy Benattar, Martin Short, Andrew McCarthy, Tod Fennell, Mariah Inger, Jeremy Lavalley, Lise Durocher-Viens, Tyler Patrick Jones

Ponto de Vista (Vantage Point, 2008)

2008-03-19T13:40:00.000-07:00

Os olhos do mundo estão voltados para a cidade de Salamanca, na Espanha. É nessa localidade que o presidente dos Estados Unidos, Henry Ashton (William Hurt), e o prefeito De Soto (José Carlos Rodriguez) irão assinar um acordo que desempenhará um importante papel na luta contra o terrorismo. Neste contexto, uma informação é bastante repetida pela repórter (Zoe Saldana) que cobre o evento: quase 5 milhões de pessoas, em todo o mundo, já morreram em decorrência de ataques terroristas. E, como bem mostra uma das primeiras cenas de “Ponto de Vista”, do diretor Pete Travis, outras tantas ainda estão sob forte ameaça.

O roteiro de Barry Levy mostra o atentado sofrido pelo presidente Ashton e a subseqüente detonação de uma bomba no local aonde o acordo será assinado. É a partir deste acontecimento que o roteirista desenvolve a sua trama, a qual mostra os diferentes pontos de vista de diversas pessoas que testemunharam o ataque. Temos os agentes Thomas Barnes (Dennis Quaid) e Kent Taylor (Matthew Fox), o turista Howard Lewis (Forest Whitaker), a produtora Rex Brooks (Sigourney Weaver) e o grupo formado por Javier (Edgar Ramirez), Suarez (Said Taghmaoui), Veronica (Ayelet Zurer) e Enrique (Eduardo Noriega). A partir do que nos é relatado, vamos ligando as informações e chegando à verdade sobre tudo o que aconteceu naquele momento.

À primeira vista, o recurso narrativo utilizado pelo roteirista Barry Levy parece ser muito interessante. No entanto, esta não é a primeira vez que tal solução foi utilizada no cinema. Como acontece em outros filmes de tramas fragmentadas, “Ponto de Vista” sofre com a irregularidade entre uma história e outra. De qualquer maneira, o diretor Pete Travis realiza um bom trabalho dando unidade ao filme. As cenas de ação que ele dirige, especialmente aquela que mostra uma perseguição de carros nas ruas de Salamanca, são muito boas.

Cotação: 7,7

Ponto de Vista (Vantage Point, EUA, 2008)
Diretor(es): Pete Travis
Roteirista(s): Barry L. Levy
Elenco: Dennis Quaid, Matthew Fox, Forest Whitaker, Bruce McGill, Edgar Ramirez, Saïd Taghmaoui, Ayelet Zurer, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, William Hurt, James LeGros, Eduardo Noriega, Richard T. Jones, Holt McCallany, Leonardo Nam

Horton e o Mundo dos Quem! (Horton Hears a Who!, 2008)

2008-03-18T13:37:00.000-07:00

A arma mais poderosa de uma criança é a imaginação que ela possui, a capacidade que ela tem de se transportar a novos mundos e a novas situações. O elefante simpático Horton (dublado por Jim Carrey) é um prato cheio nesse sentido. Ele é a companhia freqüente – e adorada – dos bichinhos da floresta aonde vive. No entanto, não são todas as pessoas do local que acham que ele exerce uma boa influência sobre os pequeninos. A Kangaroo (dublada pela comediante Carol Burnett) acha que a imaginação dele é maléfica e, por isso, faz de Horton o seu inimigo número um.

As suspeitas de Kangaroo parecem ser confirmadas a partir do momento em que Horton alega ter ouvido um estranho pedido de socorro que parece vir de um microscópico grão de poeira que flutua no ar. O clamor em questão vem do prefeito (dublado por Steve Carell) de Quemlândia, uma terra de seres minúsculos. Enquanto os amigos do elefante começam a achar que Horton enlouqueceu de vez, ele se dispõe a ajudar o prefeito a encontrar um local seguro no qual Quemlândia possa permanecer vivendo em comunidade.

Baseado em uma obra do famoso escritor infantil Dr. Seuss, “Horton e o Mundo dos Quem”, animação dos diretores Jimmy Hayward e Steve Martino, é uma ótima adaptação. Produzida pelo Blue Sky Studios (o mesmo de “A Era do Gelo”), o filme é a prova de que eles também sabem fazer desenhos com muito bom humor, ao mesmo tempo em colocam nos roteiros aquelas mensagens positivas típicas de filmes desse gênero e que passam algum valor às crianças. O ponto mais alto de “Horton e o Mundo dos Quem”, no entanto, é o fato de que a obra possui um final conciso e que não deixa dúvidas de que a felicidade ali está.

Cotação: 7,5

Horton e o Mundo dos Quem! (Horton Hears a Who!, EUA, 2008)
Diretor(es): Jimmy Hayward, Steve Martino
Roteirista(s): Ken Daurio, Cinco Paul (com base no livro de Dr. Seuss)
Com as vozes de: Jim Carrey, Steve Carell, Jonah Hill, Seth Rogen, Isla Fisher, Will Arnett, Dane Cook, Selena Gomez, Jaime Pressly, Dan Fogler, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Amy Poehler, Carol Burnett, Josh Flitter, Laura Ortiz

A Vida dos Outros (Das Leben der Anderen, 2006)

2008-03-17T13:22:00.000-07:00

Em 1985, aqueles que viviam na República Democrática Alemã (RDA) estavam submetidos à completa investigação por parte da Stasi, que era a principal organização de polícia secreta e inteligência do lado soviético da Alemanha. Qualquer passo em falso era a razão perfeita para horas de interrogatório, em que o soldado da Stasi só liberava seu prisioneiro depois de conseguir a informação que queria. O prólogo de “A Vida dos Outros”, filme do diretor e roteirista Florian Henckel Von Donnersmarck, mostra muito bem como funcionam as técnicas de interrogação dos membros da Stasi.

É bem sabido que, em regimes bastante repressivos, os artistas em geral – principalmente aqueles que possuem o dom da palavra – são pessoas que incorporam a voz da resistência, usando de certos artifícios que somente a arte pode oferecer. O famoso dramaturgo George Dreyman (Sebastian Koch) acaba de estrear sua nova peça. Na platéia, Wiesler (Ulrich Muhe) e Anton Grubitz (Ulrich Tukur). Os dois são membros da Stasi. Dreyman é um escritor querido pelo regime e age sem qualquer suspeita, mas cometeu um erro gravíssimo: namorar a atriz Christa-Maria Sieland (Martina Gedeck).

Com ciúmes de George Dreyman, o ministro Bruno Hempf (Thomas Thieme), que é bastante atraído por Christa-Maria Sieland, ordena que Wiesler e Grubitz investiguem por completo a vida de Dreyman e, principalmente, achem qualquer tipo de informação controversa a seu respeito para que ele suma e deixe o caminho livre para que o ministro possa conquistar a atriz. É no decorrer da investigação, da rotina de escutas e de perseguições que se desenrolam as melhores partes de “A Vida dos Outros”. O interessante aqui é perceber as mudanças que se estabelecem em Dreyman e, especialmente, Wiesler. O oficial se envolve tanto na investigação que começa a comprometer o seu trabalho como agente da Stasi.

Vencedor do Oscar 2007 de Melhor Filme Estrangeiro, “A Vida dos Outros” é um trabalho impressionante. Desde o roteiro e direção de Florian Henckel Von Donnersmarck, passando pela trilha sonora de Stéphane Moucha e Gabriel Yared, pela fotografia de Hagden Bogdanski e terminando na performance do elenco (em especial as de Ulrich Muhe e Martina Gedeck), o filme mostra uma qualidade digna de ser considerado um dos melhores lançamentos daquele ano. O diretor só erra na parte final do seu filme, que se estende demais.

Cotação: 9,7

A Vida dos Outros (Das Leben der Anderen, Alemanha, 2006)
Diretor(es): Florian Henckel von Donnersmarck
Roteirista(s): Florian Henckel von Donnersmarck
Elenco: Martina Gedeck, Ulrich Mühe, Sebastian Koch, Ulrich Tukur, Thomas Thieme, Hans-Uwe Bauer, Volkmar Kleinert, Matthias Brenner, Charly Hübner, Herbert Knaup, Bastian Trost, Marie Gruber, Zack Volker Michalowski, Werner Daehn, Martin Brambach

American Idol 7 - Top 12 Revelado

2008-03-15T05:25:00.000-07:00

No programa de ontem à noite, aqueles que estão acompanhando a sétima temporada do programa “American Idol”, pela Sony Entertainment Television (que, dessa vez, ajudou os fãs brasileiros ao colocar somente uma semana de atraso para os Estados Unidos), conheceram os cantores que fazem parte do Top 12 do show e que brigarão, efetivamente, pelo posto de novo Ídolo norte-americano.

Os produtores e o trio de jurados (Randy Jackson, Paula Abdul e Simon Cowell) são unânimes em dizer que este é o melhor Top 12 de todos os tempos. Esta afirmação, no entanto, é um tanto exagerada. É óbvio que existem muitos talentos no grupo (o que deve fazer a segunda metade do programa ter uma disputa bastante acirrada), mas, como sempre, encontramos aqueles candidatos medianos, que só estão aqui para fazer figuração e lutarem por uma das 10 vagas na turnê do programa.

Este seria o melhor Top 12 de todas as temporadas de “American Idol” se o público norte-americano não tivesse eliminado precocemente a promissora Alaina Whitaker (a sósia de Carrie Underwood) e, no último programa, a dupla Asia’h Epperson (uma cantora de estilo único, com sua voz rouca) e Danny Noriega (que era garantia de entretenimento).

O Cinéfila por Natureza faz um comentário sobre cada um dos participantes que fazem parte do Top 12 da sétima temporada de “American Idol”:

- Amanda Overmyer, 23 anos: Pode não parecer, mas essa figura da foto é uma enfermeira especializada em doenças respiratórias, mas que, nas horas vagas, adora pilotar sua Harley Davidson. A “Rock ‘n Roll Nurse” (apelido carinhoso dado pelo jurado Randy Jackson) parece ter saída dos anos 60. Sua voz bluesy, suas performances inflamadas e seu estilo único renderam comparações com a cantora Janis Joplin. Injustamente apoiada pelo site “Vote for the Worst”, Amanda é tudo aquilo que o “American Idol” representa: a busca por um talento cru e desconhecido. A favor dela, além de seu talento, o fato de que o nicho de mercado dela é bastante necessitado, afinal qual a grande cantora solo de rock da atualidade?
Melhor momento: Após um começo turbulento, Amanda mostrou todo o seu talento, domínio de palco e capacidade de levantar a platéia com sua performance de “I Hate Myself for Loving You”, de Joan Jett and the Blackhearts.

