A Espiã (Zwartboek, 2006)

O regime Nazista – bem como seus atos e conseqüências – foi uma matéria-prima bastante explorada pela sétima arte. Mesmo assim, roteiristas e diretores de diversas partes do mundo (afinal, o Nazismo causou efeitos que puderam ser sentidos em todos os lados do globo) ainda conseguem encontrar personagens e histórias interessantes que estavam inseridos naquela época. Este é o caso do diretor holandês Paul Verhoeven, que co-escreveu, ao lado de Gerard Soeteman, o roteiro do filme “A Espiã”.

Estamos no final do Verão de 1944. O esconderijo da bela cantora de origem judaica Rachel Stein (Carice Van Houten) é descoberto e ela é obrigada a fugir – agora na companhia do pai (Jack Vecht), da mãe (Jacqueline Blom) e do irmão Max (Seth Kamphuijs) – com tantos outros judeus para a Bélgica. No entanto, o barco que transportava os refugiados é interceptado por uma patrulha alemã – liderada por Gunther Franken (Waldemar Kobus) – e todos, menos Rachel, são assassinados.

O ocorrido faz com que Rachel decida se juntar à Resistência, grupo que lutava contra a presença alemã na Holanda. Já usando o nome de Ellis de Vris, Rachel se aproxima de Ludwig Muntze (Sebastian Koch, do filme “A Vida dos Outros”), que lhe oferece um emprego dentro do quartel general alemão na Holanda. Na medida em que começa a se envolver emocionalmente com Muntze, Rachel vê sua situação de espiã ficando cada vez mais complicada – ainda mais depois que uma operação de resgate de presos planejada pela Resistência dá completamente errada.

Quem está acostumado com os filmes hollywoodianos do diretor Paul Verhoeven (os mais conhecidos são: “O Homem Sem Sombra”, “Tropas Estrelares”, “Instinto Selvagem”, “O Vingador do Futuro”, Robocop – O Policial do Futuro” e o infame “Showgirls”) irá estranhar muito “A Espiã”. A obra é extremamente tradicional do ponto de vista da linguagem cinematográfica, muito bem realizada e marca o retorno do holandês ao seu país de origem. É como se o longa fosse dirigido por uma pessoa completamente diferente. Com este filme, Verhoeven se viu novamente nas graças dos críticos e quase recebeu uma indicação ao Oscar 2007 de Melhor Filme Estrangeiro. “A Espiã” é uma sucessão de acertos e o maior deles, com certeza, foi a escalação de Carice Van Houten para o papel principal. Ela ilumina a tela e, por sua competente performance, chamou a atenção de diretores como Bryan Singer e Ridley Scott, com os quais trabalhou em “Operação Valquíria” e “Body of Lies”, dois dos filmes mais esperados de 2008.

Cotação: 8,8

A Espiã (Zwartboek, Holanda, Alemanha, Bélgica, 2006)
Diretor(es): Paul Verhoeven
Roteirista(s): Gerard Soeteman, Paul Verhoeven
Elenco: Carice van Houten, Sebastian Koch, Thom Hoffman, Halina Reijn, Waldemar Kobus, Derek de Lint, Christian Berkel, Dolf de Vries, Peter Blok, Michiel Huisman, Ronald Armbrust, Frank Lammers, Matthias Schoenaerts, Johnny de Mol, Xander Straat

MEME: Filmes Subestimados

Recebi do amigo blogueiro cinéfilo Vinícius Pereira (do excelente “Blog do Vinícius”), um MEME no qual devo comentar cinco filmes subestimados. De acordo com Vinícius, se enquadram nessa categoria “os longas que você considera maravilhosos, quase uma obra-prima, mas que a maioria acha apenas bom, ou as premiações o ignoraram”. Foi um pouco difícil escolher somente cinco filmes, mas a seleção abaixo inclui alguns dos meus filmes preferidos e que não receberam o reconhecimento que deveriam.

Aproveito para repassar esse mesmo MEME aos seguintes colegas blogueiros: Weiner (“A Grande Arte”), Marcus Vinícius (do “Caminhante Noturno Cinema”), João Paulo (“Cine JP”), Cassiano (“Museu do Cinema”) e Ramon e Rogério (“Cinema em Casa”).

São eles:

- “A.I. – Inteligência Artificial” (Artificial Intelligence: A.I., 2001, dirigido por Steven Spielberg)
Um projeto que foi acalentado por 21 anos pelo aclamado diretor inglês Stanley Kubrick, “A.I. – Inteligência Artificial” acabou sendo realizado – por sugestão do próprio Kubrick – por Steven Spielberg. O filme conta a jornada do robô David (Haley Joel Osment), que passa a morar com a família Swinton, que sofre com o coma irreversível do filho. A trama sofre um revés quando a criança dos Swinton acorda e volta ao lar. Com ciúmes do amor que é dado ao pequeno robô, Martin (Jake Thomas) consegue fazer com que os pais abandonem David à sua própria sorte. É a partir daí que se tem início ao caminho que David tenta percorrer de forma para que ele se transforme num ser humano de verdade, com sentimentos genuínos e reais. “A.I. – Inteligência Artificial” é uma história de amor diferente, com toques de ficção científica, humor e cenas inesquecíveis; além de ser uma das melhores – e mais subestimadas – obras de Spielberg.

- “Em Luta Pelo Amor” (Dangerous Beauty, 1998, dirigido por Marshall Herskovitz)
Produzido pela dupla Marshall Herskovitz e Edward Zwick (que também são responsáveis pelo excelente seriado “Once and Again”), “Em Luta Pelo Amor” é um dos meus filmes de romance favoritos – pois tem uma história linda, cenas marcantes (especialmente o final) e uma produção caprichadíssima. A história se passa em Veneza (Itália), aonde Veronica Franco (Catherine McCormack) se apaixona por Marco Venier (Rufus Sewell). No entanto, como ele é de uma família rica, a mesma se opõe a um possível casamento entre os dois. Veronica, então, escolhe o único caminho possível para a sua vida e se torna cortesã, vivendo romances com alguns dos homens mais poderosos da cidade. O roteiro ainda tem como pano de fundo a influência da Igreja Católica e a Santa Inquisição, que exerce um papel importante no desfecho do filme.

- “Todos Dizem Eu Te Amo” (Everyone Says I Love You, 1996, dirigido por Woody Allen)
As obras produzidas, nos anos 90, pelo diretor e roteirista Woody Allen ficaram meio que esquecidas no tempo. O caso particular de “Todos Dizem Eu Te Amo” é quase alarmante, já que este musical cheio de nostalgia é um dos filmes mais deliciosos da última década. No filme, iremos entrar em contato com os casos de amor de membros de uma mesma família. Iremos de Nova York à Paris numa verdadeira celebração à felicidade e ao amor. O elemento que eu mais gosto no filme são os números musicais, que (salvo no caso de Drew Barrymore) foram interpretados pelos próprios atores. O resultado: danças desengonçadas, vozes imperfeitas, mas que resultam em cenas que nos deixam com um sorriso no rosto e reforçam a sensação de que estamos assistindo a pessoas reais na tela.

