Transformers (2007)

Uma coisa que o cinema e a literatura sempre fizeram questão de deixar claro é que, por mais que o homem tente se distanciar – e, por conseqüência, se diferenciar – dos robôs, as duas espécies têm muito mais semelhanças do que queremos admitir. Nesse sentido, a trama de “Transformers”, do diretor Michael Bay, que foi escrita pela dupla Roberto Orci e Alex Kurtzman (ex-roteiristas do seriado “Alias” e que trabalharam com Bay no filme “A Ilha”), delineia de uma maneira bem rápida e explicativa os conflitos vividos por dois grupos de robôs: os Autobots (mocinhos) e os Decepticons (vilões), que, uma vez, habitaram o mesmo planeta (que se chamava Cybertron), mas, devido à ganância e a ambição, começaram a brigar, pois os Decepticons querem o domínio do universo.

Este conflito poderia ocorrer muito bem no planeta terra, entre os homens. A luta entre Autobots e Decepticons não é a única a ser retratada em “Transformers”. Através de duas linhas narrativas distintas, Alex Kurtzman e Roberto Orci retratam os lados opostos deste mesmo conflito. De um lado, soldados norte-americanos – interpretados por Josh Duhamel (da série “Las Vegas”), pelo cantor Tyrese Gibson, Amaury Nolasco (do seriado “Prison Break”) e Zack Ward –, que encontram inimigos cujas forças são imbatíveis pela atual tecnologia bélica. De outro lado, o jovem Sam Witwicky (Shia LaBeouf), cuja maior aspiração, no momento, é comprar um carro, que, talvez, faça com que ele chame a atenção da garota mais bela da escola, Mikaela (Megan Fox). Sam, ao contrário dos soldados, enxerga o seu carro – um Camaro amarelo que se transforma em robô – como um ser que tem coração, que tem medo e que merece ser protegido também.

Baseado num popular desenho animado que estreou nos anos 1980, “Transformers” é o exemplo perfeito daquilo que chamamos de cinema-pipoca, ou seja, um filme que é feito sob medida para divertir a platéia. O filme é um pacote cheio para anunciantes e, claro, para o estúdio que o produz. Carros-robôs-bonzinhos fantasiados de automóveis comuns, como um carro de bombeiros e um caminhão. Carros-robôs-mauzinhos fantasiados de automóveis que deveriam nos trazer confiança, como carros de polícia, tanques e helicópteros do Exército. Explosões. Correria. Barulho. Adrenalina pura.

Um prato cheio para o diretor Michael Bay, que não tem vergonha de ser um dos maiores embaixadores do filme-pipoca. E por quê se envergonhar, já que, em “Transformers”, ele dá uma aula de como fazer um filme-pipoca, inclusive ao ter sensibilidade para perceber que a sub-trama que funciona mais é a que coloca o jovem Sam com o seu primeiro carro. São o humor e o carisma de Shia LaBeouf que fazem de “Transformers” um filme, para utilizar uma palavra típica de jovens como Sam, SUPER.

Cotação: 6,5

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Mais Estranho que a Ficção (Stranger Than Fiction, 2006)

De uma certa maneira, o cinema e a literatura são uma forma de arte que caminham juntas. Ao longo dos anos, uma foi influenciando a outra. Se os livros são pictóricos, os filmes nos levam a territórios que os escritores só podem tentar nos fazer imaginar. Mesmo com as diferenças de linguagem entre as duas formas de arte, uma coisa muito importante elas têm em comum: o fato de que, ao se inspirarem no dia-a-dia das pessoas, elas tentam colocar alguma luz para tentarmos compreender o mundo em que vivemos. O filme “Mais Estranho do que a Ficção”, do diretor Marc Forster, celebra justamente o momento em que o cinema e a literatura estão mais juntos do que nunca.

Karen Eiffel (Emma Thompson, numa ótima atuação) é uma famosa escritora que está passando por um bloqueio criativo. Ela já tem uma história: a narrativa sobre um homem que, no lugar de ser o personagem principal de sua vida, é somente um observador daquilo que acontece ao seu redor. De uma maneira muito estranha, o que Karen escreve é um reflexo direto da vida do auditor fiscal Harold Crick (Will Ferrell, numa atuação indicada ao Globo de Ouro 2007 de Melhor Ator em um Filme de Comédia/Musical), um cara que é cheio de manias e que tem uma vida extremamente solitária.

Muita gente diz que a última coisa em que um autor pensa é no final que sua obra terá. Em “Mais Estranho do que a Ficção”, o roteiro de Zach Helm nos mostra o seu final logo nos primeiros 20 minutos de filme. Karen – e, principalmente, Harold – sabem que o personagem principal tem que morrer. O que roteirista, escritor e personagem mal sabiam é que a vida de Harold começaria a se tornar interessante a partir do momento em que seu destino parece traçado. Ao conhecer a confeiteira Ana Pascal (Maggie Gyllenhaal), a vida do auditor fiscal se torna mais doce e ele tem uma razão para lutar para continuar a viver.

Na época do lançamento de “Mais Estranho que a Ficção”, críticos de cinema foram unânimes na comparação entre o roteirista Zach Helm e o aclamado Charlie Kaufman (o criador de filmes como “Quero Ser John Malkovich”, “Adaptação” e “Brilho Eterno de uma Mente Sem Lembranças”). A comparação, além de impertinente, é completamente injusta. Kaufman tem uma abordagem um tanto irônica da vida e seus personagens parecem habitar um mundo que só existe na mente do roteirista. No caso de Helm e este “Mais Estranho que a Ficção”, a história criada por ele é real, vivida por pessoas que existem de verdade e que poderiam estar ao nosso lado.

Se tivéssemos que comparar um filme como “Mais Estranho com a Ficção”, deveríamos procurar uma obra como “As Horas”, do diretor inglês Stephen Daldry. Assim como este último filme, aquele fala sobre a importância da vida e sobre como aquelas coisas mais mundanas – e, aparentemente, insignificantes – são justamente as que são mais definidoras e que nos fazem perceber o quanto a vida é valiosa e importante de ser experimentada.

Cotação: 9,7

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Harry Potter e a Ordem da Fênix (Harry Potter and the Order of the Phoenix, 2007)

Já virou uma rotina. Desde 2004, quando “Harry Potter e o Prisioneiro de Azkaban”, do diretor mexicano Alfonso Cuarón, estreou nas salas de cinema de todo o mundo, críticos e fãs são unânimes em afirmar que os filmes passaram a ter uma trama mais densa e que os personagens estavam amadurecendo. As mudanças vistas em cada um desses elementos, coincidentemente, também trouxeram um aumento na qualidade dos filmes da série – que passaram a ser mais bem executados.

Os roteiros dos dois últimos filmes da série – o já citado “Harry Potter e o Prisioneiro de Azkaban” e “Harry Potter e o Cálice de Fogo”, do diretor Mike Newell – dão um enfoque maior ao processo de amadurecimento pelo qual passa o bruxo juvenil mais famoso da literatura e do cinema. No primeiro filme, o vemos com uma personalidade marcante e um tanto rebelde e se deparando com Sirius Black (Gary Oldman), a figura paterna que ele irá adotar. Já no segundo, assistimos à maior provação que o bruxo passou (o torneio Tribuxo), bem como ao seu encontro com o poderoso e temido Lorde Voldemort (numa caracterização assustadora de Ralph Fiennes), aquele que é responsável pela maior dor de sua vida (a morte dos seus pais).

Em “Harry Potter e a Ordem da Fênix”, filme dirigido por David Yates, Harry (Daniel Radcliffe) está passando por um inferno astral. Desde a trágica morte de Cedric Diggory (Robert Pattinson) no filme anterior, o bruxo juvenil foi consumido pela raiva. Seu futuro em Hogwarts está ameaçado depois que ele aplica um feitiço na frente dos trouxas. Ainda no colégio, sua vida será um inferno e ele se isola de todos – até mesmo daquelas pessoas que mais o amam e só querem ajudá-lo, como os inseparáveis amigos Ron Weasley (Rupert Grint) e Hermione Granger (Emma Watson).

Não é só Harry Potter que está passando por mudanças. Hogwarts também passa por transformações. Preocupados com uma possível teoria de que o diretor Alvo Dumbledore (Sir Michael Gambon) está organizando um grupo (a tal Ordem da Fênix a qual o título se refere) para enfrentar a ameaça cada vez maior de Lorde Voldemort, o Ministro da Magia, Cornelius Fudge (Robert Hardy), decide interferir diretamente na educação que os futuros bruxos recebem e coloca uma de suas fiéis escudeiras, Dolores Umbridge (Imelda Staunton, excelente), para não só ensinar a matéria de defesa, como também para ser a nova dona do posto de diretora de Hogwarts.

“Harry Potter e a Ordem da Fênix” vive seu melhor momento quando Harry e sua própria brigada – formada por alunos que decidem quebrar as regras impostas por Dolores Umbridge em Hogwarts e que querem aprender os feitiços para defesa com medo de Lorde Voldemort – enfrentam aqueles que simplesmente ignoram a verdadeira catástrofe que seria um mundo dominado pelo perigoso Lorde das Trevas.

Durante muito tempo, a impressão que eu tive a respeito dos filmes – e, por conseqüência, dos livros – da série Harry Potter era a de que eles eram uma verdadeira enrolação. Eu sempre ficava esperando algo importante acontecer e, de alguma maneira, sempre terminava me decepcionando. Se “Harry Potter e a Ordem da Fênix” não é o melhor filme da série, pelo menos, ele elucida o grande objetivo da série de filmes sobre o bruxo juvenil. Tudo o que assistimos até agora é somente a grande preparação para o inevitável confronto entre Harry Potter e Lorde Voldemort. O que a trama de “Harry Potter e a Ordem da Fênix” mostra – nesse sentido – é que o Harry cheio de raiva seria facilmente derrotado por Voldemort. Harry, para ser um forte oponente, precisa se agarrar àquilo que o Lorde das Trevas não tem: amor e amizade. Que coisa simples, né? Mas, será que a gente não podia pular tudo isto e ir logo ao que interessa?

Cotação; 6,3

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Corrente Literária

Não sou muito de participar de correntes, mas, como esta foi enviada pelo meu amigo Marcus Vinícius, do ótimo blog "Caminhante Noturno Cinema", decidi repassá-la para a frente. :-)

Se é para citar cinco livros, que sejam então os meus livros favoritos:

1- "As Horas", Michael Cunningham
Livro inspirado pela obra "Mrs. Dalloway", de Virginia Woolf. Três mulheres, em três épocas diferentes, mas passando pelos mesmos dilemas e conflitos. Um belo livro que fala sobre a importância e a alegria com a qual devemos encarar a vida - mesmo naqueles momentos que parecem ser os mais difíceis.