- Brooke White, 24 anos: Brooke começou sua trajetória no “American Idol” com o pé esquerdo, ao apostar na imagem de “boa moça” (o que ela, de fato, é). Após algumas piadinhas em relação ao seu estilo “excessivamente feliz”, Brooke decidiu colocar em pauta aquilo que realmente importa: seu talento. A participante tem uma clara influência da música folk norte-americana e de artistas como Carly Simon e tem surpreendido ao criar arranjos que deixam as músicas que ela escolhe com a sua cara. Brooke é uma daquelas cantoras que vai te conquistando aos poucos e ela tem tudo para crescer – e muito – e se tornar uma favorita a vencer o “American Idol”.
Melhor momento: Ao cantar uma versão acústica de “Love is a Battlefield”, de Pat Benatar, Brooke marca o momento da virada em sua participação no programa.

- Carly Smithson, 24 anos: Após ser descoberta sua ligação com uma gravadora que, na época, era dirigida pelo jurado Randy Jackson, Carly se transformou na participante mais polêmica dessa sétima temporada de “American Idol”. Os fãs do programa, aliás, ouviram falar dela bem antes do programa começar, quando os jurados eram unânimes em dizer que ela era a favorita para vencer neste ano. No entanto, até agora, a irlandesa radicada na Califórnia não confirmou as expectativas. Entretanto, nunca despreze as capacidades de uma boa cantora como ela. Carly pode, sim, chegar lá.
Melhor momento: Ao cantar “Crazy on You”, do Heart, Carly prova o por quê de tanto barulho em torno dela.

- Chikezie Eze, 22 anos: O teste dele foi um dos melhores, mas, em programas recentes, Chikezie não conseguiu mostrar o por quê de ele estar no Top 12 de “American Idol”. Por isso, muita gente pode questionar sua presença nessa fase do programa. No entanto, Chikezie é um daqueles participantes que é uma incógnita. Você não sabe o que esperar dele, mas faço uma previsão: acho que ele não chega ao top 6.
Melhor Momento: Ao cantar “I Believe to My Soul”, de Ray Charles, podemos perceber fragmentos do talentoso Chikezie que se apresentou no primeiro teste.

- David Archuleta, 17 anos: O primeiro dos Davids é a versão masculina de Jordin Sparks (vencedora da sexta temporada de “American Idol”). Ganhador da categoria Junior do “Star Search”, Archuleta é um dos mais talentosos participantes do programa nesse ano. Carismático e fofo, David A. é o queridinho da torcida – basta ver a quantidade de gritos que ele recebe antes, durante e depois de cada performance. Favorito absoluto a vencer o “American Idol”.
Melhor momento: Sua apresentação de “Imagine”, de John Lennon, recebeu o seguinte comentário exagerado da jurada Paula Abdul: “esta é a melhor versão dessa música, após a original”.

- David Cook, 25 anos: O aprendiz de Chris Daughtry (o participante mais bem-sucedido da quinta temporada de “American Idol”) desse ano. David C. segue os mesmos passos de Brooke White e é um participante que vai te conquistando aos poucos. Ao mesmo tempo em que se mantém fiel à sua origem roqueira, Cook entende que o “American Idol” é um concurso de popularidade e, por isso, tem se preocupado em parecer agradável e em escolher músicas que são conhecidas do grande público. Outro que pode surpreender.
Melhor momento: Ao cantar “Hello”, de Lionel Richie, Cook ganha pontos por transformar essa música cafona em algo que agrada aos nossos ouvidos.

- David Hernandez, 24 anos: A versão masculina de Diablo Cody. Explico: a imprensa norte-americana descobriu que David H. costumava trabalhar como stripper em uma boate masculina. Como essa profissão está na moda, os norte-americanos (que formam uma sociedade extremamente conservadora) nem se importaram muito com a revelação e Hernandez conquistou um lugar no Top 12. Um cantor de voz excelente, Hernandez chama a atenção pela maneira como se coloca no palco. No entanto, acho que ele é um dos participantes que não chegará longe nesta edição.
Melhor Momento: Ao cantar “Papa Was a Rolling Stone”, do The Temptations, Hernandez prova porque merece estar no Top 12 do programa.

- Jason Castro, 20 anos: Como não teve exposição nenhuma durante as fases de teste e de Hollywood, muita gente ficou surpreendida com a passagem de Jason Castro ao Top 24. Nas três semanas em que se apresentou, Castro provou ser um cantor de talento diferente. Ele não tem a voz marcante de David Archuleta, mas sabe usar suas limitações a seu favor, ao escolher músicas que funcionam perfeitamente com seu alcance vocal. Revertida essa primeira desvantagem, Castro conquistou uma boa base de fãs e pode chegar longe nessa temporada de “American Idol”.
Melhor momento: Ao cantar “Hallelujah”, de Leonard Cohen, Jason Castro empurrou a música original de volta às paradas.

- Kristy Lee Cook, 24 anos: Assim como Carly Smithson, Kristy Lee Cook também já teve um contrato com uma gravadora. Não obteve sucesso e voltou a trabalhar como treinadora de cavalos. Única representante do estilo country, a participação na sétima temporada de “American Idol” é a segunda chance que ela tem para provar que pode fazer sucesso. No entanto, a julgar pela qualidade de suas apresentações, Lee Cook não vai chegar lá.
Melhor momento: Ao cantar “Amazing Grace”. Esta música é o grande trunfo de Lee Cook (ela já apresentou a mesma em duas oportunidades, durante as fases de testes e de Hollywood) e a única que ela parece cantar realmente bem.

- Michael Johns, 29 anos: Australiano de nascimento, Michael Johns foi o participante que chegou ao top 24 com mais moral. Ele tem experiência (já participou de algumas bandas e também teve contrato com gravadora) e sabe muito bem qual a sua identidade musical: o rock. No entanto, depois de arrasar nos programas de Hollywood, Johns parece que desapareceu e não confirmou aquilo que poderia ser: favorito a vencer o “American Idol”. No entanto, ainda dá tempo dele virar o jogo.
Melhor momento: Ao cantar a clássica “Light My Fire”, de The Doors, Michael prova o talento que tem.

- Ramiele Malubay, 20 anos: Na minha opinião, Ramiele é a melhor participante do sexo feminino dessa sétima temporada de “American Idol”. Uma cantora de muitos recursos, Malubay tem uma voz que lembra a de uma cantora antiga. Esse seu vocal contrasta muito com a imagem jovem dela e este é o grande desafio dela no programa: provar que pode ser contemporânea. Se seguir a tradição da outra filipina que participou do “American Idol” (Jasmine Trias, da terceira temporada), Ramiele chegará longe.
Melhor momento: Ao cantar “You Don’t Have to Say You Love Me”, de Dusty Springfield, Ramiele mostra porque pode ser a pedra no calçado de David Archuleta.

- Syesha Mercado, 21 anos: Nas suas primeiras apresentações, peguei um pouco no pé dela, pois Syesha, às vezes, confunde cantar com gritar. Além de ter que trabalhar nisso, Syesha poderia mudar um pouco a maneira como se apresenta ao público: suas entrevistas e vídeos de apresentação soam extremamente artificiais e podem fazer com que o público a veja de forma antipatizada.
Melhor momento: Ao cantar "Me and Mr. Jones", de Billy Paul, Syesha prova como sua voz fica linda quando ela decide deixar os gritos para trás.

Na próxima semana, a Sony Entertainment Television começa a fase de teatro do programa, com o show em que os participantes terão que cantar músicas do songbook de John Lennon e Paul McCartney. A responsabilidade será grande. É aqui que o bicho começa a pegar. O Cinéfila por Natureza já tem seus favoritos. E você?

Hitman - Assassino 47 (Hitman, 2007)

2008-03-14T11:29:00.000-07:00

Baseado em um jogo de videogame, “Hitman – Assassino 47”, do diretor francês Xavier Gans, conta a história de um atirador profissional conhecido apenas como Agente 47 (Timothy Olyphant, o vilão de “Duro de Matar 4.0”). A “Agência” que o recrutou tem um perfil bem específico de assassino. Ela atua selecionando crianças órfãs e fazendo meio que uma lavagem cerebral nelas, de forma que a única coisa que eles saibam fazer direito é matar - por exemplo, o personagem principal do filme tem uma dificuldade enorme em estabelecer relacionamentos com outras pessoas.

Toda a trama do filme se passa na Europa Oriental, mais precisamente na Rússia e na Turquia, localidade aonde o Agente 47 passará um tempo fazendo uma importante tarefa. Seu alvo é o presidente russo Mikhail Belicoff (Ulrich Thomsen). No entanto, como sempre acontece em filmes do gênero, algo dá errado e o Agente 47 tem que correr atrás da verdade – ao mesmo tempo em que tem que proteger Nina Boronina (Olga Kurylenko, a futura Bond Girl), a namorada de Belicoff, e fugir da Interpol (representada pelo inspetor interpretado por Dougray Scott) e da Polícia Secreta Russa (representada pelo agente interpretado por Robert Knepper).

“Hitman – Assassino 47” é um filme que, mesmo tendo uma trama batida, surpreende em vários momentos. As cenas de ação são muito estilosas. Timothy Olyphant se sai bem como o assassino sem coração e a trama é desenvolvida de forma agradável. Os únicos elementos que destoam no filme são o ator Dougray Scott, que – aparentemente – desaprendeu a atuar e a utilização da belíssima “Ave Maria” como a música que representa o ritual de formação de assassinos na “Agência”.

Cotação: 5,2

Hitman - Assassino 47 (Hitman, França, EUA, 2007)
Diretor(es): Xavier Gens
Roteirista(s): Skip Woods
Elenco: Timothy Olyphant, Dougray Scott, Olga Kurylenko, Robert Knepper, Ulrich Thomsen, Michael Offei, Henry Ian Cusick

Actress Psychic Contest

2008-03-13T15:11:00.000-07:00

Nathaniel Rogers, do blog “The Film Experience”, lançou ontem a segunda edição do Actress Psychic Contest, um concurso em que os participantes enviam suas listas de previsões para a categoria de Melhor Atriz do Oscar 2009 com um ano de antecedência.

Quem participou do concurso no ano passado verá que Nathaniel fez algumas mudanças no regulamento, oferecendo pontos adicionais que permitirão que, mesmo que algumas de suas candidatas forem esquecidas pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, você continue na disputa, já que elas foram lembradas no decorrer de 2008 como aspirantes ao Oscar.

A blogueira que vos fala participou da edição passada e já mandou a sua lista de previsões para 2009. Quem também quiser arriscar a sorte e participar do Actress Psychic Contest é só visitar esta página, que encontrará as informações necessárias, inclusive uma lista com mais de 50 nomes de atrizes para ajudar na difícil tarefa que é selecionar somente 5 delas.