- “A Última Noite” (The 25th Hour, 2002, dirigido por Spike Lee)
Esta obra baseada no livro de David Benioff ficou conhecida como o primeiro filme a ser rodado em Nova York após o 11 de Setembro, por isso muitos dos diálogos da película refletem as mudanças vividas pelos habitantes da cidade após os atentados terroristas. Spike Lee realiza uma de suas obras mais maduras ao contar a história de Montgomery Brogan (Edward Norton, em uma das melhores atuações de sua carreira), um traficante de drogas, que – em sua última noite de liberdade – coloca em termos as relações com os amigos (Philip Seymour Hoffman e Barry Pepper), a namorada (Rosario Dawson) e seu pai (Brian Cox). “A Última Noite” é um filme feito de grandes performances, um bom roteiro, uma edição arrojada e uma trilha sonora marcante de Terence Blanchard.

- “Vidas em Jogo” (The Game, 1997, dirigido por David Fincher)
Entre “Seven – Os Sete Pecados Capitais” e “Clube da Luta”, David Fincher realizou essa pequena obra-prima, que conta a história de Nicholas Van Orton (Michael Douglas), um homem solitário e que ganha de presente de aniversário do irmão (Sean Penn) a oportunidade de brincar com um jogo extremamente real e que mexe com a cabeça de seu participante. Em “Vidas em Jogo”, encontramos alguns dos traços marcantes dos filmes de David Fincher, um diretor que nos transporta completamente para a realidade na qual seu filme está inserido.

61 Anos Sem Virginia Woolf

Há exatamente 61 anos, a escritora inglesa Virginia Woolf se “libertou” após vários anos lutando contra graves crises de depressão. O destino da autora é semelhante ao de muitas outras almas atormentadas da Literatura, mas, assim como acontece com tantos artistas, sua palavra se mantém eterna para aqueles que têm o prazer de entrar em contato com sua extensa obra literária.

Virginia Woolf nasceu em Londres, no dia 25 de Janeiro de 1882, em meio a um ambiente bastante letrado. Ela era a terceira filha do casal Sir Leslie e Julia Stephen (ele era um crítico de literatura e ela era a herdeira da editora Duckworth). Seria impossível negar a influência que tal ambiente teve na vida de Virginia – desde criança, ela começou a se expressar pela escrita, seja através de cartas aos pais ou até mesmo ao redigir a sua primeira crítica literária aos 9 anos. E foi este o início de um longo caminho percorrido por Virginia, que a levaria, mais tarde, à condição de romancista, crítica literária e ensaísta.

Virginia Woolf foi uma escritora que alterou os rumos da narrativa literária no século XX. A grande contribuição que a autora deu para esta forma de arte foi a capacidade que ela tinha de exercer o controle da sua escrita e de penetrar na psicologia e na mente de suas personagens. Nos seus livros, se pode encontrar a boa e clara fluência da escrita séria com os momentos em que ela se deixava levar pelo humor. Ao mesmo tempo, Virginia Woolf transgrediu barreiras ao impor a si mesma um compromisso de sempre fazer experimentos de forma e conteúdo nos seus livros e ao revelar a alma feminina dentro de um campo (literário) no qual predominavam os pontos de vista masculinos (o que fez com que ela também ficasse conhecida como uma das primeiras escritoras a abordar temáticas puramente feministas).

A escritora inglesa foi uma das mais célebres integrantes do grupo Bloomsbury, que teve origem em uma reunião informal entre recém-formados da Universidade de Cambridge (dentre os quais estavam Thoby Stephen, irmão de Virginia Woolf) e evoluiu até ser efetivamente criado, em 1904, por uma série de pessoas que formavam uma vanguarda intelectual como a pintora Vanessa Bell (irmã de Virginia Woolf), o crítico de arte Clive Bell, o economista John Maynard Keynes, o historiador Lytton Strachey, a poeta Vita Sackville-West e o romancista E. M. Forster. Essas pessoas estavam em busca da honestidade intelectual, da verdade e de um ambiente livre de idéias e costumes, por isso mesmo procuraram fugir de qualquer convenção da sociedade.

Muita gente deve conhecer Virginia Woolf através do retrato feito por Nicole Kidman no filme “As Horas” (2002), do diretor Stephen Daldry, o qual rendeu à atriz australiana o Oscar 2003 de Melhor Atriz. Baseado no livro homônimo de Michael Cunningham, “As Horas” faz uma verdadeira homenagem ao estilo Virginia Woolf de se escrever ao colocar em folha e, conseqüentemente, em tela, todas as características de sua linguagem literária (a forma espacial do romance, o tempo da narrativa como o tempo da mente, o fluxo de consciência). O livro/filme é um mergulho nas mentes e nas vidas de três mulheres atormentadas, mas que possuem um algo em comum: a busca pelo sentido de sua existência e por um ideal de felicidade.

No entanto, verdade seja dita: Virginia Woolf foi uma escritora tão à frente de seu tempo que, até hoje, aspirantes a autores se reúnem, anualmente, na cidade de Charleston (local que foi a residência da irmã de Virginia, Vanessa Bell), para estudar seus métodos e suas obras. Como um elemento de curiosidade, uma dessas pessoas foi o escritor Michael Cunningham, que fez do já citado “As Horas” a sua grande homenagem à vida e obra de Virginia Woolf e fez com que tantas outras pessoas também se interessassem pelos livros dela.

O Essencial de Virginia Woolf:
“A Viagem” (1915)
“Noite e Dia” (1919)
“Mrs. Dalloway” (1925)
“Rumo ao Farol” (1927)
“Orlando – Uma Biografia” (1928)
“As Ondas” (1931)
“Entre os Atos” (1941)

Adaptações Baseadas em Obras de Virginia Woolf:
“Golven” (1982)
“Orlando – A Mulher Imortal” (1992)
“Mrs. Dalloway” (1997)

Coisas que Perdemos Pelo Caminho (Things We Lost in the Fire, 2007)

Brian Burke (David Duchovny) é um bem-sucedido construtor, do tipo que nunca terá problemas com sua conta bancária. No lado pessoal, ele também não tem do que reclamar, já que é muito bem casado com Audrey (Halle Berry) e tem dois lindos e inteligentes filhos chamados Harper (Alexis Llewellyn) e Dory (Micah Berry, que, apesar do mesmo sobrenome, não é parente da sua colega de elenco famosa). É a rotina de sua família que iremos acompanhar na primeira meia hora de “Coisas que Perdemos Pelo Caminho”, da diretora dinamarquesa Susanne Bier. São essas cenas que reforçam o sentimento – a partir da descoberta do falecimento de Brian, em circunstâncias trágicas – de que a morte não é nada justa.

O roteiro de Allan Loeb abroda a maneira como aqueles que sobrevivem encaram a perda. No caso de “Coisas que Perdemos Pelo Caminho”, acompanhamos o que ocorre com a viúva Audrey e com Jerry Sunborne (Benicio del Toro), o melhor amigo de Brian. Enquanto a primeira está doida para encontrar uma maneira de fugir da realidade em que está inserida desde a morte do marido; o segundo – que é um viciado em heroína em recuperação e foi morar com a família Burke, a convite de Audrey – tenta colocar a sua vida nos eixos, ao mesmo tempo em que procura fugir da transferência que é até natural, já que ele não está na residência da família Burke para suprir a ausência de Brian ou substituí-lo.

“Coisas que Perdemos Pelo Caminho” é um daqueles filmes que nos dá uma sensação de deja-vu. Até a dupla de atores principais já interpretou esses personagens anteriormente. Entretanto, é importante notar que o trabalho de Susanne Bier é completamente honesto e a diretora realiza um filme sensível, que nunca descamba para um lado melancólico. O roteiro se interessa pela transformação que acontece com Audrey e Jerry e faz uma analogia muito original entre a morte e a vida sem o vício. Em comum entre as duas situações, o fato de que, para sobreviver, temos que encarar um dia de cada vez.