2- "Feliz Ano Velho", Marcelo Rubens Paiva
Biografia do escritor Marcelo Rubens Paiva. Um acidente que o deixou paralítico é o ponto de partida para encarar a vida sob outra perspectiva.

3- "Uma Vida Interrompida - Memórias de um Anjo Assassinado", Susan Sebold
Belíssimo livro que conta a história de Susan Salmon, garota de 13 anos que foi brutalmente assassinada. Do céu, Susan nos relata como a sua família e amigos sobreviveram à sua morte. O livro será adaptado pelo diretor Peter Jackson e deve estrear nos cinemas em 2008.

4- "Fim de Caso", Graham Greene
Livro que foi adaptado para o cinema pelo diretor Neil Jordan e que conta a história de um amor intenso - e que tem a possibilidade de ser revivido ou destruído por completo.

5- "Ayrton - O Herói Revelado", Ernesto Rodrigues
Biografia que tenta nos deixar mais próximos de um dos maiores ídolos que o Brasil já teve: o piloto Ayrton Senna, que faleceu prematuramente em 01 de maio de 1994.

Repasso a corrente para os seguintes amigos blogueiros:

Romeika, A Room of One's Own
Alex, Cine Resenhas
Túlio Moreira, Cinema Kabuki
Wanderley, Espaço Lumière
João Paulo, Cine JP

Um bom final de semana para todo mundo!!

Ratatouille (2007)

Os ratos são animais que, para muitos, são sinônimo de sujeira. No entanto, eles possuem uma característica importante e que os difere de outros seres: a facilidade com que eles se adaptam aos mais diversos ambientes e situações. Os ratos também são aqueles pequenos animais que, geralmente, consomem os fragmentos dos alimentos que são descartados por nós. Já nas primeiras cenas de “Ratatouille”, filme de animação dirigido por Brad Bird, Remy (dublado por Patton Oswalt) nos adverte de que ele não é um rato comum. Ao contrário daqueles da sua espécie, Remy tem o olfato e o paladar aguçados. Na sua busca por alimento, ele é muito seletivo e, muitas vezes, faz experimentos e misturas com os restos que consegue colher.

Remy tem um ídolo: o famoso chef francês Auguste Gusteau (dublado por Brad Garrett, do seriado “Everybody Loves Raymond"), cujo maior lema é “qualquer um pode cozinhar”. Com este pensamento na cabeça, Remy alimenta o sonho de um dia viver em Paris, sendo cozinheiro de um grande restaurante. O único problema é, obviamente, o fato de ele ser um rato e quem, em sã consciência, contrataria um rato como chef? O sonho fica mais próximo de Remy quando ele se perde de sua família na última – e complicada – mudança deles, e vai parar em Paris – mais precisamente no Gusteau, restaurante do famoso chef. É lá que Remy, tendo como “disfarce” a figura do atrapalhado Linguini (dublado por Lou Romano), coloca em prática tudo aquilo que aprendeu e se transforma no chef mais comentado da França – para desgosto de Skinner (dublado por Ian Holm), o chef principal e responsável pela administração do Gusteau após a morte do famoso chef francês.

Passados sete meses desde o início de 2007, os cinéfilos finalmente encontram aquele que é o primeiro candidato a um dos grandes filmes do ano. “Ratatouille”, como todo bom filme de animação dos últimos anos, tem um roteiro cujo maior público-alvo – é claro – são as crianças, mas sem esquecer de atingir os adultos. E a história criada por Brad Bird com o auxílio de Jim Capobianco, Emily Cook, Kathy Greenberg e Jan Pinkava tem um apelo universal ao relatar que, não importa a sua aparência, não importa a sua origem, os sonhos são válidos e, principalmente, possíveis de acontecer.

Primeiro filme de animação da Pixar Animation Studios desde a aquisição da empresa pelos estúdios Walt Disney, “Ratatouille” honra a sua origem. Se o prato que dá nome ao filme é sofisticado e de sabor delicioso, o filme da Pixar merece a mesma atenção: deve ser digerido com calma, com o devido respeito e, principalmente, com o apreço do sabor de cada ingrediente. “Ratatouille” – com o perdão do trocadilho – é um filme tão gostoso e saboroso que um bis vai ser uma excelente – e obrigatória – pedida.

Cotação: 9,6

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Premonições (Premonition, 2007)

É oficial. A atriz Sandra Bullock precisa de um novo agente, afinal o atual parece não estar dando conta do recado, tendo em vista que colocou a sua cliente em dois filmes sobre o mesmo tema: a relação entre espaço e tempo. No primeiro deles, “A Casa do Lago”, do diretor Alejandro Agresti, Bullock e Keanu Reeves interpretam um casal, que vive em tempos diferentes, mas que, mesmo assim, conseguem se corresponder, se apaixonar e ver uma possibilidade concreta de se vivenciar o romance.

No segundo filme, “Premonições”, do diretor alemão Mennan Yapo, Sandra Bullock interpreta a dona-de-casa Linda Hanson, que é casada com o executivo Jim (Julian McMahon) e mãe das garotinhas Megan (Shyann McClure) e Bridgette (Courtney Taylor Burness). Linda, claramente, está passando por uma crise. Ela e seu marido não são carinhosos um com o outro, mas algumas coisas nos chamam a atenção quando ela recebe a notícia da morte de Jim, em decorrência de um acidente de carro: é a frieza com que ela reage ao ocorrido.

Logo em seguida, o roteiro de Bill Kelly começa a desvendar o por quê de tanta frieza. Linda, de certa maneira, sabia que seu marido iria morrer, pois a cada novo dia com que ela se deparava, ela encontrava duas realidades distintas: numa, Jim estava morto; na outra, Jim estava vivo. O que “Premonições” realmente relata, portanto, é a busca de Linda por uma maneira de lutar por aquilo que ela mais valoriza (a sua família), tentar evitar a morte de Jim e, finalmente, fugir do obscuro dia-a-dia que se desenha no seu mundo após o falecimento de seu marido.

Os cinéfilos irão reconhecer, em “Premonições”, traços do filme “Efeito Borboleta”, dos diretores Eric Bress e J. Mackye Gruber, em que o personagem de Ashton Kutcher, ao tentar interferir nos acontecimentos de seu passado, acabava influenciando de maneira negativa o presente de sua vida e das pessoas que mais importavam para ele. Em “Premonições”, os efeitos da interferência de Linda Hanson no passado não levam a conseqüências tão drásticas, mas, definitivamente, os dois filmes carregam um elemento principal em comum: a presença de uma premissa interessante, mas que é trabalhada de forma inadequada.

Cotação: 2,5

Crédito Foto: Yahoo! Movies

Notas Sobre um Escândalo (Notes on a Scandal, 2006)

Em 1997, os Estados Unidos se viram no meio de um caso escandaloso. Uma professora chamada Mary Kay Letourneau foi acusada de ter mantido um relacionamento sexual com seu estudante de apenas 13 anos e condenada a passar sete anos na prisão. A escritora Zoe Heller – talvez, inspirada por este caso – lançou o livro “Anotações Sobre um Escândalo”, em 2003. O filme “Notas Sobre um Escândalo”, do diretor Richard Eyre, adapta justamente esta obra.

O mais interessante no livro de Zoe Heller e na adaptação do roteirista Patrick Marber, é que o olhar da história não vem da professora-provocante, e sim da testemunha ocular de todos os acontecimentos. Barbara Covett (Dame Judi Dench, que foi indicada ao Oscar 2007 de Melhor Atriz pela sua performance neste filme) é uma senhora de meia-idade e que já não tem muita paciência para todo o processo de ensino-aprendizagem. Barbara é um peixe fora d’água nos ambientes em que vive, não só por causa da sua idade, como também – e principalmente – em decorrência da sua personalidade difícil e introvertida. Ela é um objeto tão intrigante, que pouco ficaremos sabendo sobre sua intimidade – fica implícito que Barbara é lésbica e nunca teve um momento íntimo, seja com um homem ou uma mulher.

A rotina da vida pessoal e profissional de Barbara irá virar de ponta-cabeça quando Sheba Hart (Cate Blanchett, que foi indicada ao Oscar 2007 de Melhor Atriz Coadjuvante pela sua performance neste filme), a nova professora de arte do colégio, aparece. Sheba tem vivacidade, magnetismo, uma beleza peculiar e a vontade de mudar o sistema, de ser especial para os seus alunos e de ensiná-los algo que seja útil para a vida deles.

A obsessão é uma preocupação constante, uma idéia fixa. Sheba vira a constante na vida de Barbara, que idealiza o relacionamento que existe entre as duas. A mentira e a traição podem ser os piores remédios para a obsessão, mas, na trama de “Notas Sobre um Escândalo”, elas têm o efeito contrário, pois, quando Barbara descobre que Sheba estava tendo um caso com o jovem aluno Steven Connolly (Andrew Simpson), ela se sente aliviada, pois, finalmente, poderá ter Sheba por completo em suas mãos. O alívio se transforma em raiva quando ela percebe que Sheba não compartilha do seu ideal de amor e de vida. Machucá-la vai se tornar a nova fixação de Barbara – pelo menos até que uma paixão substituta surja na sua frente.

“Notas Sobre um Escândalo” é um filme que trabalha com maestria os três elementos que fazem diferença em uma película: o roteiro, a direção e a atuação. Em 92 minutos, o diretor Richard Eyre e o roteirista Patrick Marber contam uma história cuja paixão e fervor transcendem a tela por causa das excelentes atuações do trio central de atores: Dame Judi Dench, Cate Blanchett e Bill Nighy (que interpreta o marido de Sheba), que dão um verdadeiro show.

Cotação: 9,3

Crédito Foto: Yahoo! Movies

Quarteto Fantástico e o Surfista Prateado (Fantastic Four - Rise of the Silver Surfer, 2007)

O Quarteto Fantástico – grupo formado pelo cientista Reed Richards (Ioan Gruffudd), pelo piloto Ben Grimm (Michael Chiklis, do seriado “The Shield”) e pelos irmãos Johnny Storm (Chris Evans) e Susan Storm (Jessica Alba) – não são os seus típicos super-heróis. Ao contrário do Homem-Aranha e do Superman, os super poderes que eles possuem não são desconhecidos da sociedade. Pelo contrário, o quarteto é celebridade em sua cidade e, assim como acontece com os astros do cinema e da música, eles têm sua vida destrinchada nos mínimos detalhes pela imprensa. A maneira como o quarteto lida com a fama – e os pontos positivos e negativos que ela traz consigo – é somente uma das facetas abordadas pelo filme “Quarteto Fantástico e o Surfista Prateado”, do diretor Tim Story, e continuação do filme de sucesso de 2005.