Divulgado o Primeiro Trailer de "The Incredible Hulk"

2008-03-12T18:01:00.000-07:00

Após meses de espera, finalmente, a Marvel Comics liberou o primeiro trailer de "The Incredible Hulk", do diretor Louis Leterrrier. Nele, uma pequena amostra a respeito do tema principal do filme: a luta de Bruce Banner (Edward Norton) para compreender o que aconteceu com ele e, posteriormente, a aceitação de seu poder. Além disso, o trailer mata a curiosidade dos fãs do Monstro Verde a respeito da maneira como ele será apresentado em tela.

"The Incredible Hulk" estréia no dia 13 de Junho, nos Estados Unidos.

Numa nota paralela ainda a respeito do filme, a jornalista Nikki Finke relatou, em seu site, que estão ocorrendo certas divergências entre Edward Norton e a Marvel Comics sobre como o filme deve ser editado. Aparentemente, Edward quer que a Marvel cumpra a promessa de que ele estará totalmente envolvido em todas as etapas deste projeto.

10.000 A.C. (10.000 B.C., 2008)

2008-03-12T13:44:00.000-07:00

Assim que termina a exibição de “10.000 A.C.”, filme do diretor Roland Emmerich (que co-escreveu o roteiro ao lado de Harald Kloser), é impossível não pensar em “Apocalypto”, do diretor Mel Gibson. Existem muitas semelhanças entre os dois filmes. A principal, além de se passarem numa época e civilização antigas, é o fato de que toda a trama das duas obras se move pelo resgate da mulher amada e pela vontade de se iniciar uma nova história dentro da pequena comunidade aonde os personagens principais vivem.

Roland Emmerich nos leva a uma tribo primitiva, aonde mora D’Leh (Steven Strait), um jovem filho de um homem que abandonou a comunidade em um momento de crise. Quando o filme começa, D’Leh já está em idade de se tornar um guerreiro e, abalado pelo ato do pai (o qual ele não pretende repetir), tem a oportunidade perfeita de se tornar um herói quando a mulher que ele ama, Evolet (Camilla Belle), é seqüestrada e transformada em escrava.

A motivação principal de D’Leh, além, é claro de se transformar em um grande homem, é evitar a extinção de sua tribo. Portanto, ao longo de “10.000 A.C.”, veremos o jovem embarcar em uma jornada que inspirará outras tantas tribos a lutarem pela mesma causa que ele. Aqui, temos a desculpa perfeita para o diretor Roland Emmerich criar um clima épico, com uma trilha sonora imponente, cenários grandiosos, frases de efeito e cenas de batalha.

No entanto, “10.000 A.C.” é um filme cheio de erros. O primeiro deles está no roteiro. Se Roland Emmerich e Harald Kloser tivessem se fixado na lenda que envolve a personagem Evolet, tudo correria bem; mas eles insistem em criar outras lendas que tiram o foco daquilo que era para ser o principal. Entretanto, o mais grave dos equívocos de “10.000 A.C.” é os efeitos visuais – o que chega a ser uma surpresa, já que Emmerich fez obras do porte de “O Dia Depois de Amanhã” e “Independence Day”. Em algumas cenas, estes efeitos chegam a ser muito grosseiros e artificiais. Ou seja, eles não nos passam aquela naturalidade. Você nota que o elemento visto em tela é puro resultado de um computador.

Cotação: 4,0

10,000 A.C. (10,000 B.C., EUA, Nova Zelândia, 2008)
Diretor(es): Roland Emmerich
Roteirista(s): Roland Emmerich, Harald Kloser
Elenco: Steven Strait, Camilla Belle, Cliff Curtis, Joel Virgil Vierset, Affif Ben Badra, Mo Zinal, Nathanael Baring, Mona Hammond, Marco Khan, Reece Ritchie, Joel Fry, Omar Sharif, Kristian Beazley, Junior Oliphant, Louise Tu'u

Sangue Negro (There Will Be Blood, 2007)

2008-03-11T11:39:00.000-07:00

Tudo o que você precisa saber sobre Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis, numa performance que lhe rendeu o Oscar 2008 de Melhor Ator), o personagem principal de “Sangue Negro”, filme do diretor e roteirista Paul Thomas Anderson, está nas primeiras cenas da obra. Plainview é dedicado, trabalhador, obstinado e um visionário. Em poucos anos, sai da posição de um mísero garimpeiro para a de magnata do petróleo. E, para chegar a esse ponto, Daniel segue fielmente princípios que considera importantes como família, ambição e riqueza nos negócios.

Estas características não só marcam a personalidade de Daniel Plainview. Tais valores são extremamente familiares à sociedade norte-americana. Desde cedo, eles são acostumados à competição e, por isso, são estimulados a continuarem seguindo o propósito de tantas outras gerações: seguir uma boa carreira e ter um padrão de vida imponente. Para ilustrar essa gana norte-americana, Paul Thomas Anderson centra toda a sua trama em uma matéria-prima tão cobiçada pela terra do Tio Sam: o petróleo.

Baseado livremente no livro “Oil”, de Upton Sinclair, “Sangue Negro” mostra a ascensão social – e comercial – de Daniel Plainview. Dono de um negócio familiar – seu sócio é o filho H.W. Plainview (Dillon Freasier) –, Daniel vai em busca de oportunidades em uma pequena comunidade chamada Little Boston. Lá, o empresário compra praticamente todos as fazendas e expande seus negócios. Na medida em que vai sendo, cada vez mais, consumido pela ganância, Daniel começa a ser confrontado com a figura antagônica de Eli Sunday (Paul Dano, excelente), pastor de uma igreja local, e que tem a função de relembrar Daniel dos pecados que ele tenta tão bem esconder.

Cinco anos separam “Embriagado de Amor” de “Sangue Negro”. Nesse meio tempo, Paul Thomas Anderson ajudou Robert Altman (diretor com quem ele é constantemente comparado) a finalizar “A Última Noite”. O que este último trabalho do diretor e roteirista nos mostra é muita maturidade. Anderson fez um verdadeiro épico sobre como a ganância e a ambição podem consumir tanto um homem a ponto de ele não ter medo de tirar ninguém de seu caminho. O filme não é daqueles que causa um efeito imediato na platéia. Ele exige tempo, consideração e vontade de compreender suas nuances. Características essas que fazem de um filme uma obra permanente e que ultrapassará a barreira do tempo.

Cotação: 8,5

Sangue Negro (There Will Be Blood, EUA, 2007)
Diretor(es): Paul Thomas Anderson
Roteirista(s): Paul Thomas Anderson (com base no livro de Upton Sinclair)
Elenco: Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Martin Stringer, Kevin J. O'Connor, Jacob Stringer, Matthew Braden Stringer, Ciarán Hinds, Dillon Freasier, Joseph Mussey, Barry Del Sherman, Russell Harvard, Harrison Taylor, Stockton Taylor, Colleen Foy, Paul F. Tompkins, Kevin Breznahan

Jogo de Cena (2007)

2008-03-10T11:37:00.000-07:00

Um anúncio de jornal convida mulheres maiores de 18 anos e que possuem uma história interessante para contar a comparecerem ao Teatro Glauce Rocha, no Rio de Janeiro. Oitenta e três mulheres responderam ao pedido. Dos relatos feitos por elas, o diretor Eduardo Coutinho selecionou 23 histórias. Durante o filme “Jogo de Cena” não assistimos a todos estes relatos, e sim a uma série de retratos da vida real, contados por mulheres que têm alguma coisa em comum.

Você vê nos olhos delas que elas possuem uma vida de sofrimento, de dor e de perdas. Algumas se viram diante de uma gravidez não planejada. Outras tiveram um rompimento abrupto de um relacionamento. No entanto, todas estas mulheres compartilham de um sentimento de esperança e de vontade de viver. É justamente isso que dá unidade ao documentário.

O diretor Eduardo Coutinho usa um formato muito interessante em “Jogo de Cena”. Sem nos avisar, ele alterna os relatos das histórias feitos por aquelas que as vivenciaram com a interpretação desses mesmos acontecimentos por atrizes profissionais (como Mary Sheyla, Marília Pêra, Andréa Beltrão e Fernanda Torres). A impressão que a platéia tem é a de exposição total, especialmente porque vemos essas atrizes em momentos de muita vulnerabilidade, em que elas expõem seus processos de composição de personagem. “Jogo de Cena” é um filme que instiga as reações de sua platéia ao brincar conosco. A não ser nos casos das atrizes conhecidas, fica muito difícil saber quem é a profissional e quem é a pessoa comum. Dessa maneira, o documentário mostra de maneira pungente como a própria vida, muitas vezes, acaba se confundindo com a arte.

Cotação: 8,3

Jogo de Cena (Jogo de Cena, Brasil, 2007)
Diretor(es): Eduardo Coutinho
Elenco: Marília Pêra, Fernanda Torres, Andréa Beltrão, Mary Sheyla, Gisele Alves Moura, Débora Almeida, Sarita Houli Brumer, Lana Guelero, Jack Brown, Maria de Fátima Barbosa, Aleta Gomes Vieira, Marina D'Elia, Claudiléa Cerqueira de Lemos

De Olho no Oscar 2009 - "Defiance"

2008-03-07T12:20:00.000-08:00

Gênero: Drama/Guerra

Diretor: Edward Zwick

Roteiro: Clay Frohman, Clayton Frohman, Edward Zwick (com base no livro de Nechama Tec)

Elenco: Daniel Craig, Liev Schreiber, Jamie Bell, George MacKay, Alexa Devalos, Mia Wasikowska, Mark Margolis, Mark Feuerstein

Sinopse: Baseado na história real de três irmãos judeus (Craig, Schreiber e Bell), que escapam de uma Polônia ocupada pelo nazismo e acabam parando em uma floresta localizada na Bielorússia. Lá, eles irão construir uma vila e salvarão mais 1200 outros judeus de morrerem pelas mãos do ditador alemão.

Por quê ficar de olho? A Academia de Artes e Ciências Cinematográficas adora filmes sobre a resistência ao nazismo. Edward Zwick, apesar de nunca ter sido indicado ao Oscar de Melhor Diretor, possui uma estatueta conquistada como um dos produtores de “Shakespeare Apaixonado”. Os filmes de Zwick são mais lembrados pela Academia nas categorias de atuação, mas algo em “Defiance” nos leva a crer que a obra quebrará essa escrita, já que o diretor tem ao seu lado uma ótima equipe formada pelo compositor James Newton Howard, o diretor de fotografia Eduardo Serra, a edição de Steven Rosemblum e os figurinos de Jenny Beavan.

Data de estréia: Dezembro de 2008, nos Estados Unidos. Ainda sem data de estréia definida no Brasil.

Meu Monstro de Estimação (The Water Horse, 2007)

2008-03-06T10:52:00.001-08:00

O monstro do Lago Ness já foi bastante explorado pelo cinema causando uma sensação de medo, apreensão e suspense. No caso de “Meu Monstro de Estimação”, do diretor Jay Russell (“Brigada 49” e “Vivendo na Eternidade”), esta figura lendária é usada para representar os sentimentos de amor, amizade e esperança. Isso deixa de parecer estranho quando conhecemos o contexto no qual se passa a trama do filme (que foi escrita por Robert Nelson Jacobs, tendo como base o livro de Dick King-Smith). Estamos em plena II Guerra Mundial e o garoto Angus McMorrow (Alex Etel) – que mora numa imponente casa com a mãe Anne (Emily Watson) e a irmã Kirstie (Priyanka Xi) – vive atormentado pela lembrança do pai Charlie (Craig Hall), que foi servir na guerra.