Cotação: 6,2

Coisas que Perdemos pelo Caminho (Things We Lost in the Fire, EUA, Inglaterra, 2007)
Diretor(es): Susanne Bier
Roteirista(s): Allan Loe
Elenco: Halle Berry, Benicio Del Toro, David Duchovny, Alexis Llewellyn, Micah Berry, John Carroll Lynch, Alison Lohman, Robin Weigert, Omar Benson Miller, Paula Newsome, Sarah Dubrovsky, Maureen Thomas, Patricia Harras, V.J. Foster, Caroline Field

Senhores do Crime (Eastern Promises, 2007)

A história de Tatiana (Sarah-Jeanne Labrosse) é igual a de muitas outras jovens que saem do Leste Europeu em busca de oportunidades melhores de vida. No caso particular dela, a garota deixa a família para trás e embarca para Londres, aonde não obtém a ajuda esperada e acaba caindo nas mãos da Máfia Russa, que a transforma em uma prostituta. Aos 14 anos, grávida e vítima de todo tipo de abuso físico e/ou psicológico, Tatiana morre pouco tempo depois de dar a luz à filha, que recebe o nome de Christine.

É a partir deste último acontecimento que toda a trama de “Senhores do Crime”, do diretor David Cronenberg, é desenvolvida. E, na história criada por Steven Knight, encontraremos três núcleos bem interessantes: o da parteira Anna (Naomi Watts, um pouco desperdiçada), o do motorista Nikolai (Viggo Mortensen, em uma performance que lhe rendeu uma indicação ao Oscar 2008 de Melhor Ator) e o dos mafiosos Semyon (Armin Mueller-Stahl, excelente) e Kirill (Vincent Cassel, ótimo). Todos esses personagens possuem algo em comum: o diário de Tatiana. O interesse por desvendar – e, em alguns casos, esconder – as palavras da garota é que nos faz mergulhar no mundo sórdido e marcado pela traição da Máfia Russa.

Assim como fez em seu filme anterior (“Marcas da Violência”), o diretor David Cronenberg mostra as relações da máfia de uma maneira completamente diferente. Se em “Marcas”, Cronenberg enfocava a porção de ódio que existe em cada um de nós; em “Senhores do Crime”, o diretor abusa de cenas que mostram a vulnerabilidade de todos os personagens que vemos em tela. No entanto, o curioso é que o filme não é marcado por um tom obscuro, e sim reflete a vontade de oferecer a alguém que ainda nem deu seus primeiros passos uma vida isenta de todo o sofrimento e solidão que estão presentes em abundância nas dos outros personagens de “Senhores do Crime”.

Cotação: 6,5

Senhores do Crime (Eastern Promises, Inglaterra, Canadá, EUA, 2007)
Diretor(es): David Cronenberg
Roteirista(s): Steven Knight
Elenco: Josef Altin, Mina E. Mina, Aleksandar Mikic, Sarah-Jeanne Labrosse, Lalita Ahmed, Badi Uzzaman, Naomi Watts, Doña Croll, Raza Jaffrey, Sinéad Cusack, Jerzy Skolimowski, Tatiana Maslany, Viggo Mortensen, Vincent Cassel, Armin Mueller-Stahl

Os Cem Anos de David Lean

Se estivesse vivo, o cineasta inglês David Lean completaria hoje, dia 25 de março, 100 anos de idade. Nascido na cidade de Croydon, no condado de Surray (Inglaterra), Lean era de uma família bastante tradicional, que o proibia de ir ao cinema durante a infância. Até chegar ao posto de diretor de um longa-metragem (sua estréia aconteceu em 1942, com o filme “Nosso Barco, Nossa Alma”, que ele co-dirigiu com Noel Coward), Lean serviu chá e exerceu as funções de carregador de latas de negativos, editor e mensageiro num estúdio londrino.

O reconhecimento veio com as suas adaptações de duas famosas obras do escritor Charles Dickens: “Grandes Esperanças” (1946) e “Oliver Twist” (1948). No entanto, David Lean deixou sua marca definitiva no cinema com filmes que carregavam em si as grandes marcas do estilo do diretor, como o perfeccionismo e o detalhismo. São eles: “A Ponte do Rio Kwai” (1957), “Lawrence da Arábia” (1962) e “Doutor Jivago” (1965).

Com estes filmes, os quais possuem uma característica clássica e refinada, David Lean influenciou uma série de outros diretores – notadamente o diretor Anthony Minghella (que faleceu recentemente) e seu “O Paciente Inglês” (1996).

David Lean recebeu, em 1984, o título de Cavaleiro do Império Britânico e faleceu no dia 16 de Abril de 1991, em Londres, pouco tempo antes de começar as filmagens de “Nostromo”, filme que seria baseado na obra homônima de Joseph Conrad.

Para homenagear o diretor, o Cinéfila por Natureza coloca aqui o vídeo de uma das mais clássicas trilhas sonoras de todos os tempos: a de “Doutor Jivago”, composta pelo francês Maurice Jarre (que também trabalhou com David Lean em “Lawrence da Arábia”). A apresentação aconteceu em 1992, num tributo feito ao diretor.

As Crônicas de Spiderwick (The Spiderwick Chronicles, 2008)

Quando escrevemos a respeito do filme “Meu Monstro de Estimação”, do diretor Jay Russell, falamos a respeito da última safra de filmes infantis, os quais possuem uma qualidade estética impressionante e uma trama nada açucarada. “As Crônicas de Spiderwick”, do diretor Mark Waters (“Sexta-Feira Muito Louca”, “E Se Fosse Verdade” e “Meninas Malvadas”), é outro exemplar desse gênero, já que sua trama principal mostra as crianças passando por situações difíceis de forma que possam fortalecer seus laços familiares.

Após se separar do marido (Andrew McCarthy), Helen Grace (Mary-Louise Parker, do seriado “Weeds”) se muda com os três filhos – os gêmeos Jared e Simon (ambos interpretados por Freddie Highmore) e a jovem Mallory (uma crescida Sarah Bolger, de “Terra de Sonhos”) – para uma casa que ela herdou da tia Lucinda (Joan Plowright). Jared, especialmente, anda um pouco arredio por causa da mudança e, principalmente, da separação dos pais.

É justamente Jared que irá entrar em contato com o grande segredo que está guardado entre as paredes da casa da família: um livro escrito por Arthur Spiderwick (David Strathairn) e que é uma espécie de guia para as criaturas fantásticas que nos rodeiam. No entanto, nem todos esses seres são bonzinhos e os irmãos Grace se vêem envolvidos em um conflito no qual têm que proteger, a todo custo, o livro para que ele não caia nas mãos erradas – leia-se nas de Mulgarath (Nick Nolte), o qual poderá destruir o mundo se conseguir a posse do guia escrito por Arthur.

Baseado na série de livros homônimos de Tony DiTerlizzi e Holly Black, “As Crônicas de Spiderwick” é um filme extremamente cativante. Apesar de ter sido feito para o público infantil, como uma espécie de aperitivo para o que veremos mais tarde em “As Crônicas de Nárnia – Príncipe Caspian”, a obra conta com uma equipe técnica que irá encher os olhos dos cinéfilos: o diretor de fotografia é Caleb Deschanel (que foi cinco vezes indicado ao Oscar), a excelente música original é de James Horner (o autor do tema de “Titanic”), a edição é de Michael Kahn (o habitual colaborador de Steven Spielberg) e um dos autores do roteiro é o aclamado diretor John Sayles.