Na trama criada por Don Payne, Mark Frost e John Turman, o quarteto já se acostumou completamente com os seus poderes e tentam viver uma vida mais próxima do normal. Reed e Susan estão envolvidos nos preparativos do seu casamento (e, acreditem, o universo não está conspirando a favor do casal). Ben, depois de perder a esposa no primeiro filme, reencontra o amor com Alicia (Kerry Washington). Já Johnny adora o seu status de celebridade e aproveita tudo da melhor maneira possível, com muitas festas, mulheres bonitas e diversão.

Mesmo assim, o quarteto ainda tem muitas responsabilidades e elas vão bater na porta do grupo quando uma criatura estranha chamada Surfista Prateado (encarnado por Don Jones, mas com a voz de Laurence Fishburne) começa a fazer uma série de aparições na Terra. Em comum, o fato de que diversas alterações climáticas acontecem em decorrência das visitas do Surfista. Contatados pelo General Hager (Andre Braugher), o quarteto tem que agir antes que a Terra seja destruída – e o pior é que eles vão ter que trabalhar com o seu maior inimigo, Victor Van Doom (Julian McMahon, do seriado “Nip/Tuck”), que ressurge das cinzas.

O Quarteto Fantástico trabalha em conjunto e é uma família. Por causa disso, suas histórias são cheias de momentos que são comuns. O roteiro do filme equilibra muito bem as cenas de comédia, com as de romance e, claro, as de ação. O diretor Tim Story, que já tinha feito um bom trabalho no primeiro filme da série, aprofunda ainda mais as histórias particulares de cada personagem e executa com esmero as ótimas cenas de ação. “Quarteto Fantástico e o Surfista Prateado” é um trabalho muito bom, que já deixa os cinéfilos de olho em uma possível terceira parte.

Cotação: 7,0

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88 Minutos (88 Minutes, 2007)

As primeiras cenas do filme “88 Minutos”, do diretor Jon Avnet, podem enganar bastante. Um homem de meia-idade está em uma festa num bar. Ele acorda, no outro dia, ao lado de uma bela mulher, quando o seu telefone toca. É um detetive de polícia (William Forsythe) que relata para ele a cena de um crime. Seria uma situação completamente normal se não fosse por um mero detalhe: o homem que atende ao telefone não é um policial, muito menos um promotor ou advogado. Ele é um psiquiatra forense, que trabalha para o FBI.

Mas, você deve estar se perguntando, o que ele tem a ver com a cena do crime? Muito. Como veremos nas cenas seguintes, o psiquiatra forense se chama Jack Gramm (Al Pacino, numa boa atuação) e é super famoso na área. O crime relatado no início de “88 Minutos” tem o mesmo perfil dos cometidos por Jon Forster (Neal McDonough), o caso mais famoso pego por Gramm. O assassinato é ainda mais intrigante, pois ocorre no dia em que Forster será executado.

A trama de “88 Minutos” fica ainda mais complicada quando o assassino imitador do estilo de Jon Forster ataca novamente (suas vítimas, curiosamente, são todas mulheres do círculo de conhecimento de Jack Gramm) e ainda faz uma ligação anônima para o psiquiatra forense para dizer que ele tem somente 88 minutos de vida – fato que obriga Gramm a correr feito um louco para desvendar a identidade do imitador e tentar salvar a sua vida e reputação, que está indo por água abaixo na medida em que a condenação de Jon Forster começa a ser questionada.

Num filme como “88 Minutos”, cuja trama acontece quase que em tempo real (numa clara influência da série de TV “24 Horas”), o elemento mais importante é o roteiro. Se ele tem algum furo, tudo dá errado. O de “88 Minutos”, que foi escrito por Gary Scott Thompson (cujos créditos incluem episódios do seriado “Las Vegas” e os dois primeiros filmes da série “Velozes e Furiosos”), vai sendo desenvolvido de maneira correta até chegar ao quarto final, quando o roteirista se rende às obrigatórias reviravoltas chocantes que já fazem parte do gênero do thriller psicológico. Se você decidir ignorar isto, “88 Minutos” é até um filme interessante sobre como a vingança – às vezes – não leva a nada.

Cotação: 4,5

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Treze Homens e um Novo Segredo (Ocean's Thirteen, 2007)

Nos anos 50, um grupo formado por Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Jr., Joey Bishop e Peter Lawford ficou conhecido como o “Rat Pack” e, com seus filmes e shows, passaram a ser os maiores embaixadores de um estilo de vida que conhecemos como “bon-vivant” – aquele que aprecia o luxo, a diversão, os amores, ou seja, aquilo que eles consideram como os maiores prazeres da vida. Os rapazes tinham como sede a cidade de Las Vegas, a qual é quase um sinônimo de tudo aquilo em que eles acreditavam – com os seus cassinos, hotéis luxuosos e a possibilidade concreta de se fazer ou de se arruinar em meio a tanta pompa e ostentação.

No começo desta década, George Clooney resolveu fazer a sua própria versão do “Rat Pack” e convidou alguns dos astros mais importantes do cinema atual, como Brad Pitt e Matt Damon, para fazer uma série de filmes “caça-níqueis”, cujo sucesso os permite financiar aqueles projetos mais pessoais e, digamos, artísticos. Como se não bastasse a reunião de três grandes estrelas, Clooney ainda convenceu seu parceiro na Section Eight, o diretor Steven Soderbergh (um dos poucos atualmente a ter pleno domínio do seu ofício), para dar a aura cool e desinteressada que a série tanto pretendia ter.

Assim como aconteceu com o Rat Pack, Clooney e seus amigos também adotaram a Cidade do Pecado como sede de seus filmes (com exceção da continuação “Doze Homens e um Outro Segredo”). “Treze Homens e um Novo Segredo” tem a mesma estrutura dos outros filmes. Entre um assalto e outro, cada um dos membros dos “Onze de Ocean” vive sua própria vida, fazendo seus golpes sozinhos. Aqui, eles se reúnem por causa do infarto que quase mata Reuben (Elliott Gould). Acontece que ele estava fazendo negócios com Willy Bank (Al Pacino), superpoderoso do ramo hoteleiro, e que passou a perna no inocente golpista. Para defenderem a honra de Reuben, Danny Ocean (Clooney), Rusty Ryan (Pitt) e Linus (Damon) reúnem a turma, mais uma vez, para aplicar um golpe milionário no dia da inauguração do hotel de Bank.

Um detalhe chama logo a atenção dos cinéfilos em “Treze Homens e um Novo Segredo”. O diretor Steven Soderbergh e os roteiristas Brian Koppelman e David Levien colocam o foco no planejamento e na execução do assalto perfeito, deixando de lado as tramas paralelas que envolviam especialmente Danny Ocean e Rusty Ryan com as mulheres que entravam em suas vidas. Neste sentido, o roteiro dá a oportunidade para que cada um dos membros dos “Onze de Ocean” brilhe. Ao mesmo tempo, ao fragmentar a trama em demasiado, Soderbergh e os dois roteiristas meio que tiram o foco em muitos momentos daquilo que realmente importa: acompanhar a capacidade de improvisação, de criatividade e raciocínio rápido que estes rapazes têm para justamente bolar o plano perfeito e saírem ricos e despreocupados para tocarem as suas vidas.

“Treze Homens e um Novo Segredo” carrega com maestria o fardo dos outros dois filmes. Como entretenimento, é uma peça de primeira. No entanto, o mais importante – e que está refletido em excesso na grande tela – é o fato de que os atores que fazem o filme continuam se divertindo bastante ao brincarem de ladrões. Enquanto George Clooney, Brad Pitt, Matt Damon, Don Cheadle, Elliott Gould, Andy Garcia, Casey Affleck, entre outros, encararem os filmes da série como uma bela maneira para fazer algo despretensioso entre seus projetos pessoais, os filmes sobre os “Onze de Ocean” continuarão a funcionar.

Cotação: 8,0

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Shrek Terceiro (Shrek The Third, 2007)

Nos filmes da série “Shrek”, tudo é motivo para se tirar sarro. Desde o espírito de estrelismo, grandiosidade e consumo, até os clichês dos contos de fadas, passando também pelo culto à beleza. Nada passa imune aos roteiros dos filmes da série. Se os dois primeiros filmes falavam sobre a construção do relacionamento entre o ogro Shrek (dublado por Mike Myers) e a princesa Fiona (dublada por Cameron Diaz), “Shrek Terceiro”, filme dirigido por Chris Miller, discorre mais sobre o amadurecimento pessoal dos dois.

O reino de Tão, Tão Distante está vivendo um momento difícil, já que o rei Harold (dublado por John Cleese) está seriamente doente. Shrek e Fiona, portanto, assumiram o controle – temporariamente – do reino, esperando o pleno restabelecimento do rei para que eles pudessem voltar para o pântano, o local que eles consideram o seu lar. No entanto, o rei Harold não resiste e acaba falecendo. Com medo de uma vida permanente no reino e num posto (o de rei) com o qual ele tem certeza de que não irá se adaptar, Shrek parte numa busca pelo segundo homem na linha de sucessão do reino: o atrapalhado estudante Artie (dublado pela estrela da música pop Justin Timberlake).

Esta não é a única crise que Shrek tem que administrar. No momento em que parte na sua viagem, Fiona o revela que está grávida – fato que deixa o ogro aterrorizado, tendo em vista que ele não pretendia aumentar a família. Além disso, o Príncipe Encantado (dublado por Rupert Everett) volta com o objetivo de ser ele o rei de Tão, Tão Distante e, para atingir isso, causa o terror entre as mulheres do reino – entre as quais estão, além de Fiona, sua mãe, a rainha Lillian (dublada por Julie Andrews) e personagens clássicos dos contos de fadas, como Rapunzel, Cinderela e Branca de Neve.

Os elementos mais interessantes dos filmes anteriores da série “Shrek” eram o seu roteiro, que equilibrava muito bem as sátiras aos contos de fadas, com o desenvolvimento dos personagens recorrentes da trama e com a introdução de novos seres que se adequavam de maneira perfeita à história; e a qualidade da animação feita pela equipe da Dreamworks. Em “Shrek Terceiro”, Shrek e Fiona continuam com seu lugar de destaque. No entanto, personagens que antes eram importantes como o Burro (dublado por Eddie Murphy) e o Gato de Botas (dublado por Antonio Banderas) foram relegados a um segundo plano. A sorte dos produtores é que os personagens da série "Shrek" já têm uma empatia muito forte com o público.