Angus é solitário e, ao mesmo tempo em que sente uma atração, teme a inconstância dos mares. Em uma de suas andanças pela praia, ele acaba recolhendo um objeto – que, saberemos mais tarde, é um ovo do qual nascerá uma criatura lendária dos mares. A partir do momento em que Crusoé (o tal ser marítimo) vem ao mundo, se estabelece entre ele e Angus um relacionamento puro e que, de certa maneira, supre o garotinho da ausência que ele sente do pai e faz com que ele, a mãe a irmã sejam uma família novamente.

Há que se exaltar a linhagem de filmes infantis dos últimos anos – e da qual os exemplares mais interessantes têm sido, além desse “Meu Monstro de Estimação”, “Ponte Para Terabítia” e “As Crônicas de Nárnia – O Leão, a Feiticeira e o Guarda-Roupa”. Tais obras possuem uma qualidade estética bem interessante e uma trama que não é açucarada demais. Ou seja, os filmes mostram às crianças que o mundo em que elas vivem tem parcelas de dor, sofrimento e perdas; mas que a magia e a capacidade de acreditar que tudo pode ficar melhor existe e devemos ter fé nisso.

Cotação: 6,2

Meu Monstro de Estimação (The Water Horse, EUA, Inglaterra, 2007)
Diretor(es): Jay Russell
Roteirista(s): Robert Nelson Jacobs (com base no livro de Dick King-Smith)
Elenco: Bruce Allpress, Eddie Campbell, Ben Chaplin, Peter Corrigan, Brian Cox, Carl Dixon, Alex Etel, Nathan Christopher Haase, Craig Hall, Ian Harcourt, Rex Hurst, William Johnson, Megan Katherine, Elliot Lawless, Lorraine McDonald

Mutum (2007)

2008-03-05T12:49:00.000-08:00

A palavra Mutum pode significar uma ave de plumagem negra, com topete com penas encrespadas e lisas e um bico de cores vivas. Pode também se referir ao que é mudo. Mas, no caso do filme de mesmo nome da diretora Sandra Kogut (que co-escreveu o roteiro da obra ao lado de Ana Luiza Martins Costa), o vocábulo se refere à denominação de um município brasileiro que fica localizado no Estado de Minas Gerais. É nesse lugar isolado que mora Thiago (Thiago da Silva Mariz) e sua família – a qual é formada pelo pai (João Miguel), pela mãe (Izadora Fernandes) e pelos irmãos Felipe (Wallison Felipe Leal Barroso), Juliana (Maria Juliana Souza de Oliveira), Brenda (Brenda Luana Rodrigues Lima) e João Vitor (João Vitor Leal Barroso).

O filme começa quando Thiago retorna das férias que passou ao lado do tio (Rômulo Braga). O garoto tem 10 anos e é bem diferente dos meninos de sua idade. Ele gosta de ficar sozinho, tem uma certa sensibilidade e está naquela fase da vida em que tem curiosidade de saber o que se passa ao seu redor. E é justamente através do olhar dele – e das conversas que ele trava com o irmão e único amigo Felipe – que veremos como ele interpreta o mundo dos adultos que o cercam. Ao se deparar com traições, violências, silêncios e perdas, Thiago começa a deixar a sua infância para trás e a perceber qual o melhor caminho para ele seguir.

Apesar de possuir atores experientes no seu elenco, como João Miguel (de “Cinema, Aspirinas e Urubus” e “O Céu de Suely”), Luiz Carlos Vasconcelos (“Carandiru” e “Eu, Tu, Eles”) e Flávio Bauraqui (que está no ar atualmente na novela “Duas Caras”, da Rede Globo), “Mutum” é um filme que se apóia nas atuações de seu elenco infantil – em especial na do garoto Thiago da Silva Mariz. Aqui, a gente tem que destacar o trabalho da preparadora de elenco Fátima Toledo (que também mostrou sua competência em filmes como “Tropa de Elite”, “Cidade Baixa”, “O Céu de Suely” e “Cidade de Deus”). Apesar de Thiago Mariz demonstrar algumas limitações em determinadas cenas, ele carrega o filme sozinho – o que é uma responsabilidade enorme – passando uma sensação de genuinidade. Ele é a alma e o coração de “Mutum”.

Cotação: 9,7

Mutum (Mutum, Brasil, 2007)
Diretor(es): Sandra Kogut
Roteirista(s): Ana Luiza Martins Costa, Sandra Kogut (com base no livro de J. Guimarães Rosa)
Elenco: Thiago da Silva Mariz, Wallison Felipe Leal Barroso, Maria Juliana Souza de Oliveira, Brenda Luana Rodrigues Lima, João Vitor Leal Barroso, João Miguel, Izadora Fernandes, Rômulo Braga, Paula Regina Sampaio da Silva, Maria das Graças Leal Macedo, Pedro Trovão, Luiz Carlos Vasconcelos, Flavio Bauraqui, Raimundo Nonato Soares da Silva, Eduardo Moreira

4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias (4 luni, 3 saptamani si 2 zile, 2007)

2008-03-04T10:47:00.000-08:00

Até chegar ao fim de sua primeira meia-hora, o filme “4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias”, do diretor e roteirista Cristian Mungiu, pode enganar bastante a gente. Acompanhamos duas amigas – Otilia (Anamaria Marinca, numa excelente atuação) e Gabriela Dragut (Laura Vasiliu) – repassando um “check list” antes que Gabriela (a quem Otilia chama carinhosamente de Gabita) viaje. Na realidade, Gabriela não vai fazer viagem alguma. Ela vai se ausentar por uns três dias da república estudantil aonde mora com a amiga, pois vai fazer um aborto – o título da obra é uma referência ao tempo de gravidez dela.

No entanto, este não é o único elemento surpreendente do filme “4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias”. Toda a jornada que leva desde os preparativos, a espera no quarto de hotel, o aborto e a recuperação após a eliminação do feto é vista pelos olhos de Otilia. Com medo do que está por vir, Gabita pede a amiga que arranje tudo – inclusive o contato final com Bebe (Vlad Ivanov, excelente), a pessoa que irá realizar o procedimento de aborto – de forma que ela só compareça ao quarto de hotel reservado para se livrar daquilo que a está incomodando.

A trama do filme se passa em um momento de mudança para a população romena, nos últimos dias do regime comunista do ditador Nicolae Ceausescu. E, como estamos testemunhando o que está acontecendo com Gabita através dos olhos de Otilia, veremos como este dia irá modificá-la profundamente. A cada furo no planejamento (e – acredite – tudo que poderá dar errado neste dia ocorrerá), vemos Otilia repensando sua própria vida – inclusive o relacionamento com o compreensivo Adi (Alexandru Potocean), um cara que a ama de verdade e que, provavelmente, nunca deixaria acontecer com ela o que está se passando com Gabita.

Vencedor da Palma de Ouro do Festival de Cinema de Cannes, em 2007, “4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias” é um exercício de fazer (e de assistir) cinema completamente diferente para aqueles que estão acostumados com os filmes norte-americanos. O diretor e roteirista Cristian Mungiu deixa um único plano, sem mudar qualquer ângulo de câmera, por minutos em tela. Além disso, os diálogos – quase sempre – são vistos através de um só personagem (não importa quantas pessoas estejam em cena). São decisões arriscadas, mas que dão um resultado ótimo.

Cotação: 8,5

4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias (4 luni, 3 saptamani si 2 zile, Romênia, 2007)
Diretor(es): Cristian Mungiu
Roteirista(s): Cristian Mungiu
Elenco: Anamaria Marinca, Laura Vasiliu, Vlad Ivanov, Alexandru Potocean, Ion Sapdaru, Teodor Corban, Tania Popa, Cerasela Iosifescu, Doru Ana, Eugenia Bosânceanu, Marioara Sterian, Adi Carauleanu, Ion Grosu

O Caçador de Pipas (The Kite Runner, 2007)

2008-03-03T12:20:00.000-08:00

Baseado no best-seller mundial de autoria de Khaled Hosseini, “O Caçador de Pipas”, do diretor Marc Forster, é mais do que um relato da saga de uma família afegã, tendo como pano de fundo as diversas mudanças políticas que ocorreram no país (ou seja, o domínio soviético e, posteriormente, o regime talibã). A obra, na realidade, faz uma discussão profunda sobre valores morais e éticos, como a honestidade e a lealdade. Para tanto, utiliza a figura de Amir (Zekeria Ebrahimi quando jovem e Khalid Abdalla quando mais velho), filho de um rico afegão (o ótimo Homayoun Ershadi), e que – durante a infância – omite a verdade a respeito de algo e é esta lembrança que o fará voltar ao seu país natal muitos anos depois de ele e seu pai terem migrado para os Estados Unidos.

Assim como um outro filme baseado numa importante obra literária (“Desejo e Reparação”, de Joe Wright), a trama de “O Caçador de Pipas” é movida pelo desejo de consertar algo do passado. No ano de 1978, na cidade de Cabul (Afeganistão), Amir passava seus dias ao lado do garoto Hassan (Ahmad Khan Mahmidzada, excelente). Filho do criado da família, Hassan era tratado como se fosse um irmão de Amir. No entanto, a vontade de Amir em ser visto como um garoto forte e valente pelo pai fará com que ele tome uma série de atitudes que culminarão com o afastamento de Hassan e seu pai de Amir e seu Baba. 20 anos depois, quando recebe uma ligação de um amigo da família chamado Rahim Khan (Shaun Toub), Amir terá a oportunidade de “ser bom de novo”.

Falando assim parece que “O Caçador de Pipas” possui uma trama bastante simples. Mas, acontece justamente o contrário. O livro de Khaled Hosseini é bem denso e escrito de uma forma que deixa o leitor completamente inserido dentro da realidade de Amir. A adaptação do diretor Marc Forster tem várias qualidades (a música de Alberto Iglesias, a fotografia de Roberto Schaefer e as performances de seu elenco), mas peca justamente no roteiro de David Benioff (“A Última Noite” e “Tróia”). Está óbvio para aqueles que leram o material original que o roteirista teve um enorme respeito com a obra de Hosseini. No entanto, na ânsia de condensar o material, Benioff deixa de fora alguns detalhes que são importantes para compreender o tipo de relacionamento que existia entre Amir e Hassan e que nos ajudam a entender o porquê da volta de Amir ao Afeganistão não ser uma obrigação, e sim uma questão de honra.