Cotação: 8,5

As Crônicas de Spiderwick (The Spiderwick Chronicles, EUA, 2008)
Diretor(es): Mark Waters
Roteirista(s): Karey Kirkpatrick, David Berenbaum, John Sayles (baseado nos livros de Tony DiTerlizzi e Holly Black)
Elenco: Freddie Highmore, Sarah Bolger, Nick Nolte, Mary-Louise Parker, Joan Plowright, David Strathairn, Seth Rogen, Jordy Benattar, Martin Short, Andrew McCarthy, Tod Fennell, Mariah Inger, Jeremy Lavalley, Lise Durocher-Viens, Tyler Patrick Jones

Ponto de Vista (Vantage Point, 2008)

Os olhos do mundo estão voltados para a cidade de Salamanca, na Espanha. É nessa localidade que o presidente dos Estados Unidos, Henry Ashton (William Hurt), e o prefeito De Soto (José Carlos Rodriguez) irão assinar um acordo que desempenhará um importante papel na luta contra o terrorismo. Neste contexto, uma informação é bastante repetida pela repórter (Zoe Saldana) que cobre o evento: quase 5 milhões de pessoas, em todo o mundo, já morreram em decorrência de ataques terroristas. E, como bem mostra uma das primeiras cenas de “Ponto de Vista”, do diretor Pete Travis, outras tantas ainda estão sob forte ameaça.

O roteiro de Barry Levy mostra o atentado sofrido pelo presidente Ashton e a subseqüente detonação de uma bomba no local aonde o acordo será assinado. É a partir deste acontecimento que o roteirista desenvolve a sua trama, a qual mostra os diferentes pontos de vista de diversas pessoas que testemunharam o ataque. Temos os agentes Thomas Barnes (Dennis Quaid) e Kent Taylor (Matthew Fox), o turista Howard Lewis (Forest Whitaker), a produtora Rex Brooks (Sigourney Weaver) e o grupo formado por Javier (Edgar Ramirez), Suarez (Said Taghmaoui), Veronica (Ayelet Zurer) e Enrique (Eduardo Noriega). A partir do que nos é relatado, vamos ligando as informações e chegando à verdade sobre tudo o que aconteceu naquele momento.

À primeira vista, o recurso narrativo utilizado pelo roteirista Barry Levy parece ser muito interessante. No entanto, esta não é a primeira vez que tal solução foi utilizada no cinema. Como acontece em outros filmes de tramas fragmentadas, “Ponto de Vista” sofre com a irregularidade entre uma história e outra. De qualquer maneira, o diretor Pete Travis realiza um bom trabalho dando unidade ao filme. As cenas de ação que ele dirige, especialmente aquela que mostra uma perseguição de carros nas ruas de Salamanca, são muito boas.

Cotação: 7,7

Ponto de Vista (Vantage Point, EUA, 2008)
Diretor(es): Pete Travis
Roteirista(s): Barry L. Levy
Elenco: Dennis Quaid, Matthew Fox, Forest Whitaker, Bruce McGill, Edgar Ramirez, Saïd Taghmaoui, Ayelet Zurer, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, William Hurt, James LeGros, Eduardo Noriega, Richard T. Jones, Holt McCallany, Leonardo Nam

Horton e o Mundo dos Quem! (Horton Hears a Who!, 2008)

A arma mais poderosa de uma criança é a imaginação que ela possui, a capacidade que ela tem de se transportar a novos mundos e a novas situações. O elefante simpático Horton (dublado por Jim Carrey) é um prato cheio nesse sentido. Ele é a companhia freqüente – e adorada – dos bichinhos da floresta aonde vive. No entanto, não são todas as pessoas do local que acham que ele exerce uma boa influência sobre os pequeninos. A Kangaroo (dublada pela comediante Carol Burnett) acha que a imaginação dele é maléfica e, por isso, faz de Horton o seu inimigo número um.

As suspeitas de Kangaroo parecem ser confirmadas a partir do momento em que Horton alega ter ouvido um estranho pedido de socorro que parece vir de um microscópico grão de poeira que flutua no ar. O clamor em questão vem do prefeito (dublado por Steve Carell) de Quemlândia, uma terra de seres minúsculos. Enquanto os amigos do elefante começam a achar que Horton enlouqueceu de vez, ele se dispõe a ajudar o prefeito a encontrar um local seguro no qual Quemlândia possa permanecer vivendo em comunidade.

Baseado em uma obra do famoso escritor infantil Dr. Seuss, “Horton e o Mundo dos Quem”, animação dos diretores Jimmy Hayward e Steve Martino, é uma ótima adaptação. Produzida pelo Blue Sky Studios (o mesmo de “A Era do Gelo”), o filme é a prova de que eles também sabem fazer desenhos com muito bom humor, ao mesmo tempo em colocam nos roteiros aquelas mensagens positivas típicas de filmes desse gênero e que passam algum valor às crianças. O ponto mais alto de “Horton e o Mundo dos Quem”, no entanto, é o fato de que a obra possui um final conciso e que não deixa dúvidas de que a felicidade ali está.

Cotação: 7,5

Horton e o Mundo dos Quem! (Horton Hears a Who!, EUA, 2008)
Diretor(es): Jimmy Hayward, Steve Martino
Roteirista(s): Ken Daurio, Cinco Paul (com base no livro de Dr. Seuss)
Com as vozes de: Jim Carrey, Steve Carell, Jonah Hill, Seth Rogen, Isla Fisher, Will Arnett, Dane Cook, Selena Gomez, Jaime Pressly, Dan Fogler, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Amy Poehler, Carol Burnett, Josh Flitter, Laura Ortiz

A Vida dos Outros (Das Leben der Anderen, 2006)

Em 1985, aqueles que viviam na República Democrática Alemã (RDA) estavam submetidos à completa investigação por parte da Stasi, que era a principal organização de polícia secreta e inteligência do lado soviético da Alemanha. Qualquer passo em falso era a razão perfeita para horas de interrogatório, em que o soldado da Stasi só liberava seu prisioneiro depois de conseguir a informação que queria. O prólogo de “A Vida dos Outros”, filme do diretor e roteirista Florian Henckel Von Donnersmarck, mostra muito bem como funcionam as técnicas de interrogação dos membros da Stasi.

É bem sabido que, em regimes bastante repressivos, os artistas em geral – principalmente aqueles que possuem o dom da palavra – são pessoas que incorporam a voz da resistência, usando de certos artifícios que somente a arte pode oferecer. O famoso dramaturgo George Dreyman (Sebastian Koch) acaba de estrear sua nova peça. Na platéia, Wiesler (Ulrich Muhe) e Anton Grubitz (Ulrich Tukur). Os dois são membros da Stasi. Dreyman é um escritor querido pelo regime e age sem qualquer suspeita, mas cometeu um erro gravíssimo: namorar a atriz Christa-Maria Sieland (Martina Gedeck).