Cotação: 8,0

Crédito Foto: Yahoo! Movies

Totalmente Apaixonados (Trust the Man, 2006)

Já bem perto do final de “Totalmente Apaixonados”, comédia romântica escrita e dirigida por Bart Freundlich, um diretor de teatro fala o seguinte para a famosa atriz Rebecca Pollack (Julianne Moore, esposa de Freundlich na vida real): “nós estamos nisto juntos, minha querida. Todos condenados ao teatro. Condenados a viver pela nossa arte. Porque nós não sabemos como viver nossas vidas. Nós somos ilhas”. Essa frase, no entanto, não se adequa somente à Rebecca, e sim a todos os personagens do filme – que se vêem diante de uma crise pessoal, em que eles se deparam diante de situações novas e que são, de certa maneira, aterrorizantes.

Rebecca é casada com Tom (David Duchovny) e ela é a porção bem-sucedida do casal, afinal ela é uma atriz de sucesso prestes a estrear uma peça de teatro na Broadway, enquanto ele abandonou uma carreira na Publicidade e se transformou em pai em tempo integral de seus dois filhos com Rebecca. Do outro lado, temos um segundo casal: Elaine (Maggie Gyllenhaal) e Tobey (Billy Crudup), que namoram há sete anos. Neste caso, a secretária Elaine é a porção madura do par. Ela tem um emprego fixo e aspirações profissionais e pessoais (para ela, chegou o momento certo de casar e de ter filhos), enquanto ele vive de trabalhos ocasionais como jornalista e se comporta como um verdadeiro jovem – ou seja, ele está satisfeito com a maneira como as coisas estão e se recusa a assumir um compromisso mais sério.

O roteiro do diretor Bart Freundlich tenta discorrer de maneira bem descontraída – e adulta, ao mesmo tempo – sobre as crises nestes relacionamentos. E as dúvidas serão representadas na forma de alguns personagens, que vão sendo introduzidos aos poucos na trama, como Pamela (Dagmara Dominczyk), a bela mãe com quem Tom irá dividir bem mais do que momentos fofos no parquinho e reuniões de pais e mestres; Jasper Bernard (Justin Bartha), o jovem ator que alimenta o ego de Rebecca com seus galanteios; Faith (Eva Mendes), a garota com quem Tobey namorou na faculdade; e Goren (Glenn Fitzgerald, um péssimo ator), o cara maduro e que está disposto a formar a família que tanto Elaine quer.

"Totalmente Apaixonados” é um filme que, como eu disse anteriormente, tenta abordar o tema da crise pessoal de forma descontraída. No entanto, o diretor e roteirista Bart Freundlich não consegue sequer arrancar risos da platéia. O filme tem um desenvolvimento um tanto lento no seu primeiro ato, o que faz com que a sua segunda parte seja muito prejudicada. Mesmo assim, o filme consegue ter um ponto em comum. Nele, não são as mulheres que estão em crise, e sim os homens. Tanto Tom quanto Tobey se vêem ao lado de mulheres de personalidade fortes, que são bem-sucedidas e que lutam por aquilo que desejam, sem esquecer de dar a devida atenção aos seus relacionamentos pessoais. A impressão que a gente tem é a de que o próprio Freundlich exorciza seus fantasmas de ser um diretor aspirante casado com uma grande atriz e que é muito mais bem-sucedida que ele. Assim como seus personagens masculinos, o que Freundlich talvez tenha percebido é que ele poderá nunca ser tão aclamado quanto sua esposa, mas se sente satisfeito com tudo aquilo que conquistou. No entanto, a julgar pelo resultado final de “Totalmente Apaixonados”, não custa nada pedir para ele que lute para ser bem melhor do que isso.

Cotação: 5,0

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Um Crime de Mestre (Fracture, 2007)

Numa era de séries como “C.S.I. – Crime Scene Investigation”, “Law & Order”, “Close to Home”, “Cold Case”, “Without a Trace”, “Justice”, entre outras, ficou provado que não existe o chamado crime perfeito. O filme “Um Crime de Mestre”, do diretor Gregory Hoblit, através do roteiro de Daniel Pyne e Glenn Gers, quer provar justamente o contrário: o crime perfeito pode ser possível, tendo em vista que ele é o fruto de um jogo de mente, em que a esperteza é o fator fundamental.

Willy Beachum (Ryan Gosling) é uma estrela em ascensão na promotoria pública da cidade de Los Angeles. Jovem, bonito, carismático, talentoso e competente, ele tem o impressionante índice de 97% de condenações. Profissionais como Willy são visados, principalmente, pelos grandes escritórios de advocacia e trabalhar no ramo privado é um grande sonho dele. Quando a oportunidade, enfim, bate à sua porta, Willy tem que concluir um último caso antes de abraçar o novo desafio de sua carreira.

Num bairro nobre de Los Angeles, o inteligente e perspicaz Ted Crawford (Anthony Hopkins) já sabia há um bom tempo que sua esposa, Jennifer (Embeth Davidtz), o traía com o detetive de polícia Rob Nunally (Billy Burke). Em uma noite, Ted surpreende Jennifer com um tiro no rosto que a deixa em coma irreversível. Preso em flagrante, com a arma do crime nas mãos e uma confissão assinada, o caso de Crawford parecia ser o mais fácil da carreira de Willy. No entanto, o julgamento traz grandes surpresas e as provas obtidas pela polícia de Los Angeles acabam sendo desqualificadas.

Com a possibilidade de perder, não só o emprego no grande escritório de advocacia, como também o posto de promotor público, Willy ganha uma obsessão: solucionar o assassinato de Jennifer Crawford e colocar Ted na cadeia.

“Um Crime de Mestre” se assemelha bastante com “As Duas Faces de um Crime”, outro filme que se passa nos tribunais dirigido por Gregory Hoblit. Em “As Duas Faces de um Crime”, Richard Gere interpreta um advogado-estrela que está mais interessado nos casos que atraem a mídia. Ele vai defender o jovem coroinha interpretado por Edward Norton da acusação de assassinar um dos bispos mais proeminentes da cidade. Todo o filme se apoiava num jogo que acontecia entre advogado e cliente. Sendo que, ao invés do crime perfeito, tínhamos a criação da estratégia de defesa perfeita.

Assim como em “As Duas Faces de um Crime”, “Um Crime de Mestre” se apóia no relacionamento que se estabelece entre Willy (o promotor) e Ted (o acusado). Em decorrência disso, o filme tem como ponto alto as interpretações de Anthony Hopkins e Ryan Gosling. Hopkins age o tempo todo como o mentor experiente que tenta intimidar o jovem impetuoso. É quase que – guardadas as devidas proporções – um replay do duelo entre Hannibal Lecter (o próprio Hopkins) e Clarice Sterling (Jodie Foster) em “O Silêncio dos Inocentes”. A única diferença entre todos estes filmes é que, em “Um Crime de Mestre”, a justiça vence.

Cotação: 7,0

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Shut Up & Sing (2006)

Londres, 10 de Março de 2003. Nesta época, o grupo de música country texano Dixie Chicks – que é formado pela vocalista Natalie Maines, pela violinista Martie Maguire e pela multi-instrumentista Emily Robison – estava no topo do mundo. Um show lotado no Shepherd’s Bush Empire Theatre marcava o início da turnê européia do aclamado CD “Home”. Antes de cantar a belíssima canção “Travelin’ Soldier” (que fala sobre um soldado que participou da Guerra do Vietnã), a vocalista Natalie Maines soltou uma declaração que – nas vésperas da invasão dos Estados Unidos ao Iraque – caiu como uma bomba: “Só para que vocês fiquem sabendo, nós estamos do mesmo lado que vocês. Nós não queremos esta guerra, esta violência, e temos vergonha de que o Presidente dos Estados Unidos seja do Texas”.

A recusa das Dixie Chicks em se desculpar por esta declaração e a coragem de enfrentar aqueles (especialmente a indústria country norte-americana) que lhe viraram as costas rendeu duas obras que são um marco divisor para a carreira delas. A primeira delas, o CD “Taking the Long Way”, que venceu os Grammys 2007 de Melhor Álbum do Ano, Melhor Álbum Country do Ano e Melhor Música e Gravação do Ano para o single “Not Ready to Make Nice”. A segunda foi o documentário “Shut Up & Sing”, que foi dirigido por Barbara Kopple e Cecilia Peck (filha do ator Gregory Peck), e que funciona quase como um complemento para os temas tocados pelas Chicks no álbum.

O documentário se passa em dois momentos distintos e que fazem parte desse marco divisor da carreira das Dixie Chicks. Em 2003, Barbara Kopple e Cecilia Peck mostram os desdobramentos do acontecimento no Shepherd’s Bush Empire Theatre. Enquanto as Chicks continuavam fazendo a sua turnê européia, nos Estados Unidos a situação pegava fogo. As pessoas não perdoavam o fato de que Natalie Maines, Martie Maguire e Emily Robison – o grupo feminino que mais vendeu discos na história da música – tivessem virado as costas para o seu país e, pior, tivessem feito o seu protesto contra as decisões do Presidente George W. Bush num show em um país estrangeiro.

O público altamente conservador que ama a música country nos Estados Unidos – e que forma a grande maioria dos eleitores de Bush – começou a fazer uma série de protestos contra as Dixie Chicks. CDs foram queimados, rádios ameaçadas. Quando voltaram aos Estados Unidos, as Chicks e seu empresário começaram uma espécie de operação para mostrarem ao grande público que elas não eram contra os Estados Unidos. Ou seja, as Dixie Chicks saíram do limitado universo country e viraram ícones da cultura pop – nesta época, elas chegaram a aparecer nuas em uma capa de revista e foram entrevistadas pelos grandes nomes do jornalismo norte-americano, como Barbara Walters e Diane Sawyer. O resultado: as Dixie Chicks continuaram sendo ignoradas pelas rádios country, mas venderam todos os ingressos de sua turnê no país.

A segunda linha de tempo de “Shut Up & Sing” se passa em 2006, quando as Dixie Chicks estavam em Los Angeles gravando o CD “Taking the Long Way”, sob a produção de Rick Rubin (que já trabalhou com artistas do porte de Johnny Cash e Red Hot Chili Peppers). Na indústria musical, as Chicks são conhecidas por quebrarem tendências da música country e por terem levado, pela primeira vez, o tradicionalismo do estilo a um diálogo mais aprofundado com a música pop. Elas gostam de inovar – o CD “Home”, por exemplo, trouxe à moda novamente estilos como o bluegrass – e, com “Taking the Long Way”, pela primeira vez, escreveram todas as músicas do álbum e dialogaram com estilos diversos como blues, rock, folk, gospel, pop – sem esquecer, é claro, do country.