Tendo dito isso, o maior problema do filme “O Caçador de Pipas” é não conseguir fazer com que o espectador seja cúmplice de Amir em sua jornada. A gente acompanha tudo por uma distância segura. Se a graça da leitura é a gente mergulhar no universo imaginado pelo escritor, o que a gente espera de um filme é a capacidade de sermos transportados para aquele mundo apresentado pelo diretor durante a projeção. Marc Forster, que já provou ser capaz de fazer isso em filmes como “Mais Estranho que a Ficção” e “Em Busca da Terra do Nunca”, deixou a sensibilidade em casa e fez um trabalho extremamente burocrático. O que é uma pena, pois “O Caçador de Pipas” é um livro que transborda emoção.

Cotação: 7,3

O Caçador de Pipas (The Kite Runner, EUA, 2007)
Diretor(es): Marc Forster
Roteirista(s): David Benioff (com base no livro de Khaled Hosseini)
Elenco: Khalid Abdalla, Homayon Ershadi, Zekeria Ebrahimi, Ahmad Khan Mahmidzada, Shaun Toub, Nabi Tanha, Ali Dinesh, Saïd Taghmaoui, Atossa Leoni, Abdul Qadir Farookh, Maimoona Ghizal, Abdul Salam Yusoufzai, Elham Ehsas, Ehsan Aman, Vsevolod Bardashev

De Olho no Oscar 2009 - "Miss Pettigrew Lives for a Day"

2008-03-01T15:25:00.000-08:00

Gênero: Comédia

Diretor: Bharat Nalluri (da minissérie “Tsunami – The Aftermath”)

Roteiro: David Magee (“Em Busca da Terra do Nunca”) e Simon Beaufoy

Elenco: Amy Adams, Frances McDormand, Ciáran Hinds, Lee Pace

Sinopse: Guinevere Pettigrew (Frances McDormand) é uma governanta inglesa de meia-idade e que acaba de ser demitida do seu emprego. Em busca de uma nova oportunidade de trabalho, ela acaba entrando no mundo glamuroso da atriz norte-americana Delysia Lafosse (Amy Adams).

Por quê ficar de olho: Amy Adams já provou seu talento cômico em “Encantada” e promete ter um ano de 2008 excelente com esse projeto e o drama “Doubt”. Frances McDormand num papel inédito em sua carreira. A direção de arte (de Sarah Greenwood – “Desejo e Reparação” – e Katie Spencer) e os figurinos (de Michael O’Connor) prometem entrar na briga pela indicação à estatueta dourada. Além disso, o filme tem um quê nostálgico que pode agradar bastante os votantes da Academia – o último filme nesse estilo (“Sra. Henderson Apresenta”) conseguiu duas indicações ao Oscar 2006.

Data de Estréia: 07 de Março de 2008 (nos Estados Unidos). Ainda sem lançamento definido no Brasil.

Eu e as Mulheres (In the Land of Women, 2007)

2008-02-29T10:51:00.001-08:00

Pode parecer uma conexão completamente estranha, mas o filme “Um Encontro Com Seu Ídolo”, do diretor Robert Luketic, tem uma citação que cai como uma luva para Carter Webb (Adam Brody, o eterno Seth Cohen do seriado “The O.C.”), o personagem principal de “Eu e as Mulheres”, do diretor e roteirista Jonathan Kasdan. E ela diz o seguinte: “quando um homem perde o verdadeiro amor de sua vida, ele precisa ir para um local bem longe para ter a possibilidade do recomeço”. É justamente isso que irá acontecer com Carter, que, após o término de seu relacionamento com Sofia Buñuel (Elena Anaya), vai para um subúrbio da cidade de Detroit para poder cuidar da avó materna Phyllis (Olympia Dukakis), que anda meio doente.

É neste subúrbio que Carter pretende se recuperar do fim do romance e retomar projetos pessoais (e, por conseqüência, profissionais) que andavam meio parados. No entanto, o que de mais importante acontecerá com ele, em Detroit, será conhecer as mulheres da família Hardwicke – a mãe Sarah (Meg Ryan) e as filhas Paige (Makenzie Vega) e Lucy (Kristen Stewart). Ao mergulhar fundo nos problemas pessoais de Sarah e Lucy, Carter irá produzir mudanças profundas nelas; ao mesmo tempo em que ele mesmo amadurece.

Nos últimos anos, Hollywood está entrando em contato com a segunda geração de diretores famosos. O mais célebre deles, com certeza, é Jason Reitman (filho de Ivan Reitman), que, pelo seu segundo filme ("Juno"), já conseguiu uma indicação ao Oscar de Melhor Diretor. No caso particular de “Eu e as Mulheres”, somos apresentados à Jonathan Kasdan (filho de Lawrence Kasdan, diretor de filmes como “O Reencontro” e “O Apanhador de Sonhos”; e irmão de Jake Kasdan, diretor da sátira “Walk Hard – The Dewey Cox Story”). A intenção de Jonathan com este filme era fazer uma obra intimista sobre um rapaz enfrentando a sua primeira crise na fase adulta. Um tema que é tocado, por exemplo, de maneira melhor em “Hora de Voltar” e “Um Beijo a Mais”, filmes estes protagonizados por Zach Braff, que é um “primo” muito mais talentoso que Adam Brody.

Cotação: 4,0

Eu e as Mulheres (In the Land of Women, EUA, 2007)
Diretor(es): Jonathan Kasdan
Roteirista(s): Jonathan Kasdan
Elenco: Elena Anaya, Adam Brody, Kelsey Keel, Danielle Savre, Gina Mantegna, Rob Reinis, JoBeth Williams, Makenzie Vega, Kristen Stewart, Meg Ryan, Olympia Dukakis, Dustin Milligan, Graham Wardle, Elise Gatien, Christine Danielle

Antes de Partir (The Bucket List, 2007)

2008-02-28T10:21:00.000-08:00

A aproximação de duas pessoas tão diferentes só pode ser explicada por causa da presença de um acontecimento extraordinário. Somente isso já é suficiente para entender o encontro entre Edward Cole (Jack Nicholson) e Carter Chambers (Morgan Freeman, sempre eficiente). O primeiro é o rico dono de um império hospitalar e que não preza muito pelos relacionamentos humanos. O segundo é um homem que, após o casamento com Virginia (Beverly Todd, ótima nas poucas cenas que possui), abandonou suas aspirações pessoais para poder dar uma vida digna aos três filhos.

Os dois irão se conhecer em um dos hospitais da rede de Edward. E irão receber, no mesmo dia, um diagnóstico implacável: após uma batalha inicial contra o câncer, não conseguiram vencer a doença e possuem poucos meses de vida. Em conseqüência disso, Edward e Carter decidem colocar o pé na estrada e acompanhados de uma lista de coisas que gostariam de fazer antes de morrer. Uma decisão que, por exemplo, não será compreendida muito bem pela família de Carter, que esperava poder passar o máximo de tempo possível com ele antes da partida.

Quando assisti ao trailer de “Antes de Partir”, filme do diretor Rob Reiner, pensei logo que este seria um daquele tipo de filme que entrega tudo nessa primeira amostra que temos dele. Ledo engano. O roteiro de Justin Zackham é cativante e consegue tratar de um tema delicado com muito bom-humor e emoção. A cena final de “Antes de Partir” com a narração de Morgan Freeman é um dos momentos mais emocionantes em filmes de 2007 e quando, já nos créditos finais, a gente escuta a bela canção “Say”, do cantor e compositor John Mayer, é impossível controlar as lágrimas.

Cotação: 6,7

Antes de Partir (The Bucket List, EUA, 2007)
Diretor(es): Rob Reiner
Roteirista(s): Justin Zackham
Elenco: Jack Nicholson, Morgan Freeman, Sean Hayes, Beverly Todd, Rob Morrow, MaShae Alderman, Verda Bridges, Lauren Cohn, Ian Anthony Dale, Jennifer Defrancisco, Alfonso Freeman, Angela Gardner, Hugh B. Holub, Andrea Johnson, Rowena King

A Via Láctea (2007)

2008-02-27T14:52:00.000-08:00

Estamos em São Paulo, a maior metrópole da América Latina. Um pouco antes do entardecer, o casal Heitor (Marco Ricca, num bom desempenho) e Júlia (Alice Braga) tem uma violenta discussão pelo telefone. A causa: os ciúmes que ele sente do amigo dela Thiago (Fernando Alves Pinto). Angustiado, Heitor pega seu carro e parte em direção à casa da namorada para tentar resolver a situação.

Durante a viagem de Heitor pelas ruas engarrafadas da cidade de São Paulo, o filme “A Via Láctea”, da diretora Lina Chamie (que co-escreveu o roteiro ao lado de Aleksei Abib), aborda as possibilidades do amor, da perda e da morte dentro do contexto social de um grande centro urbano. O interessante aqui é perceber que o relacionamento de Heitor e Júlia é compreendido de acordo com a visão de mundo de cada um deles – enquanto ele encara tudo por um lado mais poético (e condizente com sua condição de professor de Literatura), ela enxerga as coisas do ponto de vista da relação que se estabelece entre as diversas espécies de animais (afinal, é uma veterinária).

Grande parte de “A Via Láctea” é feita de silêncios, de música, de olhares, de sensações e de segmentos que, aparentemente, não têm nada a ver com a trama principal do filme. São estes elementos que acabam prejudicando um pouco o andamento da obra. A diretora Lina Chamie recupera um pouco do fôlego no final, mas aí já é tarde demais para consertar tudo.

Cotação: 3,5

A Via Láctea (A Via Láctea, Brasil, 2007)
Diretor(es): Lina Chamie
Roteirista(s): Aleksei Abib, Lina Chamie
Elenco: Marco Ricca, Alice Braga, Fernando Alves Pinto

Táxi Para a Escuridão (Taxi to the Dark Side 2007)

2008-02-26T08:19:00.000-08:00

Aqui, no Cinéfila por Natureza, já falamos bastante a respeito de como os atentados terroristas de 11 de Setembro de 2001 não só mudaram o mundo, como influenciaram uma série de livros e filmes sobre o que havia ocorrido ali. O documentário vencedor do Oscar 2008 “Táxi Para a Escuridão”, do diretor Alex Gibney, é mais um desses "filhos do atentado" e dialoga muito mais com filmes como “O Suspeito”, de Gavin Hood, já que tem uma história que versa sobre como os direitos constitucionais foram modificados de forma que o governo Bush pudesse ter subsídios em sua guerra contra o terror.

O título do documentário é uma referência direta ao que aconteceu com o taxista Dilawar, que, em 2002, saiu de sua casa, no Afeganistão, para trabalhar e foi entregue por milícias afegãs ao Exército norte-americano. Levado para uma prisão local, Dilawar morreu poucos dias depois devido às técnicas alternativas de interrogatório – ou seja, tortura física e psicológica. O laudo da autópsia indicou como causa da morte: homicídio.