Com ciúmes de George Dreyman, o ministro Bruno Hempf (Thomas Thieme), que é bastante atraído por Christa-Maria Sieland, ordena que Wiesler e Grubitz investiguem por completo a vida de Dreyman e, principalmente, achem qualquer tipo de informação controversa a seu respeito para que ele suma e deixe o caminho livre para que o ministro possa conquistar a atriz. É no decorrer da investigação, da rotina de escutas e de perseguições que se desenrolam as melhores partes de “A Vida dos Outros”. O interessante aqui é perceber as mudanças que se estabelecem em Dreyman e, especialmente, Wiesler. O oficial se envolve tanto na investigação que começa a comprometer o seu trabalho como agente da Stasi.

Vencedor do Oscar 2007 de Melhor Filme Estrangeiro, “A Vida dos Outros” é um trabalho impressionante. Desde o roteiro e direção de Florian Henckel Von Donnersmarck, passando pela trilha sonora de Stéphane Moucha e Gabriel Yared, pela fotografia de Hagden Bogdanski e terminando na performance do elenco (em especial as de Ulrich Muhe e Martina Gedeck), o filme mostra uma qualidade digna de ser considerado um dos melhores lançamentos daquele ano. O diretor só erra na parte final do seu filme, que se estende demais.

Cotação: 9,7

A Vida dos Outros (Das Leben der Anderen, Alemanha, 2006)
Diretor(es): Florian Henckel von Donnersmarck
Roteirista(s): Florian Henckel von Donnersmarck
Elenco: Martina Gedeck, Ulrich Mühe, Sebastian Koch, Ulrich Tukur, Thomas Thieme, Hans-Uwe Bauer, Volkmar Kleinert, Matthias Brenner, Charly Hübner, Herbert Knaup, Bastian Trost, Marie Gruber, Zack Volker Michalowski, Werner Daehn, Martin Brambach

American Idol 7 - Top 12 Revelado

No programa de ontem à noite, aqueles que estão acompanhando a sétima temporada do programa “American Idol”, pela Sony Entertainment Television (que, dessa vez, ajudou os fãs brasileiros ao colocar somente uma semana de atraso para os Estados Unidos), conheceram os cantores que fazem parte do Top 12 do show e que brigarão, efetivamente, pelo posto de novo Ídolo norte-americano.

Os produtores e o trio de jurados (Randy Jackson, Paula Abdul e Simon Cowell) são unânimes em dizer que este é o melhor Top 12 de todos os tempos. Esta afirmação, no entanto, é um tanto exagerada. É óbvio que existem muitos talentos no grupo (o que deve fazer a segunda metade do programa ter uma disputa bastante acirrada), mas, como sempre, encontramos aqueles candidatos medianos, que só estão aqui para fazer figuração e lutarem por uma das 10 vagas na turnê do programa.

Este seria o melhor Top 12 de todas as temporadas de “American Idol” se o público norte-americano não tivesse eliminado precocemente a promissora Alaina Whitaker (a sósia de Carrie Underwood) e, no último programa, a dupla Asia’h Epperson (uma cantora de estilo único, com sua voz rouca) e Danny Noriega (que era garantia de entretenimento).

O Cinéfila por Natureza faz um comentário sobre cada um dos participantes que fazem parte do Top 12 da sétima temporada de “American Idol”:

- Amanda Overmyer, 23 anos: Pode não parecer, mas essa figura da foto é uma enfermeira especializada em doenças respiratórias, mas que, nas horas vagas, adora pilotar sua Harley Davidson. A “Rock ‘n Roll Nurse” (apelido carinhoso dado pelo jurado Randy Jackson) parece ter saída dos anos 60. Sua voz bluesy, suas performances inflamadas e seu estilo único renderam comparações com a cantora Janis Joplin. Injustamente apoiada pelo site “Vote for the Worst”, Amanda é tudo aquilo que o “American Idol” representa: a busca por um talento cru e desconhecido. A favor dela, além de seu talento, o fato de que o nicho de mercado dela é bastante necessitado, afinal qual a grande cantora solo de rock da atualidade?
Melhor momento: Após um começo turbulento, Amanda mostrou todo o seu talento, domínio de palco e capacidade de levantar a platéia com sua performance de “I Hate Myself for Loving You”, de Joan Jett and the Blackhearts.

- Brooke White, 24 anos: Brooke começou sua trajetória no “American Idol” com o pé esquerdo, ao apostar na imagem de “boa moça” (o que ela, de fato, é). Após algumas piadinhas em relação ao seu estilo “excessivamente feliz”, Brooke decidiu colocar em pauta aquilo que realmente importa: seu talento. A participante tem uma clara influência da música folk norte-americana e de artistas como Carly Simon e tem surpreendido ao criar arranjos que deixam as músicas que ela escolhe com a sua cara. Brooke é uma daquelas cantoras que vai te conquistando aos poucos e ela tem tudo para crescer – e muito – e se tornar uma favorita a vencer o “American Idol”.
Melhor momento: Ao cantar uma versão acústica de “Love is a Battlefield”, de Pat Benatar, Brooke marca o momento da virada em sua participação no programa.

- Carly Smithson, 24 anos: Após ser descoberta sua ligação com uma gravadora que, na época, era dirigida pelo jurado Randy Jackson, Carly se transformou na participante mais polêmica dessa sétima temporada de “American Idol”. Os fãs do programa, aliás, ouviram falar dela bem antes do programa começar, quando os jurados eram unânimes em dizer que ela era a favorita para vencer neste ano. No entanto, até agora, a irlandesa radicada na Califórnia não confirmou as expectativas. Entretanto, nunca despreze as capacidades de uma boa cantora como ela. Carly pode, sim, chegar lá.
Melhor momento: Ao cantar “Crazy on You”, do Heart, Carly prova o por quê de tanto barulho em torno dela.

- Chikezie Eze, 22 anos: O teste dele foi um dos melhores, mas, em programas recentes, Chikezie não conseguiu mostrar o por quê de ele estar no Top 12 de “American Idol”. Por isso, muita gente pode questionar sua presença nessa fase do programa. No entanto, Chikezie é um daqueles participantes que é uma incógnita. Você não sabe o que esperar dele, mas faço uma previsão: acho que ele não chega ao top 6.
Melhor Momento: Ao cantar “I Believe to My Soul”, de Ray Charles, podemos perceber fragmentos do talentoso Chikezie que se apresentou no primeiro teste.

- David Archuleta, 17 anos: O primeiro dos Davids é a versão masculina de Jordin Sparks (vencedora da sexta temporada de “American Idol”). Ganhador da categoria Junior do “Star Search”, Archuleta é um dos mais talentosos participantes do programa nesse ano. Carismático e fofo, David A. é o queridinho da torcida – basta ver a quantidade de gritos que ele recebe antes, durante e depois de cada performance. Favorito absoluto a vencer o “American Idol”.
Melhor momento: Sua apresentação de “Imagine”, de John Lennon, recebeu o seguinte comentário exagerado da jurada Paula Abdul: “esta é a melhor versão dessa música, após a original”.

- David Cook, 25 anos: O aprendiz de Chris Daughtry (o participante mais bem-sucedido da quinta temporada de “American Idol”) desse ano. David C. segue os mesmos passos de Brooke White e é um participante que vai te conquistando aos poucos. Ao mesmo tempo em que se mantém fiel à sua origem roqueira, Cook entende que o “American Idol” é um concurso de popularidade e, por isso, tem se preocupado em parecer agradável e em escolher músicas que são conhecidas do grande público. Outro que pode surpreender.
Melhor momento: Ao cantar “Hello”, de Lionel Richie, Cook ganha pontos por transformar essa música cafona em algo que agrada aos nossos ouvidos.