O mais interessante é que Barbara Kopple e Cecilia Peck mostram que, nestes três anos, pouca coisa mudou para as Dixie Chicks no que diz respeito à indústria country. Elas continuam sendo ignoradas pelas rádios, pelo público do gênero e pelos shows de premiações da categoria. No entanto, mantiveram o sucesso de vendas (o álbum ficou em primeiro lugar na parada da Billboard na semana de seu lançamento) e, apesar do fato de que o grupo teve uma turnê complicada (com shows cancelados e vendas maiores de ingressos em países estrangeiros), elas se viram diante um novo público – mais adulto e consciente.

“Shut Up & Sing” é um documentário que leva o público além na relação com o ídolo. Quem gosta das Dixie Chicks, as verá no seu momento mais vulnerável, em que as incertezas eram uma constante e em que o medo em relação ao futuro era atenuado por todo um processo de amadurecimento pessoal que as deixou muito mais próximas e fortes e que se reflete, hoje, na maneira em que elas fazem negócios. Quem não gosta das Dixie Chicks, pode ver o documentário como um exemplo de como a liberdade de expressão é um conceito mal utilizado – será que ela existe de verdade? No entanto, o ponto mais positivo de “Shut Up & Sing”, com certeza, é o fato de que, no filme, a controvérsia é o assunto principal, mas é a música das Dixie Chicks que fala por si – e é este o verdadeiro legado delas.

Cotação: 9,0

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A Família do Futuro (Meet the Robinsons, 2007)

Antes mesmo de estrear nos cinemas de todo o Brasil, a animação “A Família do Futuro”, do diretor Stephen J. Anderson, já conquistava a atenção dos cinéfilos com um teaser super fofo que colocava um grupo de rãs fazendo uma paródia do clássico de Marvin Gaye, “I Heard It Through the Grapevine”.

O roteiro do filme – que foi escrito por Michelle Bochner, Stephen J. Anderson, Robert L. Baird, Jon Bernstein, Daniel Gerson, Nathan Greno, Don Hall e Aurian Redson com base no livro de William Joyce e nas histórias de Shirley Pierce – tem como personagem principal o garotinho órfão Lewis (dublado por Daniel Hansen e Jordan Fry), que mora em um orfanato. Ele tem doze anos e está numa fase bem complicada, pois o seu principal hobby – inventar bugigangas – e a sua idade são fatores primordiais para que ele não consiga ser adotado por uma família.

Na cabeça de Lewis, a única pessoa que o amou de verdade foi a sua mãe e – apesar de ela tê-lo abandonado – Lewis cria, para a feira de ciências do colégio aonde estuda, um aparelho que recupera a memória de um determinado dia. Dessa forma, Lewis espera ver a sua mãe, saber qual a sua origem e impedir que ela o entregue para adoção.

Sem que Lewis saiba, o aparelho de recuperação de memória que foi criado por ele, vira um objeto de desejo importante no futuro – e, em especial, para o vilão dublado por Matthew Josten. Em conseqüência disto, Lewis é “seqüestrado” por Wilbur Robinson (dublado por Wesley Singerman), um garoto que tem 13 anos e uma família estranhíssima (a mãe dele, Franny – que é dublada por Nicole Sullivan –, é a professora de música das rãs que estrelavam o teaser de “A Família do Futuro”). Wilbur quer que Lewis recupere sua máquina das mãos do vilão, que pretende usar a invenção dele para fins maléficos.

"A Família do Futuro” é o primeiro filme do setor de animação da Walt Disney a ser supervisionado por John Lasseter, o todo-poderoso da Pixar Animation Studios (e que, um dia, já foi parceira de negócios da Disney). Algumas diferenças neste filme já podem ser notadas. O roteiro é melhor desenvolvido. A animação é mais moderna. “A Família do Futuro” foge daqueles clássicos momentos musicais que marcam os filmes de animação da Disney. Enfim, o filme é um belo relato sobre a necessidade que todos nós temos de encontrar o nosso próprio caminho e de termos o amor e a segurança que só nos são providos pelo ambiente familiar. O filme só peca por não ter conseguido atrair grandes vozes – os mais famosos a participarem de “A Família do Futuro” são Angela Bassett, Laurie Metcalf, Adam West e Tom Selleck.

Cotação: 6,5

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Piratas do Caribe - No Fim do Mundo (Pirates of the Caribbean - At World's End, 2007)

Se existe alguma razão por trás do sucesso dos filmes da série “Piratas do Caribe”, ela atende pelo nome de Johnny Depp. O carisma e a afetação do ator como o capitão Jack Sparrow conquistou, não só a crítica, como também o público. Se no primeiro filme, “A Maldição do Pérola Negra”, Sparrow rouba a cena; e, no segundo, “O Baú da Morte”, ele carrega o filme sozinho; no terceiro – e último – filme da série, que se chama “No Fim do Mundo”, os roteiristas Ted Elliott e Terry Rossio não se esquecem de Jack, mas dão chance para que a maioria dos personagens do filme tenha o seu momento para brilhar.

A trama central de “Piratas do Caribe – No Fim do Mundo” se passa num momento particularmente difícil para os piratas. O lorde Cutler Beckett (Tom Hollander) assinou um decreto que condena à morte (sem direito de defesa) qualquer pessoa que fez ou que esteja associada à pirataria. Com a ameaça da extinção do grupo, os líderes piratas decidem se reunir em sua própria organização – a Confraria dos Piratas – para tentar criar uma estratégia de defesa contra o poderoso lorde. Todos os líderes piratas estão disponíveis para ir à reunião – inclusive o recém-ressuscitado capitão Barbossa (Geoffrey Rush) – menos Jack Sparrow, que foi condenado ao mundo dos mortos por causa de sua dívida com Davy Jones (Bill Nighy). Portanto, Barbossa, Elizabeth Swann (Keira Knightley) e Will Turner (Orlando Bloom) se unem no comando do Pérola Negra para resgatar Jack do mundo dos mortos.

No entanto, o espectador vai logo perceber que cada um dos membros da Confraria e do Pérola Negra tem seus próprios interesses nesta missão. Davy Jones e o capitão Sao Feng (Chow Yun-Fat) querem passar a perna um no outro e em todos os outros, ao mesmo tempo. Barbossa quer recuperar o comando solitário do navio Pérola Negra. Will Turner quer o navio para si para poder resgatar seu pai (Stellan Skarsgaard) do domínio de Davy Jones. Elizabeth Swann, finalmente, dá mostras de sua maturidade e toma as rédeas da situação – mas, só porque quer encerrar tudo para poder viver tranqüilamente ao lado de seu amor Will. Já Jack, como sempre, quer ir atrás do acordo que é mais vantajoso para ele. Gravitando em torno destes personagens, está o lorde Beckett, que vai enganando o máximo de pessoas possível para poder ele mesmo ser o dominante geral dos mares.

Assim como aconteceu em “Piratas do Caribe 2 – O Baú da Morte”, o espectador vai se deparar com um filme executado de forma brilhante (os efeitos visuais continuam excelentes e as cenas de ação são ótimas), mas com um roteiro sofrível. O excesso de sub-tramas prejudica – e muito – o ritmo do filme. “Piratas do Caribe – No Fim do Mundo” é um filme tão cheio de acontecimentos que se julgam importantes, que não deu para o diretor Gore Verbinski concluir todas as suas histórias da maneira correta – para se ter uma idéia, a história de Elizabeth e Will só vai ser concluída com uma cena ridícula e desnecessária que o diretor coloca após os créditos finais do filme.

Provavelmente, “Piratas do Caribe – No Fim do Mundo” vai ser um enorme sucesso de bilheteria, muito em parte graças ao ator Johnny Depp e seu sempre ótimo Jack Sparrow. No entanto, o filme oferece alguns outros atrativos, como a presença de Keith Richards, guitarrista dos Rolling Stones e inspiração de Johnny Depp para a composição de Sparrow, como o capitão Teague (o pai de Jack). No entanto, nada disso faz com que se tire o gosto de que as seqüências do “Piratas do Caribe” original foram só uma desculpa para arrecadar ainda mais dinheiro. Espero que depois disso, o produtor Jerry Bruckheimer abandone qualquer idéia de spin-off, pois a saga de Jack Sparrow, Elizabeth Swann e Will Turner já deu o que tinha que dar.

Cotação: 5,5

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Maria Antonieta (Marie Antoinette, 2006)

Maria Antonieta foi a arquiduquesa da Áustria e a rainha da França até a Revolução Francesa, que levou o povo ao poder sob os princípios da liberdade, da igualdade e da fraternidade. Quando rainha, Maria Antonieta – mesmo exercendo uma grande influência política sob seu marido – foi bastante impopular, pois não tinha sensibilidade para entender as necessidades de seu povo, que, por sua vez, não entendia os gastos exorbitantes de sua soberana. É este personagem complexo e fascinante o objeto de estudo da cinebiografia “Maria Antonieta”, da diretora e roteirista Sofia Coppola.

Coppola nos apresenta este personagem de uma maneira bastante interessante. No primeiro ato, Maria Antonieta (Kirsten Dunst, na melhor atuação de sua carreira) é somente uma jovem austríaca inexperiente, que é enviada para a França para se casar com Luís Augusto (Jason Schwartzman), o herdeiro do trono francês. O casamento, além de selar a aliança entre o povo austríaco e francês, tem como objetivo principal produzir um novo herdeiro para o reino da França. Esta mudança é muito abrupta e de difícil adaptação para Maria Antonieta, que tem que deixar para trás qualquer objeto que a faça se lembrar de seu lar e de suas origens. Ela tem que abraçar uma nova vida, num novo local com toda uma leva de novos – e ridículos – costumes.

Sofia Coppola retrata com competência o conflito destes dois jovens – Luís Augusto e Maria Antonieta – que foram metidos num casamento sem estarem preparados para isto. Sem privacidade ou clima favorável para se conhecerem melhor, os dois viram a piada do ano na corte, já que Luís não consegue consumar o casamento com a sua jovem e bela esposa.

No segundo ato, já com Luís XVI elevado ao posto de rei da França e, por conseqüência, Maria Antonieta como rainha do país, as posições se invertem. Sofia Coppola, então, mostra o deslumbre que a jovem sente no seu novo papel – e o qual é representado pela luxúria e pelos gastos excessivos com roupas, festas e jogos. Pela primeira vez, Maria Antonieta leva uma vida independente de seu marido – e, curiosamente, é assim que os dois vão ficar mais próximos do que nunca e irão constituir a tão sonhada família.

O filme todo, na realidade, trata do choque entre vida adolescente e vida adulta. Maria Antonieta era uma criança quando se casou. Após se tornar rainha, tentou recuperar o tempo perdido e viveu com intensidade. Mesmo assim, ela demonstra, no final, maturidade suficiente para entender qual o seu verdadeiro papel e o que as pessoas esperam que ela faça. A história de Maria Antonieta seria atemporal – talvez, por isso, Sofia Coppola tenha optado pelo uso de uma trilha sonora contemporânea.