Quem são os culpados pelo que aconteceu com Dilawar? É a partir do caso do taxista que "Táxi Para a Escuridão" destrincha tudo o que acontece por trás das prisões do terror, como Abu-Ghraib e Guantánamo; e mostra, principalmente, como o governo de George W. Bush modificou a própria Constituição do país de forma que a tortura passasse a ser um instrumento legítimo em busca de informações que possam ser úteis à guerra contra o terror – a ironia é que, quem pagou o pato no caso de Dilawar, foram os peixes pequenos (os soldados que acataram as ordens vindas de cima), enquanto que aqueles que têm o poder continuam por aí.

Mahatma Gandhi, talvez, o mais pacífico dos lutadores, falou uma certa vez que, se o homem fosse seguir à risca a política do “olho por olho, dente por dente”, ele já teria se tornado um cego. Aqueles que concordam com as práticas adotadas em prisões como as de Guantánamo e Abu-Ghraib falam do sentimento de vingança. Mas, esta é uma tese que vem abaixo quando “Táxi Para a Escuridão” reproduz aquela que é a voz mais sensata no meio de tanta “loucura”: a do Senador do Partido Republicano e pré-candidato à presidência dos Estados Unidos, John McCain, que fala que os terroristas podem ser seres humanos execráveis, mas nada justifica a perda da dignidade e a humilhação. Quer fazer o que é correto? Prenda-os, construa um caso e os julgue num tribunal.

Cotação: 8,0

Taxi to the Dark Side(Taxi to the Dark Side, EUA, 2007)
Diretor(es): Alex Gibney
Roteirista(s): Alex Gibney
Com as aparições de: Alex Gibney, Brian Keith Allen, Moazzam Beg, Willie Brand, George W. Bush, Dick Cheney, Jack Cloonan, Damien Corsetti, Thomas Curtis, Greg D'Agostino, Carlotta Gall, Tim Golden, Gita Gutierrez, Scott Horton, John Hutson

Onde os Fracos Não Têm Vez (No Country for Old Men, 2007)

2008-02-25T10:37:00.000-08:00

“Onde os Fracos Não Têm Vez”. Poucas vezes os tradutores de títulos de filmes acertaram tanto. É bom prestar atenção nessa pequena titulação porque ela irá dizer muita coisa a respeito do filme dos diretores e roteiristas Joel e Ethan Coen. Toda a trama da obra se passa no Estado do Texas, uma das localidades mais tradicionais dos Estados Unidos. E é justamente em algumas cidades de lá que se passará uma verdadeira onda de violência, em que aquele que, necessariamente não é o mais forte, mas sim o mais esperto e possuidor de sangue frio irá prevalecer.

Llewelyn Moss (Josh Brolin, numa sólida atuação) é um veterano da Guerra do Vietnã, que está caçando em uma floresta próxima ao Rio Grande quando tropeça em uma série de corpos em estado de putrefação. Na cena do crime, ele encontra uma enorme quantidade de heroína e uma maleta abandonada. Ela contém dois milhões de dólares. Llewelyn toma a atitude que qualquer outra pessoa naquela situação faria e pega a maleta. A ação a seguir é que irá definir seu destino: ao invés de procurar a polícia e relatar o que viu – e pegou –, Moss elabora um plano para usar a maleta em seu próprio benefício.

Anton Chigurh (Javier Bardem, em uma performance que lhe rendeu o Oscar 2008 de Melhor Ator Coadjuvante), à primeira vista, é um cara meio bizarro com aquele corte chanel bem escovadinho. No entanto, por trás dessa aparência existe um assassino frio e calculista. Um verdadeiro psicopata que não quer saber e tira da frente qualquer um que se põe em seu caminho. Ele está atrás da maleta que está sob a posse de Llewelyn Moss. E o caçador se torna o seu maior alvo.

No meio dessas duas figuras, encontramos o xerife Ed Tom Bell (Tommy Lee Jones, um ator que é simplesmente perfeito para esse papel). Se as ações de Llewelyn Moss e Anton Chigurh movem a trama de “Onde os Fracos Não Têm Vez”, é no caráter de Ed Tom Bell que encontramos a espinha dorsal do filme. O xerife é uma figura à moda antiga e que acredita na honra e na capacidade da verdade, da lei e da justiça. O problema é que, na terra em que a brutalidade de Chigurh é a penalidade mais usada, os valores de Ed Tom Bell estão fora de moda.

Baseado no livro de Cormac McCarthy, “Onde os Fracos Não Têm Vez” é o filme mais aclamado de 2007, inclusive sendo o maior vencedor do Oscar 2008 – razões para isso não faltam, como a ótima performance do elenco, as metáforas presentes no roteiro e a excelente fotografia de Roger Deakins. Críticos enxergam na história destes três personagens um estudo sobre a violência e a corrupção. No entanto, esta é mais uma obra sobre a vontade ou não de participar de um mundo em que valores como esses são as palavras de ordem. E isto está muito bem representado pela narração final de Ed Tom Bell, quando ele retrata para a esposa um sonho que teve com seu pai. O que os irmãos Coen querem nos mostrar é que a idéia de mundo que a gente tinha morreu. A gente precisa mais é acordar.

Cotação: 7,2

Onde os Fracos Não Têm Vez (No Country for Old Men, EUA, 2007)
Diretor(es): Ethan Coen, Joel Coen
Roteirista(s): Joel Coen, Ethan Coen (com base no livro de Cormac McCarthy)
Elenco: Tommy Lee Jones, Javier Bardem, Josh Brolin, Woody Harrelson, Kelly Macdonald, Garret Dillahunt, Tess Harper, Barry Corbin, Stephen Root, Rodger Boyce, Beth Grant, Ana Reeder, Kit Gwin, Zach Hopkins, Chip Love

Comentários Sobre o Oscar 2008

2008-02-25T03:51:00.000-08:00

A octágesima edição dos prêmios Academy Awards não teve grandes surpresas (até mesmo as vitórias de Marion Cotillard e Tilda Swinton eram previstas), mas confirmou uma tendência que tem sido vista desde a edição passada: a vontade de transformar o Oscar em uma premiação internacional (os 4 vencedores das categorias de atuação são estrangeiros) e a escolha de um filme que tem um certo teor violento.

Na noite de ontem, o grande vencedor da noite foi “Onde os Fracos Não Têm Vez”, que conquistou 4 estatuetas – Filme, Direção e Roteiro Adaptado (Joel e Ethan Coen) e Ator Coadjuvante (Javier Bardem). Outros filmes que eram favoritos, como “Juno”, “Conduta de Risco” e “Sangue Negro” saíram do Kodak Theater com uma estatueta (no caso dos dois primeiros filmes) e dois Oscars (no caso do segundo).

O ponto alto da noite, além dos discursos emocionados de alguns dos vencedores (como Marion Cotillard, Diablo Cody e a dupla Marketa Iglova e Glen Hansard), foi a apresentação de Jon Stewart. Ele, que havia decepcionado quando fez o mesmo trabalho, em 2006, dessa vez deixou a pressão de lado e foi engraçado e crítico – ou seja, tudo aquilo que se esperava dele.

A lista completa de vencedores do 80th Annual Academy Awards:

Best Picture: No Country for Old Men
Best Directors: Joel and Ethan Coen
Best Actor: Daniel Day Lewis, There Will Be Blood
Best Original Screenplay: Diablo Cody, Juno
Best Documentary Feature: Taxi to the Dark Side
Best Documentary Short: Freeheld
Best Score: Atonement
Best Cinematography: Robert Elswit, There Will Be Blood
Best Song: Falling Slowly, Once
Best Foreign Language Film: The Counterfeiters
Best Editing: The Bourne Ultimatum
Best Actress: Marion Cotillard, La Vie En Rose
Best Sound Mixing: The Bourne Ultimatum
Best Sound Editing: The Bourne Ultimatum
Best Screenplay: The Coens, No Country for Old Men
Best Supporting Actress: Tilda Swinton, Michael Clayton
Animated Short Film: Peter and the Wolf
Live Action Short Film: Le Mozart des Pickpockets
Best Supporting Actor: Javier Bardem
Art Direction: Sweeney Todd
Visual Effects: The Golden Compass
Best Makeup: La Vie Rose
Best Animated Feature: Ratatouille
Best Costume Design: Elizabeth, The Golden Age

Agora, é hora de começar a pensar no Oscar 2009. E que tenhamos, novamente, uma ótima safra de filmes e performances.

Na Contagem Regressiva Para o Oscar 2008

2008-02-24T03:02:00.000-08:00

Membro do corpo de diretores da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, Tom Hanks não poderia faltar na festa de logo mais. Será que vai ser ele que vai entregar o prêmio mais importante da noite?

A futura mamãe Nicole Kidman pode não ter sido uma loira de Hitchcock, mas sua encarnação da heroína gélida em "Os Outros" é uma credencial que a permite ser a escolhida para entregar o Oscar honorário ao diretor de arte Robert Boyle, que foi um dos colaboradores frequentes do mestre do suspense.

A dupla de "Superbad - É Hoje", Seth Rogen e Jonah Hill, também vai participar da festa de logo mais. O que será que eles irão aprontar?

Kristin Chenoweth, famosa atriz de musicais da Broadway e que, atualmente, pode ser vista no seriado "Pushing Daisies", ensaia para a performance de "That's How You Know", do filme "Encantada". Amy Adams interpretará a outra canção do filme indicada, a fofa "Happy Working Song".

Jamia Nash, atriz de "O Som do Coração", ensaia para a performance da música indicada "Raise It Up".

Glen Hansard e Marketa Iglova, a dupla de "Once", ensaiam a performance de "Falling Slowly", a favorita para vencer o Oscar na categoria de Canção Original.

Fique de olho:
- Na TNT, a partir das 20hs., com a apresentação da ex-VJ Chris Nicklas e os comentários de Rubens Ewald Filho.
- Na E! Entertainement Television, a partir das 14hs., com o Countdown para o Oscar. O post-show da premiação começa às 02hs. da madrugada.
- Na Rede Globo, logo após o "Big Brother Brasil 8", com a apresentação de Maria Beltrão e os comentários de José Wilker.

Palpites Para o Oscar 2008

2008-02-23T07:39:00.000-08:00

Neste domingo, dia 24 de Fevereiro, acontece aquela que é a festa mais esperada pelos cinéfilos: o Oscar, que, em 2008, chega a uma marca especial (a sua octágesima edição). Uma festa que terá a apresentação de Jon Stewart e a participação de alguns dos nomes mais importantes do cinema. E a noite promete, já que tivemos um ano de grandes filmes e ótimas performances.

Apesar de algumas categorias já estarem praticamente definidas, não é bom descartar as surpresas habituais e elas poderão acontecer em Melhor Atriz (já que muita gente ainda acredita na indefinição entre os nomes de Julie Christie e Marion Cotillard - podendo sobrar até para Ellen Page), Melhor Atriz Coadjuvante (em que todas as indicadas possuem chances de vencer), Melhor Direção (uma teoria apareceu nos últimos dias em que Paul Thomas Anderson sairia vencedor, já que os irmãos Joel e Ethan Coen levarão Oscars como editores e roteiristas de “No Country for Old Men”) e Melhor Filme (o nome de "Juno" tem sido bastante citado e "Michael Clayton" possui um apoio enorme dentre os votantes da Academia).