- David Hernandez, 24 anos: A versão masculina de Diablo Cody. Explico: a imprensa norte-americana descobriu que David H. costumava trabalhar como stripper em uma boate masculina. Como essa profissão está na moda, os norte-americanos (que formam uma sociedade extremamente conservadora) nem se importaram muito com a revelação e Hernandez conquistou um lugar no Top 12. Um cantor de voz excelente, Hernandez chama a atenção pela maneira como se coloca no palco. No entanto, acho que ele é um dos participantes que não chegará longe nesta edição.
Melhor Momento: Ao cantar “Papa Was a Rolling Stone”, do The Temptations, Hernandez prova porque merece estar no Top 12 do programa.

- Jason Castro, 20 anos: Como não teve exposição nenhuma durante as fases de teste e de Hollywood, muita gente ficou surpreendida com a passagem de Jason Castro ao Top 24. Nas três semanas em que se apresentou, Castro provou ser um cantor de talento diferente. Ele não tem a voz marcante de David Archuleta, mas sabe usar suas limitações a seu favor, ao escolher músicas que funcionam perfeitamente com seu alcance vocal. Revertida essa primeira desvantagem, Castro conquistou uma boa base de fãs e pode chegar longe nessa temporada de “American Idol”.
Melhor momento: Ao cantar “Hallelujah”, de Leonard Cohen, Jason Castro empurrou a música original de volta às paradas.

- Kristy Lee Cook, 24 anos: Assim como Carly Smithson, Kristy Lee Cook também já teve um contrato com uma gravadora. Não obteve sucesso e voltou a trabalhar como treinadora de cavalos. Única representante do estilo country, a participação na sétima temporada de “American Idol” é a segunda chance que ela tem para provar que pode fazer sucesso. No entanto, a julgar pela qualidade de suas apresentações, Lee Cook não vai chegar lá.
Melhor momento: Ao cantar “Amazing Grace”. Esta música é o grande trunfo de Lee Cook (ela já apresentou a mesma em duas oportunidades, durante as fases de testes e de Hollywood) e a única que ela parece cantar realmente bem.

- Michael Johns, 29 anos: Australiano de nascimento, Michael Johns foi o participante que chegou ao top 24 com mais moral. Ele tem experiência (já participou de algumas bandas e também teve contrato com gravadora) e sabe muito bem qual a sua identidade musical: o rock. No entanto, depois de arrasar nos programas de Hollywood, Johns parece que desapareceu e não confirmou aquilo que poderia ser: favorito a vencer o “American Idol”. No entanto, ainda dá tempo dele virar o jogo.
Melhor momento: Ao cantar a clássica “Light My Fire”, de The Doors, Michael prova o talento que tem.

- Ramiele Malubay, 20 anos: Na minha opinião, Ramiele é a melhor participante do sexo feminino dessa sétima temporada de “American Idol”. Uma cantora de muitos recursos, Malubay tem uma voz que lembra a de uma cantora antiga. Esse seu vocal contrasta muito com a imagem jovem dela e este é o grande desafio dela no programa: provar que pode ser contemporânea. Se seguir a tradição da outra filipina que participou do “American Idol” (Jasmine Trias, da terceira temporada), Ramiele chegará longe.
Melhor momento: Ao cantar “You Don’t Have to Say You Love Me”, de Dusty Springfield, Ramiele mostra porque pode ser a pedra no calçado de David Archuleta.

- Syesha Mercado, 21 anos: Nas suas primeiras apresentações, peguei um pouco no pé dela, pois Syesha, às vezes, confunde cantar com gritar. Além de ter que trabalhar nisso, Syesha poderia mudar um pouco a maneira como se apresenta ao público: suas entrevistas e vídeos de apresentação soam extremamente artificiais e podem fazer com que o público a veja de forma antipatizada.
Melhor momento: Ao cantar "Me and Mr. Jones", de Billy Paul, Syesha prova como sua voz fica linda quando ela decide deixar os gritos para trás.

Na próxima semana, a Sony Entertainment Television começa a fase de teatro do programa, com o show em que os participantes terão que cantar músicas do songbook de John Lennon e Paul McCartney. A responsabilidade será grande. É aqui que o bicho começa a pegar. O Cinéfila por Natureza já tem seus favoritos. E você?

Hitman - Assassino 47 (Hitman, 2007)

Baseado em um jogo de videogame, “Hitman – Assassino 47”, do diretor francês Xavier Gans, conta a história de um atirador profissional conhecido apenas como Agente 47 (Timothy Olyphant, o vilão de “Duro de Matar 4.0”). A “Agência” que o recrutou tem um perfil bem específico de assassino. Ela atua selecionando crianças órfãs e fazendo meio que uma lavagem cerebral nelas, de forma que a única coisa que eles saibam fazer direito é matar - por exemplo, o personagem principal do filme tem uma dificuldade enorme em estabelecer relacionamentos com outras pessoas.

Toda a trama do filme se passa na Europa Oriental, mais precisamente na Rússia e na Turquia, localidade aonde o Agente 47 passará um tempo fazendo uma importante tarefa. Seu alvo é o presidente russo Mikhail Belicoff (Ulrich Thomsen). No entanto, como sempre acontece em filmes do gênero, algo dá errado e o Agente 47 tem que correr atrás da verdade – ao mesmo tempo em que tem que proteger Nina Boronina (Olga Kurylenko, a futura Bond Girl), a namorada de Belicoff, e fugir da Interpol (representada pelo inspetor interpretado por Dougray Scott) e da Polícia Secreta Russa (representada pelo agente interpretado por Robert Knepper).

“Hitman – Assassino 47” é um filme que, mesmo tendo uma trama batida, surpreende em vários momentos. As cenas de ação são muito estilosas. Timothy Olyphant se sai bem como o assassino sem coração e a trama é desenvolvida de forma agradável. Os únicos elementos que destoam no filme são o ator Dougray Scott, que – aparentemente – desaprendeu a atuar e a utilização da belíssima “Ave Maria” como a música que representa o ritual de formação de assassinos na “Agência”.

Cotação: 5,2

Hitman - Assassino 47 (Hitman, França, EUA, 2007)
Diretor(es): Xavier Gens
Roteirista(s): Skip Woods
Elenco: Timothy Olyphant, Dougray Scott, Olga Kurylenko, Robert Knepper, Ulrich Thomsen, Michael Offei, Henry Ian Cusick

Actress Psychic Contest

Nathaniel Rogers, do blog “The Film Experience”, lançou ontem a segunda edição do Actress Psychic Contest, um concurso em que os participantes enviam suas listas de previsões para a categoria de Melhor Atriz do Oscar 2009 com um ano de antecedência.

Quem participou do concurso no ano passado verá que Nathaniel fez algumas mudanças no regulamento, oferecendo pontos adicionais que permitirão que, mesmo que algumas de suas candidatas forem esquecidas pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, você continue na disputa, já que elas foram lembradas no decorrer de 2008 como aspirantes ao Oscar.

A blogueira que vos fala participou da edição passada e já mandou a sua lista de previsões para 2009. Quem também quiser arriscar a sorte e participar do Actress Psychic Contest é só visitar esta página, que encontrará as informações necessárias, inclusive uma lista com mais de 50 nomes de atrizes para ajudar na difícil tarefa que é selecionar somente 5 delas.