O que fica claro para a platéia no decorrer de “Maria Antonieta” é a identificação que se estabeleceu entre a personagem e a diretora e roteirista Sofia Coppola. O que ela demonstra no filme é a maturidade de uma cineasta que sabe o que quer. Tecnicamente, “Maria Antonieta” é um dos filmes mais belos dos últimos anos. Os figurinos da vencedora do Oscar 2007 Milena Canonero; a fotografia de Lance Acord; a direção de arte de Pierre Duboisberranger, Anne Seibel e K. K. Barrett e as locações do filme são primorosas. Os erros cometidos por Coppola aparecem mais no quarto final de “Maria Antonieta”, quando a rapidez por concluir a história acaba por colocar a platéia diante de uma série de acontecimentos que ficam mal esclarecidos. Esta é uma obra subestimada e que deve ser levada a sério, pois não é nenhum capricho adolescente.

Cotação: 7,2

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Pecados Íntimos (Little Children, 2006)

O seriado “Desperate Housewives” estreou na temporada 2004-2005, no canal norte-americano ABC, com uma premissa muito interessante: acompanhar a vida de donas-de-casa que moram num bairro de classe média alta com suas famílias. O ponto crucial do seriado era mostrar que, por trás da fachada de luxo, riqueza e felicidade, existe também muito mistério, intriga, amor, traição, sexo e morte. O filme “Pecados Íntimos”, do diretor Todd Field (que co-escreveu o roteiro ao lado do escritor Tom Perrotta), tem um quê de “Desperate Housewives”.

Os personagens principais de “Pecados Íntimos” possuem uma coisa em comum: para o mundo, eles possuem uma vida perfeita; mas, entre quatro paredes, eles se sentem presos a uma vida que não é feliz. Sarah Pierce (Kate Winslet, que foi indicada ao Oscar 2007 de Melhor Atriz pela sua performance neste filme) é casada com um homem mais velho (Gregg Edelman) e mãe de Lucy (Sadie Goldstein). Sarah, aparentemente, não se sente à vontade com seu papel de mãe e anseia pelo momento em que o marido chega em casa do trabalho, para que ela possa ter um momento somente dela e, de preferência, ao lado dos livros que ela tanto gosta.

Já Brad Adamson (Patrick Wilson) é casado com a documentarista Kathy (Jennifer Connelly) e pai do garotinho Aaron (Ty Simpkins). Brad é advogado, mas nunca passou no exame da Ordem, por isso sua profissão é ser pai em tempo integral. A esposa o pressiona a fazer novamente o exame da Ordem, mas, sinceramente, Brad não sabe o que quer fazer da vida. A impressão que ele nos dá é a de que é um garotão em uma crise prematura de meia idade.

Em meio a brincadeiras no parque e na piscina pública, Brad e Sarah irão se conhecer e terão um caso extraconjugal. O momento para o flerte não poderia ser impróprio, afinal o bairro aonde eles moram vive em polvorosa por causa da chegada de Ronnie McGorvey (Jackie Earle Haley, que foi indicado ao Oscar 2007 de Melhor Ator Coadjuvante), que foi condenado por atentado ao pudor contra uma criança.

O diretor Todd Field vem se especializando na arte de fazer filmes sobre pessoas que estão no seu limite e que tentam, de alguma forma, recomeçar as suas vidas. Em “Pecados Íntimos”, ele consegue ser bem mais sucedido do que no seu filme anterior (“Entre Quatro Paredes”). Aqui, ele mostra que os erros nunca podem ser esquecidos – já que eles fazem parte do que somos. No entanto, o recomeço não precisa ser abrupto. O que o roteiro de Todd Field e Tom Perrotta mostra é que o futuro pode estar mais perto do que imaginamos – ele pode, por exemplo, ser representado por uma criança ou pela vontade de reviver uma sensação que há muito tempo não tínhamos.

Cotação: 8,5

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O Cheiro do Ralo (2006)

Fazer um filme no Brasil é uma aventura que chega a ser dolorosa e longa para os envolvidos. O financiamento das obras é quase que estatal – o que não impede a participação de patrocinadores externos. “O Cheiro do Ralo” seguiu um caminho quase que único. O filme foi feito com um pouco de financiamento estatal e privado, mas só conseguiu ser completado com a ajuda dos produtores e da equipe do filme, que fizeram uma vaquinha entre si. Esta cooperativa é um ótimo exemplo de gente que acredita no cinema brasileiro e que veste a camisa por aquilo em que bota fé.

“O Cheiro do Ralo” é o segundo filme do diretor Heitor Dhalia (que co-escreveu o roteiro com Marçal Aquino), que ganhou uma certa projeção nacional com o ótimo “Nina”. Aqui, ele adapta um romance do escritor Lourenço Mutarelli (que participa do filme como ator) que conta a história de Lourenço (Selton Mello), o dono de um antiquário.

Lourenço é um cara estranho, que só compra objetos que possuem uma história por trás deles. O engraçado é que a gente só o vê comprando coisas, mas nunca as vendendo. Parece que ele sente verdadeira paixão em entulhar os seus bens, em consumir estas histórias. O que Lourenço não se dá conta é de que, aos poucos, ele próprio vai sendo consumido pela sujeira do local aonde trabalha – o ralo do banheiro do antiquário solta um cheiro insuportável.

Lourenço não se importa com ninguém. Mas, curiosamente, se preocupa com si mesmo. Ele não quer que seus clientes pensem que o cheiro forte do banheiro vem dele. O que não surpreende nisso tudo é que Lourenço, o cara mais fascinado pelo cheiro ruim do ralo, vá justamente se apaixonar pela bunda de uma garçonete (Paula Braun).

“O Cheiro do Ralo” se apóia no personagem Lourenço. É através do acompanhamento da sua rotina diária, da crise com a ex-noiva (Fabiana Guglielmetti), da relação com os clientes com quem ele estabelece negócios – e, dentre os quais, se destaca a viciada interpretada por Sílvia Lourenço - que iremos conhecê-lo e entender o por quê de tanto fascínio pelo lado podre da vida.

“O Cheiro do Ralo” é um filme que se diferencia da safra normal de filmes brasileiros, não só por ser quase independente, mas por tentar fazer algo único. O roteiro de Heitor Dhalia e Marçal Aquino não tem uma linha pré-definida. São vários pedaços que acabam formando um todo. E isto só faz sentido para a platéia devido ao ótimo trabalho de direção de Dahlia e à fantástica atuação de Selton Mello, um dos atores mais versáteis que temos no Brasil.

Cotação: 6,5

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Número 23 (The Number 23, 2007)

A nossa vida é bastante marcada por uma série de números. A data de nosso nascimento, a cédula de identidade, o número da casa/apartamento aonde moramos, a data em que nos casamos, a data em que nascem os nossos filhos, a data em que morremos, dentre outras. São estes números que definem, de certa maneira, as passagens mais importantes de nossa existência. O filme “Número 23”, do diretor Joel Schumacher, fala justamente sobre a obsessão de um homem com um número que parece ser um elemento recorrente em sua vida.

Walter Sparrow (Jim Carrey) é um cara comum, que trabalha numa central de controle de animais, e que leva uma vida pacata ao lado da esposa Agatha (Virginia Madsen) e do filho Robin (Logan Lerman, um ator revelado no excelente seriado “Jack & Bobby”, que foi cancelado prematuramente). No dia da comemoração de seu aniversário, no entanto, algo começa a dar errado. Ele é mordido por um cachorro no serviço, sua esposa fica doente e não pode ir à festa que daria aos amigos, uma colega de trabalho dá em cima dele e, finalmente, ele se vê preso em um livro que não consegue parar de ler e que lhe foi dado de presente pela sua esposa.

O livro, que se chama “The Number 23”, conta a história de um detetive chamado Fingerling (também interpretado por Carrey), que se vê obcecado pelo número 23, após investigar uma bela garota (Lynn Collins), que acreditava ter sido vítima de uma maldição do número. Na medida em que Sparrow vai lendo o livro, ele começa a enxergar certos paralelos com a sua própria vida, com acontecimentos que marcaram a sua infância, a sua vida adulta. Ou seja, ele também fica paranóico a respeito do número 23 e começa a fazer a sua própria investigação para chegar ao autor do livro e se livrar dessa obsessão.

O roteiro de Fernley Phillips tem uma premissa muito interessante (a de que são as nossas escolhas que nos definem, e não os números ou os adjetivos que recebemos ao longo de nossas vidas) e vai sendo bem desenvolvida até, mais ou menos, o quarto final de “Número 23”. O diretor Joel Schumacher, um dos mais instáveis na indústria cinematográfica, executa bem a sua história, mas peca por ter deixado passar os elementos mais fracos do roteiro de Phillips, e que se encontram justamente na última reviravolta que a trama oferece. Um final hipócrita demais, do tipo “faça a coisa certa”. Uma interpretação caricata de Jim Carrey. São elementos suficientes para fazer com que os cinéfilos fiquem longe de “Número 23”.

Cotação: 1,0

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First Look: Evening (2007)

Diretor: Lajos Koltai

Elenco: Claire Danes, Toni Collette, Vanessa Redgrave, Patrick Wilson, Hugh Dancy, Natasha Richardson, Mamie Gummer, Eileen Atkins, Meryl Streep, Glenn Close.

Trama: Um drama que explora o passado romântico e o presente emocional de Ann Grant (Redgrave) e suas filhas Constance (Richardson) e Nina (Collette). Ann está no seu leito de morte e relembra os momentos de definição de sua vida há cinqüenta anos atrás, quando ela era uma jovem (Danes).

Por quê prestar atenção em “Evening”?
- O elenco reúne alguns dos melhores atores que temos na atualidade.
- O roteiro é do escritor Michael Cunningham, de “As Horas”, um especialista nas relações humanas e nos sentimentos que movem as nossas vidas.
- O trailer deixa os cinéfilos com um gostinho de quero mais.
- O filme marca a estréia cinematográfica de Mamie Gummer, filha de Meryl Streep, e que mais parece um clone de sua mãe. (será que ela também herdou de sua genitora o talento para a atuação?).
- O filme marca a volta triunfal de Vanessa Redgrave, que, nos últimos anos, vem alternando um papel recorrente na série "Nip/Tuck" com filmes pequenos. Uma indicação ao Oscar já está sendo prevista - Redgrave ainda será vista em "Atonement", outro filme cotadíssimo ao Oscar 2008.

Por quê duvidar de “Evening”?
- Lajos Koltai estréia como diretor de um filme de longa-metragem. No entanto, ele é um experiente diretor de fotografia – seus trabalhos anteriores incluem “Adorável Julia”, “Malèna” e “Sunshine – O Despertar de um Século”.
- Filmes como este são uma faca de dois gumes: ou são uma obra-prima ou são um desastre completo.