Como não poderia deixar de ser, o Cinéfila por Natureza publica a sua lista de palpites para o Oscar 2008:

Best Motion Picture of the Year
No Country for Old Men

Best Performance by an Actor in a Leading Role
Daniel Day-Lewis, There Will Be Blood

Best Performance by an Actress in a Leading Role
Julie Christie, Away From Her

Best Performance by an Actor in a Supporting Role
Javier Bardem, "No Country for Old Men"

Best Performance by an Actress In A Supporting Role
Ruby Dee, American Gangster

Best Achievement in Directing
Joel and Ethan Coen, No Country for Old Men

Best Writing, Screenplay Written Directly for the Screen
Diablo Cody, Juno

Best Writing, Screenplay Based on Material Previously Produced or Published
Joel and Ethan Coen, No Country for Old Men

Best Achievement in Cinematography
There Will Be Blood

Best Achievement in Art Direction
There Will Be Blood

Best Achievement in Costume Design
Atonement

Best Achievement in Sound
Transformers

Best Achievement in Editing
No Country for Old Men

Best Achievement in Sound Editing
Transformers

Best Achievement in Visual Effects
Transformers

Best Achievement in Makeup
La Vie en Rose

Best Achievement in Music Written for Motion Pictures, Original Song
"Falling Slowly", Once

Best Achievement in Music Written for Motion Pictures, Original Score
Dario Marianelli, Atonement

Best Short Film, Animated
Madame Tutli-Putli

Best Short Film, Live Action
At Night

Best Documentary, Short Subjects
Freeheld

Best Documentary, Features
No End in Sight

Best Foreign Language Film of the Year
The Counterfeiters, Austria

Best Animated Feature Film of the Year
Ratatouille

A Casa de Alice (2007)

2008-02-22T10:27:00.000-08:00

“A Casa de Alice”, filme do diretor Chico Teixeira (que co-escreveu o roteiro ao lado de Júlio Pessoa, Sabrina Anzuategui e Marcelo Gomes), é uma obra que dialoga com algumas das películas recentes produzidas pelo cinema brasileiro. Em comum entre elas, o fato de que possuem uma história que não quer fazer uma crítica social, e sim enfocar uma característica que é peculiar de todo brasileiro: a tentativa de levar uma vida do melhor jeito possível em meio aos problemas do dia-a-dia. E também a estética simples e documental, que nos quer dar a impressão de que não estamos assistindo a um filme, e sim a uma série de pequenos quadros que formam um todo que representa a vida de cada uma dessas pessoas.

No caso do filme de Chico Teixeira, acompanhamos o cotidiano de Alice (Carla Ribas, em sua primeira participação como protagonista de um longa-metragem), uma manicure que mora na periferia de São Paulo com a família – além dela, a mãe (Berta Zemel, excelente), o marido (Zé Carlos Machado) e os três filhos homens vivem num apertado apartamento. Cada um deles tem seu próprio problema, mas o roteiro do filme dá um destaque maior para a matriarca, que passa o dia longe do local aonde mora enquanto a mãe cuida da casa e dos seus filhos, mas tem plena consciência de tudo aquilo que a cerca – leia-se os casos do marido, o problema de saúde da mãe, os constantes pedidos do filho mais novo.

O destaque em Alice é mais do que acertado para o filme. É através dela – e aqui entra a maravilhosa atuação de Carla Ribas – que a gente vai vendo o desenho daquilo que é conhecido como efeito “bola de neve”. Ou seja, o que o diretor Chico Teixeira nos mostra são os problemas da personagem se acumulando e, enfim, o momento em que ela desmorona e se dá conta de que precisa de um tempo para si mesma se quiser continuar em meio a tanta discórdia.

Oriundo do gênero de documentários, “A Casa de Alice” é o primeiro longa-metragem de ficção realizado pelo diretor Chico Teixeira. Como está explicado no início do texto, ele carrega muito das características de seu antigo estilo para essa estréia. A linguagem é bem documental, com a câmera sendo uma mera observadora da ação que se passa no mundo vivido pela personagem principal. Dessa forma, fica mais fácil da platéia se inserir nesta realidade. Pena que o final seja tão anticlimático e nos deixe a sensação de uma falta de conclusão.

Cotação: 6,0

A Casa de Alice (A Casa de Alice, Brasil, 2007)
Diretor(es): Chico Teixeira
Roteirista(s): Chico Teixeira, Júlio Pessoa, Sabina Anzuategui, Marcelo Gomes
Elenco: Carla Ribas, Berta Zemel, Vinicius Zinn, Ricardo Vilaça, Zé Carlos Machado, Felipe Massuia, Renata Zhaneta, Luciano Quirino, Mariana Leighton, Dirce Couto, Jorge Cerruti, Cícero Augusto, Elias Andreato, Claudio Jaborandy, Talita Craveiro

Vestida Para Casar (27 Dresses, 2008)

2008-02-21T12:20:00.000-08:00

Nos Estados Unidos, existe um ditado popular bastante famoso que diz o seguinte: “Always the bridesmaid, never the bride”. Esse é o resumo perfeito para a vida de Jane Nichols (Katherine Heigl, em seu primeiro papel depois do grande sucesso “Ligeiramente Grávidos”). Ela acredita que o casamento é sua verdadeira vocação, por isso já foi madrinha em 27 cerimônias, enquanto alimenta o sonho de, um dia, poder ser ela a grande estrela da noite.

No entanto, Jane parece estar longe de encontrar seu verdadeiro amor. Ela, quando não está envolvida com seus deveres de madrinha, se dedica por completo ao trabalho como assistente do empresário George (Edward Burns), por quem alimenta uma paixonite aguda. Essa realidade vira um verdadeiro pesadelo quando sua irmã Tess (Malin Akerman) aparece do nada e se torna a noiva de George.

O que Jane não sabe é que, durante a preparação do casamento de Tess e George, ela vai ter a chance de conhecer não o homem dos seus sonhos, mas a pessoa com quem ela poderá passar o resto da vida. E ele é o jornalista Kevin Doyle (James Marsden), que sob a alcunha de Malcolm, escreve o caderno de casamentos do New York Journal que Jane tanto adora ler.

Com um roteiro de Aline Brosh McKenna (a mesma de “O Diabo Veste Prada”) que possui claras influências de obras como “O Casamento do Meu Melhor Amigo”, "Penetras Bons de Bico" e “Como Perder Um Homem em 10 Dias”, o filme “Vestida Para Casar”, da diretora Anne Fletcher (que fez o horroroso “Ela Dança, Eu Danço” e, pasmem, foi a assistente de direção de “Hairspray – Em Busca da Fama”), é uma típica comédia romântica. Ou seja, a película é feita para você se sentir bem somente durante os momentos da projeção. A única surpresa reservada para nós é que o filme é uma espécie de confirmação de James Marsden (que, em 2007, teve um ótimo ano com os filmes "Hairspray - Em Busca da Fama" e "Encantada") como um dos grandes galãs do cinema atual. Parece que Paul Rudd tem, finalmente, um rival à altura para os papéis dos mocinhos atrapalhados.

Cotação: 5,0

Vestida para Casar (27 Dresses, EUA, 2008)
Diretor(es): Anne Fletcher
Roteirista(s): Aline Brosh McKenna
Elenco: James Marsden, Katherine Heigl, Malin Akerman, Edward Burns, Melora Hardin, Judy Greer, Alexa Havins, Krysten Ritter, Maulik Pancholy, Brian Kerwin, Chuck Slavin, Peyton List, Alexa Gerasimovich, Kal Thompson, Eliezer Meyer

O Som do Coração (August Rush, 2007)

2008-02-20T12:34:00.000-08:00

A trilha sonora, em um filme, pode ser um suporte do que estamos vendo em tela; às vezes, ela preenche um silêncio ou representa os sentimentos de cada personagem. Na obra “O Som do Coração”, da diretora Kristen Sheridan (filha de Jim Sheridan, com quem co-escreveu – ao lado da irmã Naomi – o belíssimo “Terra de Sonhos”), a música é o elemento em comum entre os três personagens principais do roteiro de Nick Castle e James V. Hart (com base na história de Paul Castro e Nick Castle).

O prólogo do filme se passa em um lar para garotos, aonde mora Evan Taylor (Freddie Highmore), que foi abandonado pelos pais. O garoto tem uma sensibilidade musical bastante aguçada e acredita piamente que, ao seguir os sons que fazem parte do seu dia-a-dia, ele reencontrará aqueles que lhe deram a vida. Após essa pequena contextualização, voltamos onze anos no tempo, mais precisamente para a noite em que os pais de Evan – Lyla Novacek (Keri Russell) e Louis Connelly (Jonathan Rhys Meyers) – se conheceram.

Lyla Novacek é um prodígio do instrumento de violoncelo. Toca com o pai, Thomas (William Sadler), que possui grandes planos para ela. Já Louis toca guitarra numa banda de irlandeses, não possui tanta ambição assim, mas tem um grande talento. Os dois irão se conhecer se forma mágica na Washington Square, em Nova York. Para não entregar muitos detalhes da trama, o importante é saber que estes três personagens vão seguir caminhos distintos, mas, de alguma forma, após 11 anos, começarão uma busca que eles não sabem, mas os levará ao encontro que é o clímax de “O Som do Coração”.

Um filme com diálogos cafonas, que quer manipular as nossas emoções e com um final previsível. É incrível, mas, mesmo com isso, “O Som do Coração” conseguiu atrair um bom elenco (além de Freddie Highmore, Keri Russell e Jonathan Rhys Meyers, temos Robin Williams e Terrence Howard em papéis de destaque). Talvez, a razão por trás disso seja o fato de que o filme possui um diferencial: coração. Mesmo sendo uma obra que transborda emoção, é difícil perdoar o elemento mais fraco de "O Som do Coração": o roteiro – que, em alguns momentos, chega a lembrar uma novela mexicana de tanto drama.

Cotação: 7,2

O Som do Coração (August Rush, EUA, 2007)
Diretor(es): Kirsten Sheridan
Roteirista(s): Nick Castle, James V. Hart, Paul Castro
Elenco: Freddie Highmore, Keri Russell, Jonathan Rhys Meyers, Terrence Howard, Robin Williams, William Sadler, Marian Seldes, Leon G. Thomas III, Mykelti Williamson, Aaron Staton, Alex O'Loughlin, Jamia Simone Nash, Ronald Guttman, Bonnie McKee, Michael Drayer

O Suspeito (Rendition, 2007)

2008-02-19T10:14:00.001-08:00

Durante o governo de Bill Clinton, foi elaborada uma prática chamada de “rendição extraordinária”. Ao invocá-la, a CIA pode deter qualquer ser que seja uma ameaça aos Estados Unidos e levá-lo (a) à qualquer prisão fora do país. Após os atentados terroristas de 11 de Setembro de 2001, o governo George W. Bush e sua Guerra Contra o Terror desvirtuaram essa pratica, dentre muitas outras, acabando por ferir o direito constitucional de cidadãos, não só norte-americanos, como do mundo.