Divulgado o Primeiro Trailer de "The Incredible Hulk"

Após meses de espera, finalmente, a Marvel Comics liberou o primeiro trailer de "The Incredible Hulk", do diretor Louis Leterrrier. Nele, uma pequena amostra a respeito do tema principal do filme: a luta de Bruce Banner (Edward Norton) para compreender o que aconteceu com ele e, posteriormente, a aceitação de seu poder. Além disso, o trailer mata a curiosidade dos fãs do Monstro Verde a respeito da maneira como ele será apresentado em tela.



"The Incredible Hulk" estréia no dia 13 de Junho, nos Estados Unidos.

Numa nota paralela ainda a respeito do filme, a jornalista Nikki Finke relatou, em seu site, que estão ocorrendo certas divergências entre Edward Norton e a Marvel Comics sobre como o filme deve ser editado. Aparentemente, Edward quer que a Marvel cumpra a promessa de que ele estará totalmente envolvido em todas as etapas deste projeto.

10.000 A.C. (10.000 B.C., 2008)

Assim que termina a exibição de “10.000 A.C.”, filme do diretor Roland Emmerich (que co-escreveu o roteiro ao lado de Harald Kloser), é impossível não pensar em “Apocalypto”, do diretor Mel Gibson. Existem muitas semelhanças entre os dois filmes. A principal, além de se passarem numa época e civilização antigas, é o fato de que toda a trama das duas obras se move pelo resgate da mulher amada e pela vontade de se iniciar uma nova história dentro da pequena comunidade aonde os personagens principais vivem.

Roland Emmerich nos leva a uma tribo primitiva, aonde mora D’Leh (Steven Strait), um jovem filho de um homem que abandonou a comunidade em um momento de crise. Quando o filme começa, D’Leh já está em idade de se tornar um guerreiro e, abalado pelo ato do pai (o qual ele não pretende repetir), tem a oportunidade perfeita de se tornar um herói quando a mulher que ele ama, Evolet (Camilla Belle), é seqüestrada e transformada em escrava.

A motivação principal de D’Leh, além, é claro de se transformar em um grande homem, é evitar a extinção de sua tribo. Portanto, ao longo de “10.000 A.C.”, veremos o jovem embarcar em uma jornada que inspirará outras tantas tribos a lutarem pela mesma causa que ele. Aqui, temos a desculpa perfeita para o diretor Roland Emmerich criar um clima épico, com uma trilha sonora imponente, cenários grandiosos, frases de efeito e cenas de batalha.

No entanto, “10.000 A.C.” é um filme cheio de erros. O primeiro deles está no roteiro. Se Roland Emmerich e Harald Kloser tivessem se fixado na lenda que envolve a personagem Evolet, tudo correria bem; mas eles insistem em criar outras lendas que tiram o foco daquilo que era para ser o principal. Entretanto, o mais grave dos equívocos de “10.000 A.C.” é os efeitos visuais – o que chega a ser uma surpresa, já que Emmerich fez obras do porte de “O Dia Depois de Amanhã” e “Independence Day”. Em algumas cenas, estes efeitos chegam a ser muito grosseiros e artificiais. Ou seja, eles não nos passam aquela naturalidade. Você nota que o elemento visto em tela é puro resultado de um computador.

Cotação: 4,0

10,000 A.C. (10,000 B.C., EUA, Nova Zelândia, 2008)
Diretor(es): Roland Emmerich
Roteirista(s): Roland Emmerich, Harald Kloser
Elenco: Steven Strait, Camilla Belle, Cliff Curtis, Joel Virgil Vierset, Affif Ben Badra, Mo Zinal, Nathanael Baring, Mona Hammond, Marco Khan, Reece Ritchie, Joel Fry, Omar Sharif, Kristian Beazley, Junior Oliphant, Louise Tu'u

Sangue Negro (There Will Be Blood, 2007)

Tudo o que você precisa saber sobre Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis, numa performance que lhe rendeu o Oscar 2008 de Melhor Ator), o personagem principal de “Sangue Negro”, filme do diretor e roteirista Paul Thomas Anderson, está nas primeiras cenas da obra. Plainview é dedicado, trabalhador, obstinado e um visionário. Em poucos anos, sai da posição de um mísero garimpeiro para a de magnata do petróleo. E, para chegar a esse ponto, Daniel segue fielmente princípios que considera importantes como família, ambição e riqueza nos negócios.

Estas características não só marcam a personalidade de Daniel Plainview. Tais valores são extremamente familiares à sociedade norte-americana. Desde cedo, eles são acostumados à competição e, por isso, são estimulados a continuarem seguindo o propósito de tantas outras gerações: seguir uma boa carreira e ter um padrão de vida imponente. Para ilustrar essa gana norte-americana, Paul Thomas Anderson centra toda a sua trama em uma matéria-prima tão cobiçada pela terra do Tio Sam: o petróleo.

Baseado livremente no livro “Oil”, de Upton Sinclair, “Sangue Negro” mostra a ascensão social – e comercial – de Daniel Plainview. Dono de um negócio familiar – seu sócio é o filho H.W. Plainview (Dillon Freasier) –, Daniel vai em busca de oportunidades em uma pequena comunidade chamada Little Boston. Lá, o empresário compra praticamente todos as fazendas e expande seus negócios. Na medida em que vai sendo, cada vez mais, consumido pela ganância, Daniel começa a ser confrontado com a figura antagônica de Eli Sunday (Paul Dano, excelente), pastor de uma igreja local, e que tem a função de relembrar Daniel dos pecados que ele tenta tão bem esconder.

Cinco anos separam “Embriagado de Amor” de “Sangue Negro”. Nesse meio tempo, Paul Thomas Anderson ajudou Robert Altman (diretor com quem ele é constantemente comparado) a finalizar “A Última Noite”. O que este último trabalho do diretor e roteirista nos mostra é muita maturidade. Anderson fez um verdadeiro épico sobre como a ganância e a ambição podem consumir tanto um homem a ponto de ele não ter medo de tirar ninguém de seu caminho. O filme não é daqueles que causa um efeito imediato na platéia. Ele exige tempo, consideração e vontade de compreender suas nuances. Características essas que fazem de um filme uma obra permanente e que ultrapassará a barreira do tempo.

Cotação: 8,5

Sangue Negro (There Will Be Blood, EUA, 2007)
Diretor(es): Paul Thomas Anderson
Roteirista(s): Paul Thomas Anderson (com base no livro de Upton Sinclair)
Elenco: Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Martin Stringer, Kevin J. O'Connor, Jacob Stringer, Matthew Braden Stringer, Ciarán Hinds, Dillon Freasier, Joseph Mussey, Barry Del Sherman, Russell Harvard, Harrison Taylor, Stockton Taylor, Colleen Foy, Paul F. Tompkins, Kevin Breznahan

Jogo de Cena (2007)

Um anúncio de jornal convida mulheres maiores de 18 anos e que possuem uma história interessante para contar a comparecerem ao Teatro Glauce Rocha, no Rio de Janeiro. Oitenta e três mulheres responderam ao pedido. Dos relatos feitos por elas, o diretor Eduardo Coutinho selecionou 23 histórias. Durante o filme “Jogo de Cena” não assistimos a todos estes relatos, e sim a uma série de retratos da vida real, contados por mulheres que têm alguma coisa em comum.

Você vê nos olhos delas que elas possuem uma vida de sofrimento, de dor e de perdas. Algumas se viram diante de uma gravidez não planejada. Outras tiveram um rompimento abrupto de um relacionamento. No entanto, todas estas mulheres compartilham de um sentimento de esperança e de vontade de viver. É justamente isso que dá unidade ao documentário.