As respostas às primeiras exibições de "Evening" têm sido bem positivas. O filme recebeu avaliações muito boas e os elogios têm sido dirigidos especialmente às atuações de Vanessa Redgrave, Claire Danes e Hugh Dancy. "Evening" estréia, de forma limitada, no dia 29 de junho, nos Estados Unidos. O filme ainda não tem data de estréia prevista no Brasil.

Minha Mãe Quer que Eu Case (Because I Said So, 2007)

Na cena mais importante da comédia romântica “Minha Mãe Quer que Eu Case”, Daphne Wilder (Diane Keaton) fala a seguinte frase: “O amor de mãe é impossível. Me diga aonde ele termina?”. Esta frase define muito bem o relacionamento que se estabelece entre uma mãe e uma filha – e é esse o elemento mais importante do filme dirigido por Michael Lehmann.

Daphne Wilder é uma supermãe, que protege e interfere excessivamente na vida de suas três filhas: Maggie (Lauren Graham, a fantástica atriz do seriado “Gilmore Girls”), Mae (Piper Perabo) e Milly (Mandy Moore, cada vez melhor como atriz). Por mais que suas filhas reclamem, Daphne acredita piamente que a proteção e a interferência são justificadas, afinal ela dedicou toda a sua vida para criar as filhas. E todas elas se deram muito bem, tendo em vista que têm carreiras profissionais bem-sucedidas e são independentes.

No entanto, Daphne tem uma certeza: a de que sua missão ainda não está completa, pois ela não viu a sua filha caçula Milly se casando ou, na melhor das hipóteses, com um relacionamento amoroso fixo. Milly é uma típica jovem que está na casa dos 20 anos, mas é cheia de responsabilidades: tem sua própria empresa (um buffet), seu apartamento, seu carro. A única coisa que ela não controla é a sua vida amorosa, tendo em vista os constantes pares que sua mãe tenta lhe achar.

Daphne ultrapassa todos os limites quando coloca um anúncio num serviço de encontros online para encontrar um “parceiro de vida” para Milly. Ela se deparará com dois candidatos distintos. O primeiro – e preferido da mamãe – é Jason (Tom Everett Scott), um arquiteto rico, bem-sucedido e culto. O segundo é Johnny (Gabriel Macht), um músico e professor nas horas vagas, que divide uma casa confortável – mas não luxuosa – com o pai Joe (Stephen Collins, o patriarca do seriado “7th Heaven”) e o filho Lionel (Ty Panitz). Estes dois personagens masculinos encarnam muito bem os arquétipos: genro que toda mãe sonhou X bad boy que vai machucar o coração da pobre filhinha.

A personagem que a atriz Diane Keaton interpreta em “Minha Mãe Quer que Eu Case” se parece muito com Erica Barry, personagem que ela mesma interpretou em outra comédia romântica chamada “Alguém Tem que Ceder”, da diretora e roteirista Nancy Meyers. Ambas as mulheres desistiram do amor e, quando se vêem diante da velhice, acham que o seu destino já está traçado. As duas mulheres, no entanto, são surpreendidas com as armadilhas do amor, que sempre aparece quando a gente menos imagina. No caso particular de “Minha Mãe Quer que Eu Case”, a procura de Daphne por um amor para Milly, na verdade, é a sua própria busca.

“Minha Mãe Quer que Eu Case” e “Alguém Tem que Ceder” ainda guardam uma outra importante característica em comum. Os dois filmes contam com uma grande atuação de Diane Keaton. É justamente ela – e seu figurino desastroso, que parece ter saído realmente do guarda-roupa da atriz – os melhores elementos de “Minha Mãe Quer que Eu Case”.

Cotação: 6,3

Crédito Foto: Yahoo! Movies

Homem-Aranha 3 (Spider-Man 3, 2007)

Desde 2002 que o diretor, produtor e roteirista Sam Raimi não pensa em outra coisa a não ser no Homem-Aranha, um dos mais populares personagens de histórias em quadrinhos da história. Raimi, ao lado de Bryan Singer (e seu “X-Men – O Filme”, de 2000), são os responsáveis pelo renascimento de um gênero que andava bem decadente: o de filmes baseados em histórias em quadrinhos. Os dois diretores têm muita coisa em comum: ambos são fãs dos livrinhos, respeitam os seus personagens e as histórias que eles protagonizam e, principalmente, um apurado senso cinematográfico – o que faz com que os filmes deles sejam únicos e sigam uma linha de continuação que não contradiz em nada o que foi abordado anteriormente.

Os filmes do Homem-Aranha são ancorados, basicamente, por uma frase que foi dita para Peter Parker (Tobey Maguire), pelo seu tio Ben (Cliff Robertson), no primeiro filme da série: “grandes poderes trazem grandes responsabilidades”. É justamente a morte de Ben, que foi assassinado após uma tentativa de assalto, que faz com que Peter Parker assuma de vez o manto do Homem Aranha, lutando pelas pessoas indefesas e fazendo a sua parte para deixar o mundo um lugar mais pacífico.

Em “Homem-Aranha 2”, Peter se vê dividido entre o seu lado herói e o seu lado humano. Ele não consegue ajudar as pessoas que mais importam em sua vida – a tia May (Rosemary Harris), o seu objeto de afeição Mary Jane Watson (Kirsten Dunst) e o melhor amigo Harry Osborn (James Franco) – e, por causa disso, aposenta o seu uniforme. Um novo vilão, no entanto, o faz voltar à ativa.

Na terceira aventura do herói nos cinemas, “Homem-Aranha 3”, Peter Parker está, provavelmente, no momento mais especial de sua vida. Tudo está dando certo. Ele continua conciliando a faculdade e o trabalho como fotógrafo e, além disso, conquistou de vez o amor de Mary Jane – com quem pretende se casar. Quando a polícia o procura para dizer que o verdadeiro assassino de seu tio, Flint Marko (Thomas Haden Church), fugiu da cadeia, Peter começa a flertar com o sentimento da vingança, que o vai consumindo aos poucos.

O elemento mais interessante do roteiro de “Homem-Aranha 3”, que foi escrito por Sam Raimi, Ivan Raimi e Alvin Sargent, é a compreensão maior que eles nos oferecem sobre os vilões do herói. Eles são pessoas comuns, que se deixaram abater por suas obsessões (a sede de vingança no caso de Harry, a vontade de humilhar aquele que lhe causou o mal no caso de Eddie Brock/Venon – interpretado por Topher Grace – e o desejo de conseguir o dinheiro que pode trazer a saúde de sua filha de volta no caso de Flint Marko). Parker também tem a sua obsessão (encontrar para a polícia o assassino foragido de seu tio) e será consumido por esse lado negro (o Aranha abandona seu habitual uniforme em prol de um traje todo preto), se transformando num cara um tanto arrogante, seguro de si e cheio de “mojo” (a única coisa meio ridícula nisso tudo é o visual meio “emo”, com franjinha na cara e lápis preto no olho), que usa o seu poder exclusivamente para o seu bem próprio.

“Homem-Aranha 3” não é o melhor filme da série, mas é, provavelmente, o filme mais divertido da franquia até agora. Assistir Tobey Maguire se divertindo na pele do Peter Parker do lado negro vale o ingresso. O filme tem poucas cenas de ação (mas, acredite, todas as lutas entre o herói e seus vilões valem a pena) e o importante aqui é aprofundar de vez a construção do personagem Peter Parker e, principalmente, o de Mary Jane (pela primeira vez, vemos os seus medos e conflitos). Vale tirar o chapéu para Sam Raimi pela coragem de terminar “Homem-Aranha 3” sem um gancho para a continuação. A grande surpresa aqui é ver um filme que tem um começo, um meio e um fim bem desenhados. Acho que o Homem-Aranha acabou de passar pela sua fase de transição. Peter Parker não é mais aquele jovem tímido e desajeitado. Ele está entrando na sua vida adulta – e “Homem-Aranha 3” mostra isto com perfeição.

Cotação: 8,5

Crédito Foto: Yahoo! Movies

Apocalypto (2006)

As primeiras cenas de “Apocalypto”, filme do diretor Mel Gibson, podem enganar bastante. Nelas, a platéia encontra um retrato perfeito do dia-a-dia de uma tribo que vive na época do Império Maia. Em plena floresta, os homens procuram o alimento com seus apetrechos de caça – e ainda arrumam tempo para fazer brincadeiras entre si. O clima ameno é interrompido quando eles se deparam com uma outra tribo. Com a cara tensa, eles confessam que foram desapropriados e que procuram um novo lugar para um novo começo.

Mal sabiam estes homens que eles teriam o mesmo destino. Representantes do Império Maia invadem as suas terras, sacrificam algumas mulheres e crianças e levam os sobreviventes (especialmente os homens) como prisioneiros. As mulheres restantes são vendidas como escravas, enquanto os homens são colocados para construir novos templos ou para participarem de sacrifícios humanos – numa espécie de política de pão e circo completamente distorcida e bizarra.

“Apocalypto” deixa esta abordagem generalizada de lado quando o roteiro escrito por Mel Gibson e Farhad Safinia decide tratar de maneira particular a história de Jaguar Paw (Rudy Youngblood), o filho de um dos governantes da tribo que assistimos no início do filme. Jaguar é um caçador de mão cheia e que está em contato permanente com seu lado espiritual. No meio do caos que se instala na sua tribo, ele consegue deixar a sua família – a esposa grávida e o filho – escondidos em um local. Agarrado à promessa que fez para a esposa e pela vontade de começar uma nova história, Jaguar inicia uma jornada de volta para casa tendo no seu encalço os representantes do Império Maia.

Podemos encontrar neste filme traços das tramas de outros filmes. As cenas que se passam no show de carnificina promovido pelo Império Maia, com o público parecendo um bando de animais sedento por mais violência, parecem ter sido tiradas de “Gladiador”, de Ridley Scott. A viagem de Jaguar de volta para casa com a lembrança do pedido de sua esposa (“volte por mim”) tem ecos de “Cold Mountain”, de Anthony Minghella; que, por sua vez, tem influências diretas do clássico livro “Odisséia”, de Homero.

O lado diretor de Mel Gibson foi o responsável por um dos filmes mais controversos – e lucrativos – da história recente do cinema: “A Paixão de Cristo”. Com este filme, Gibson inaugurou o seu jeito de fazer cinema. Ele faz os seus próprios roteiros, financia seus próprios projetos e só negocia os direitos de distribuição de suas obras. “Apocalypto” foi feito dessa mesma forma. Aqui, Gibson leva além alguns elementos que utilizou em “A Paixão de Cristo”. O mais notável deles é o fator violência. “Apocalypto” é bem gráfico neste sentido e é cheio de cenas em que o sangue é o detalhe menos chocante.