“O Suspeito”, do diretor Gavin Hood, retrata a história de uma vítima da “rendição extraordinária”. O título do filme é uma referência direta ao engenheiro químico Anwar El-Ibrahimi (Omar Metwally). Egípcio de nascimento, Anwar foi para os Estados Unidos com 14 anos. Na terra do Tio Sam, fez sua vida e casou-se com Isabella (Reese Witherspoon), que está grávida do segundo filho do casal.

A mando da toda-poderosa Corrine Whitman (Meryl Streep), Anwar El-Ibrahimi é preso, quando voltava de uma conferência de trabalho na África do Sul, por suspeitas de envolvimento em um atentado terrorista. Este acontecimento irá atingir a vida de várias pessoas. Nos Estados Unidos, acompanhamos a luta de Isabella para descobrir o paradeiro de seu marido – contando com a valiosa ajuda do amigo Alan Smith (Peter Sarsgaard), o assistente do Senador Hawkins (Alan Arkin). Já num outro país estrangeiro sem identificação, testemunhamos a agonia de Anwar El-Ibrahimi, que sofre com um interrogatório à base de tortura feito por Abasi Fawal (o ótimo Yigal Naor) e supervisionado pelo jovem Douglas Freeman (Jake Gyllenhaal), um observador da CIA.

Primeiro filme do diretor sul-africano Gavin Hood nos Estados Unidos, “O Suspeito” é uma obra bem diferente de “Infância Roubada”. O roteiro de Kelley Sane tem um claro teor político e se posiciona de maneira aberta sobre a prática de “rendição extraordinária”. No final, o mais interessante do filme é acompanhar a transformação dos personagens que realmente podem fazer algo para ajudar Isabella El-Ibrahimi e, por tabela, seu marido Anwar. Em “O Suspeito”, temos um final muito corajoso e no qual quem tem mais a perder é quem coloca a mão na massa. Pena que, na vida real, não é assim que as coisas acontecem.

Cotação: 7,1

O Suspeito (Rendition, EUA, África do Sul, 2007)
Diretor(es): Gavin Hood
Roteirista(s): Kelley Sane
Elenco: Omar Metwally, Reese Witherspoon, Aramis Knight, Rosie Malek-Yonan, Jake Gyllenhaal, Mohammed Khouas, Zineb Oukach, Yigal Naor, Laila Mrabti, David Fabrizio, Mounir Margoum, Driss Roukhe, J.K. Simmons, Meryl Streep, Bob Gunton

Lady Chatterley (Lady Chatterley, 2006)

2008-02-18T10:41:00.001-08:00

Lançada em 1928, a obra “O Amante de Lady Chatterley”, do escritor inglês D.H. Lawrence, causou polêmica na época devido ao seu teor sexual explícito e por retratar um romance entre uma mulher burguesa e um homem da classe trabalhadora. Por causa disso, o livro só foi publicado no país natal de Lawrence em 1960. O material já foi adaptado várias vezes para o cinema, bem como para a televisão. Isso não impediu o diretor francês Pascale Ferran de oferecer sua versão para história no filme “Lady Chatterley”, que ele também co-escreveu ao lado de Roger Bohbot e Pierre Trividic.

Para quem não conhece, o filme conta a história de Constance Chatterley (Marina Hands), que é casada com Clifford Chatterley (Hyppolite Girardot). Os dois moram em uma belíssima propriedade no campo, mas, de alguma maneira, vivem um relacionamento distante. Ele, um homem arrasado e confinado a uma cadeira de rodas, acabou contagiando a esposa, que se sente muito sozinha e isolada do mundo. É quando ela percebe que precisa encontrar algum tipo de motivação, algo que a faça feliz novamente. E Constance achará isso em Parkin (Jean-Louis Coulloc'h), o guarda-caça da propriedade em que ela mora e com quem ela começará um ardente romance.

Existem adaptações de “O Amante de Lady Chatterley” que privilegiam muito o aspecto sensual dessa história. No entanto, o filme de Pascale Ferran está mais interessado na transformação interna (e, por conseqüência, externa) que se dará tanto em Constance como em Parkin. Os dois, apesar das origens distintas, têm muito em comum e é ótimo poder testemunhar o jeito com que eles vão se descobrindo e evoluindo a ponto de adotar uma atitude diferente perante a vida e planejando o futuro.

Em alguns momentos de “Lady Chatterley”, o diretor Pascale Ferran parece que está fazendo um livro visual. A intromissão de um narrador e da trilha sonora é rara e ele prefere denotar o contexto em que sua história se passa através do uso de cartelas entre uma cena e outra. Este é um filme bem diferente, que tem uma estrutura narrativa própria, lenta e que não quer atropelar nenhum detalhe. E justamente por isso que esta é uma obra para ser apreciada por poucos.

Cotação: 5,8

Lady Chatterley (Lady Chatterley, Bélgica, França, Inglaterra, 2006)
Diretor(es): Pascale Ferran
Roteirista(s): Roger Bohbot, Pascale Ferran, Pierre Trividic (com base no livro de D.H. Lawrence)
Elenco: Marina Hands, Jean-Louis Coulloc'h, Hippolyte Girardot, Hélène Alexandridis, Hélène Fillières, Bernard Verley, Sava Lolov, Jean-Baptiste Montagut, Michel Vincent, Christelle Hes, Joël Vandael, Jacques De Bock, Ninon Brétécher, Anne Benoît, Jean-Baptiste de Laubier

"Tropa de Elite" Ganha Urso de Ouro em Berlim

2008-02-16T12:04:00.000-08:00

Quem acompanhou a reação internacional após a sessão do filme "Tropa de Elite", do diretor José Padilha, com certeza ficou bastante surpreendido no dia de hoje, quando leu as notícias que faziam referência à conquista do Urso de Ouro de Melhor Filme no Festival de Berlim pela obra brasileira que, desde "Cidade de Deus", é a que causa mais barulho dentro - e fora do país.

A conquista de "Tropa de Elite" é importantíssima, se levarmos em conta a concorrência que ele enfrentava ("Sangue Negro", de Paul Thomas Anderson, e "Happy-Go-Lucky", de Mike Leigh). Eis as palavras de José Padilha ao receber o prêmio: "É difícil expressar sentimentos em qualquer língua. Costa-Gavras (o presidente do júri do festival) é um herói para todos na América Latina, por todos os filmes que fez".

Vale lembrar que, em 1998, "Central do Brasil", filme de Walter Salles, saiu com o Urso de Ouro de Melhor Filme em Berlim. Agora, é torcer para que "Tropa de Elite" continue com um bom desempenho internacional e possa reprisar o que aconteceu com "Cidade de Deus" e conseguir indicações nas categorias gerais do Oscar 2009.

A lista completa de vencedores do Festival de Cinema de Berlim:

- Melhor Filme: "Tropa de Elite", de José Padilha
- Prêmio Especial do Júri: "S.O.P. - Standard Operating Procedure", de Errol Morris
- Melhor Diretor: Paul Thomas Anderson ("Sangue Negro")
- Melhor Contribuição Artística: Jonny Greenwood (Radiohead), pela trilha sonora de "Sangue Negro"
- Melhor Roteiro: Wang Xiaoshuai ("In Love We Trust")
- Melhor Ator: Reza Najie ("The Song of Sparrows")
- Melhor Atriz: Sally Hawkings ("Happy Go Lucky")
- Melhor Filme de Estréia: "Asyl - Park and Love Hotel", de Kumasaka Izuru

Cloverfield - Monstro (Cloverfield, 2008)

2008-02-15T10:33:00.000-08:00

Quando a trama principal de “Cloverfield - Monstro”, filme do diretor Matt Reeves, é apresentada, a gente fica com uma leve impressão de que já assistimos a este filme antes. Pode ter sido na forma de um “Godzilla”, mas, na realidade, a maior influência da película produzida por J.J. Abrams (dos seriados “Lost” e “Alias”) deve ter sido “A Bruxa de Blair”, uma obra que possui o mesmo caráter documental e que nos dá a mesma sensação de agonia ao vermos aquela câmera tremida, com ângulos distorcidos – os quais causaram algum tipo de efeito nauseante em muita gente que se aventurou nas salas de cinema dos Estados Unidos.

O roteiro de Drew Goddard retrata os acontecimentos de uma noite em que a cidade de Nova York será atacada por um monstro do tamanho de um prédio arranha-céu. O poder da criatura é tão grande que o seu primeiro alvo é a Estátua da Liberdade e, aparentemente, ninguém poderá detê-la. No entanto, “Cloverfield – Monstro” adota um estilo narrativo bem interessante, tendo em vista que toda a história do filme é contada do ponto de vista de cinco jovens que estavam dando uma festa de despedida para um amigo que foi transferido para o Japão.

São eles: Marlena Diamond (Lizzy Caplan, do seriado “The Class”), Lily Ford (Jessica Lucas), Hud Platt (T.J. Miller), Rob Hawkins (Michael Stahl-David), Jason Hawkins (Mike Vogel) e Beth McIntyre (Odette Yustman). Todo o filme é contado pelos olhares desses personagens, mais precisamente através do vídeo dos bastidores da festa de despedida de Rob, o qual nos mostrará todas as tentativas deles de sobreviver ao mais aterrorizante acontecimento de suas vidas.

Em seu segundo longa-metragem, o diretor Matt Reeves (que é mais conhecido pelo trabalho na televisão em seriados como “Felicity”, “Homicide – Life on the Streets” e “Gideon’s Crossing”) mostra bastante coragem ao utilizar como fotografia principal as imagens feitas pelo seu elenco. Isto dá autenticidade à “Cloverfield – Monstro”. E é justamente por causa dessa maneira inusitada de filmar que o filme nos chama a atenção. Afinal, como eles conseguiram fazer todos aqueles efeitos com imagens que não são limpas? É um trabalho impressionante e que causa uma angústia enorme na gente – esta última parte é total mérito do elenco, em especial de Michael Stahl-David.

Cotação: 8,5

Cloverfield - O Monstro (Cloverfield, EUA, 2008)
Diretor(es): Matt Reeves
Roteirista(s): Drew Goddard
Elenco: Lizzy Caplan, Jessica Lucas, T.J. Miller, Michael Stahl-David, Mike Vogel, Odette Yustman, Anjul Nigam, Margot Farley, Theo Rossi, Brian Klugman, Kelvin Yu, Liza Lapira, Lili Mirojnick, Ben Feldman, Elena Caruso