Se comparado ao filme “A Paixão de Cristo”, “Apocalypto” representa um retrocesso. O filme é cheio de problemas, tem um ritmo lento, a trama se perde em certos momentos e só se recupera no quarto final já com o retrato da jornada de Jaguar Paw para voltar à sua casa. “Apocalypto” também não causou tanto barulho como “A Paixão de Cristo” – e olha que poderia, tendo em vista a prisão de Mel Gibson por desacato à autoridade e por dirigir embriagado. Talvez, o que o filme realmente represente é mais a birra de seu diretor. Gibson tem um ego demasiado grande. Seus filmes são megalômanos. Seria interessante que ele se lembre de outro exemplo de diretor que se deu mal por tentar dar um passo maior do que as pernas. Kevin Costner poderia dar muitas dicas ao Gibson. Ele está precisando.

Cotação: 4,0

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O Bom Pastor (The Good Shepherd, 2006)

Quando Edward Wilson (Matt Damon) tinha seis anos, o pai dele (Timothy Hutton) lhe contou uma história e o fez um pedido – seu último pedido, na verdade: nunca minta para alguém. Infelizmente, Edward não levou o conselho do seu pai a sério, tendo em vista que ele construiu a sua vida com base nas mentiras e nos segredos que mantinha escondidos dos amigos, da família, dos conhecidos e até mesmo dos colegas de trabalho.

Edward, na realidade, é um cara reservado, de poucas palavras e de ações eficazes. Ou seja, ele é o candidato perfeito para encabeçar a Contra-Inteligência, o coração e a alma da CIA – a Agência de Inteligência dos Estados Unidos – que, por sua vez, são os olhos e os ouvidos da nação norte-americana. E é justamente a criação e consolidação do papel da CIA nos acontecimentos determinantes do mundo em que vivemos o objeto principal de estudo do filme “O Bom Pastor”, de Robert de Niro (que encara a cadeira de diretor pela segunda vez em sua carreira).

O filme se passa nos dias que sucederam o 17 de abril de 1961, após a ação desastrada da CIA, que, durante o governo de John Fitzgerald Kennedy tentou invadir – sem sucesso – Cuba pela Baía dos Porcos. Em meio a uma caça às bruxas dentro da própria Agência, que busca um culpado pelo fracasso da ação, Edward começa a relembrar a sua própria jornada pessoal. O início em uma sociedade secreta na Universidade de Yale, o relacionamento verdadeiro que ele estabeleceu com Laura (a excelente Tammy Blanchard, que, finalmente, é descoberta pelas agências de casting de Hollywood) e que foi interrompido bruscamente quando Edward se casou com Margaret (Angelina Jolie) – a irmã de seu melhor amigo John (Gabriel Macht) –, que estava grávida.

Parece que a expressão “interrupção brusca” é uma constante na vida de Edward. Assim como aconteceu com Laura, antes mesmo de construir uma intimidade com Margaret, Edward – devido o seu trabalho na II Guerra Mundial – passa seis anos afastado de casa. Quando volta, Edward mantém um muro cheio de segredos e de privacidade, que o impede de viver um relacionamento mais pleno com Margaret e o filho Junior (Eddie Redmayne).

O roteiro de Eric Roth enfoca muito a solidão da vida de pessoas como Edward. Ele não pode confiar em ninguém ou se envolver profundamente com as pessoas. Tem uma responsabilidade tremenda no seu emprego. Lida diariamente com as noções de verdade e de mentira. Tem que fazer sacrifícios. É praticamente abdicar de qualquer noção de existência – ou, na melhor das hipóteses, ter uma existência o mais discreta possível.

O material que “O Bom Pastor” aborda é denso e bastante delicado. Por muito tempo, o roteiro do filme foi considerado “um dos melhores ainda não filmados por Hollywood”. Já com Robert de Niro no papel de diretor, “O Bom Pastor” sofreu com a desistência de Leonardo di Caprio (o escolhido para ser Edward) na véspera do início das filmagens. Matt Damon se juntou à equipe em cima da hora e faz um trabalho excelente para quem teve tão pouco tempo para compor seu personagem. De Niro entrega um bom filme sobre como as mentiras podem acabar consumindo um homem a ponto de ele não ver mais saída para os seus próprios conflitos. Edward é um prisioneiro de si mesmo e do mundo que ele criou.

Cotação: 6,2

Crédito Foto: Yahoo! Movies

Hannibal - A Origem do Mal (Hannibal Rising, 2007)

Existem alguns personagens que são maiores do que os filmes que estrelaram. Hannibal Lecter, o perigoso e inteligente psicopata criado pelo escritor Thomas Harris, é um deles. Ele já deu as caras em cinco filmes e foi interpretado por três atores diferentes, mas deve a sua fama ao ator galês Anthony Hopkins. Em “O Silêncio dos Inocentes”, filme de Jonathan Demme premiado com os cinco Oscars principais (filme, diretor, ator, atriz e roteiro) em 1992, Hopkins emprestou um certo carisma à loucura de Lecter, fazendo com que o personagem conquistasse a admiração dos cinéfilos.

Em todos os filmes estrelados por Hannibal Lecter – além do já citado “O Silêncio dos Inocentes”, temos “Dragão Vermelho”, de Michael Mann; “Hannibal”, de Ridley Scott; e “Dragão Vermelho”, de Brett Ratner – existe uma mesma dinâmica. As tramas exploram o relacionamento que se estabelece entre Lecter e os representantes da lei (todos eram policiais). Estes precisam que aquele os ajude a desvendar um caso criminal e, aos poucos, vão sendo consumidos pelo jeito frio, calculista, magnético e intuitivo do psicopata.

Este não é o caso de “Hannibal – A Origem do Mal”, do diretor Peter Webber. O filme tem o mesmo papel de uma reportagem que quer apresentar o perfil psicológico de um criminoso. Portanto, conheceremos a história de vida de Hannibal Lecter – aonde ele nasceu, como era a sua família e, principalmente, qual o fato que o fez se transformar naquilo que ele passou a ser.

“Hannibal – A Origem do Mal” começa em plena II Guerra Mundial, na Lituânia, quando o menino Hannibal Lecter (Aaron Thomas) e sua família abandonam o castelo aonde viviam e partem para uma casa de campo em busca de sossego. Os soldados nazistas logo descobrem o esconderijo da família Lecter e estabelecem uma prática que é muito comum nas guerras: se apossam das terras, da riqueza e assassinam a família inteira. Só sobrevivem o menino Hannibal e sua irmã Mischa (Helena Lia Tachovska) – a qual será, mais tarde, assassinada e devorada pelos famintos soldados.

Não precisa nem dizer que as lembranças destes dias vão transformar e atormentar Hannibal Lecter para sempre. E, quando o reencontramos, oito anos depois (já com o ator francês Gaspard Ulliel na sua pele), ele é um estudante de Medicina que vive com a tia (Gong Li) na França, enquanto elabora o plano de sua vingança sob o olhar atento do Inspetor Popil (Dominic West).

É esta atmosfera meio “Kill Bill” que domina “Hannibal – A Origem do Mal”. O diretor Peter Webber se esforça em imprimir uma aura sofisticada ao seu filme. Isso é conseguido – em parte – graças à fotografia de Ben Davis, que distingue bem os momentos de luz e os de trevas na vida de Hannibal Lecter. No entanto, Webber peca em dois pontos fundamentais: no roteiro do escritor Thomas Harris, que é muito fraco e na escalação de Gaspard Ulliel como o famoso Lecter. O ator francês não está preparado para fazer um papel desse tipo e, na tentativa de emular a interpretação já antológica de Anthony Hopkins, dando ênfase à voz e ao olhar, Ulliel só consegue arrancar risos da platéia. O que é uma pena.

Cotação: 4,0

Crédito Foto: Yahoo! Movies

Ó Paí Ó (2007)

O bairro do Pelourinho é uma das regiões mais conhecidas do Centro Histórico da cidade de Salvador, na Bahia. A arquitetura barroca e a forte presença cultural (o local é sede de grupos como a Casa de Jorge Amado, o Grupo Gay da Bahia e o Insituto do Patrimônio Histórico, Artístico e Cultural) são apenas alguns dos atrativos para milhares de turistas que vêm de todo o Brasil e do mundo para conhecer a capital baiana. É nesse local que se dá também a ação da comédia musical “Ó Pai Ó”, da diretora Monique Gardenberg.

O filme se passa durante o Carnaval – a maior manifestação popular da Bahia – e acompanha a vida de um grupo de pessoas que mora em um cortiço. São eles: o pintor e aspirante a cantor Roque (Lázaro Ramos), a imigrante que mora na Suíça Psilene (Dira Paes), o malandro Boca (Wagner Moura, na pior atuação dele no cinema), o comerciante Seu Jerônimo (Stênio Garcia), a religiosa Dona Joana (Luciana Souza), a provocante Rosa (Emanuelle Araújo, ex-vocalista da Banda Eva), o mulherengo Reginaldo (Érico Brás) e os meninos Cosme (Vinícius Nascimento) e Damião (Felipe Fernandes), dentre outros.

“Ó Pai Ó” retrata, através de seus personagens, características que são comuns, não só ao povo baiano, como ao brasileiro. Os personagens são pessoas pobres, porém esforçadas, que tentam viver o seu dia-a-dia com muito humor, ironia, criatividade e música. Neste último caso, são utilizadas – além das canções originais compostas por Caetano Veloso e Davi Moraes -, músicas que já fazem parte da história da Axé Music como “Vem Meu Amor” e “I Miss Her”, do Olodum; “Lili”, do astro do reggae maranhense Edson Gomes; “O Araketu é Bom Demais”, do Ara Ketu; e “Protesto do Olodum”, da Banda Mel.

Baseado na peça de Márcio Mello que foi encenada pelo Bando de Teatro do Olodum, a maior qualidade do filme “Ó Pai Ó” (uma expressão que, em puro baianês, significa “olhe para isso, olhe”) é colocar atores que são gente como a gente e com os quais a identificação é imediata. A diretora e roteirista Monique Gardenberg, na maior parte do tempo, se fixa na idéia de fazer uma crônica da vida desse grupo de pessoas que tem tanta coisa em comum. Os problemas começam já no quarto final do filme, quando Gardenberg passa para o terreno da crítica social, ao abordar a violência que já é tão comum nos bairros mais populares das grandes metrópoles brasileiras. Num filme que era para ser uma ode ao jeito baiano ou brasileiro de ser, esta crítica fica meio perdida.

Cotação: 3,8

Crédito Foto: E-Pipoca