O diretor Eduardo Coutinho usa um formato muito interessante em “Jogo de Cena”. Sem nos avisar, ele alterna os relatos das histórias feitos por aquelas que as vivenciaram com a interpretação desses mesmos acontecimentos por atrizes profissionais (como Mary Sheyla, Marília Pêra, Andréa Beltrão e Fernanda Torres). A impressão que a platéia tem é a de exposição total, especialmente porque vemos essas atrizes em momentos de muita vulnerabilidade, em que elas expõem seus processos de composição de personagem. “Jogo de Cena” é um filme que instiga as reações de sua platéia ao brincar conosco. A não ser nos casos das atrizes conhecidas, fica muito difícil saber quem é a profissional e quem é a pessoa comum. Dessa maneira, o documentário mostra de maneira pungente como a própria vida, muitas vezes, acaba se confundindo com a arte.

Cotação: 8,3

Jogo de Cena (Jogo de Cena, Brasil, 2007)
Diretor(es): Eduardo Coutinho
Elenco: Marília Pêra, Fernanda Torres, Andréa Beltrão, Mary Sheyla, Gisele Alves Moura, Débora Almeida, Sarita Houli Brumer, Lana Guelero, Jack Brown, Maria de Fátima Barbosa, Aleta Gomes Vieira, Marina D'Elia, Claudiléa Cerqueira de Lemos

De Olho no Oscar 2009 - "Defiance"

Gênero: Drama/Guerra

Diretor: Edward Zwick

Roteiro: Clay Frohman, Clayton Frohman, Edward Zwick (com base no livro de Nechama Tec)

Elenco: Daniel Craig, Liev Schreiber, Jamie Bell, George MacKay, Alexa Devalos, Mia Wasikowska, Mark Margolis, Mark Feuerstein

Sinopse: Baseado na história real de três irmãos judeus (Craig, Schreiber e Bell), que escapam de uma Polônia ocupada pelo nazismo e acabam parando em uma floresta localizada na Bielorússia. Lá, eles irão construir uma vila e salvarão mais 1200 outros judeus de morrerem pelas mãos do ditador alemão.

Por quê ficar de olho? A Academia de Artes e Ciências Cinematográficas adora filmes sobre a resistência ao nazismo. Edward Zwick, apesar de nunca ter sido indicado ao Oscar de Melhor Diretor, possui uma estatueta conquistada como um dos produtores de “Shakespeare Apaixonado”. Os filmes de Zwick são mais lembrados pela Academia nas categorias de atuação, mas algo em “Defiance” nos leva a crer que a obra quebrará essa escrita, já que o diretor tem ao seu lado uma ótima equipe formada pelo compositor James Newton Howard, o diretor de fotografia Eduardo Serra, a edição de Steven Rosemblum e os figurinos de Jenny Beavan.

Data de estréia: Dezembro de 2008, nos Estados Unidos. Ainda sem data de estréia definida no Brasil.

Meu Monstro de Estimação (The Water Horse, 2007)

O monstro do Lago Ness já foi bastante explorado pelo cinema causando uma sensação de medo, apreensão e suspense. No caso de “Meu Monstro de Estimação”, do diretor Jay Russell (“Brigada 49” e “Vivendo na Eternidade”), esta figura lendária é usada para representar os sentimentos de amor, amizade e esperança. Isso deixa de parecer estranho quando conhecemos o contexto no qual se passa a trama do filme (que foi escrita por Robert Nelson Jacobs, tendo como base o livro de Dick King-Smith). Estamos em plena II Guerra Mundial e o garoto Angus McMorrow (Alex Etel) – que mora numa imponente casa com a mãe Anne (Emily Watson) e a irmã Kirstie (Priyanka Xi) – vive atormentado pela lembrança do pai Charlie (Craig Hall), que foi servir na guerra.

Angus é solitário e, ao mesmo tempo em que sente uma atração, teme a inconstância dos mares. Em uma de suas andanças pela praia, ele acaba recolhendo um objeto – que, saberemos mais tarde, é um ovo do qual nascerá uma criatura lendária dos mares. A partir do momento em que Crusoé (o tal ser marítimo) vem ao mundo, se estabelece entre ele e Angus um relacionamento puro e que, de certa maneira, supre o garotinho da ausência que ele sente do pai e faz com que ele, a mãe a irmã sejam uma família novamente.

Há que se exaltar a linhagem de filmes infantis dos últimos anos – e da qual os exemplares mais interessantes têm sido, além desse “Meu Monstro de Estimação”, “Ponte Para Terabítia” e “As Crônicas de Nárnia – O Leão, a Feiticeira e o Guarda-Roupa”. Tais obras possuem uma qualidade estética bem interessante e uma trama que não é açucarada demais. Ou seja, os filmes mostram às crianças que o mundo em que elas vivem tem parcelas de dor, sofrimento e perdas; mas que a magia e a capacidade de acreditar que tudo pode ficar melhor existe e devemos ter fé nisso.

Cotação: 6,2

Meu Monstro de Estimação (The Water Horse, EUA, Inglaterra, 2007)
Diretor(es): Jay Russell
Roteirista(s): Robert Nelson Jacobs (com base no livro de Dick King-Smith)
Elenco: Bruce Allpress, Eddie Campbell, Ben Chaplin, Peter Corrigan, Brian Cox, Carl Dixon, Alex Etel, Nathan Christopher Haase, Craig Hall, Ian Harcourt, Rex Hurst, William Johnson, Megan Katherine, Elliot Lawless, Lorraine McDonald

Mutum (2007)

A palavra Mutum pode significar uma ave de plumagem negra, com topete com penas encrespadas e lisas e um bico de cores vivas. Pode também se referir ao que é mudo. Mas, no caso do filme de mesmo nome da diretora Sandra Kogut (que co-escreveu o roteiro da obra ao lado de Ana Luiza Martins Costa), o vocábulo se refere à denominação de um município brasileiro que fica localizado no Estado de Minas Gerais. É nesse lugar isolado que mora Thiago (Thiago da Silva Mariz) e sua família – a qual é formada pelo pai (João Miguel), pela mãe (Izadora Fernandes) e pelos irmãos Felipe (Wallison Felipe Leal Barroso), Juliana (Maria Juliana Souza de Oliveira), Brenda (Brenda Luana Rodrigues Lima) e João Vitor (João Vitor Leal Barroso).

O filme começa quando Thiago retorna das férias que passou ao lado do tio (Rômulo Braga). O garoto tem 10 anos e é bem diferente dos meninos de sua idade. Ele gosta de ficar sozinho, tem uma certa sensibilidade e está naquela fase da vida em que tem curiosidade de saber o que se passa ao seu redor. E é justamente através do olhar dele – e das conversas que ele trava com o irmão e único amigo Felipe – que veremos como ele interpreta o mundo dos adultos que o cercam. Ao se deparar com traições, violências, silêncios e perdas, Thiago começa a deixar a sua infância para trás e a perceber qual o melhor caminho para ele seguir.

Apesar de possuir atores experientes no seu elenco, como João Miguel (de “Cinema, Aspirinas e Urubus” e “O Céu de Suely”), Luiz Carlos Vasconcelos (“Carandiru” e “Eu, Tu, Eles”) e Flávio Bauraqui (que está no ar atualmente na novela “Duas Caras”, da Rede Globo), “Mutum” é um filme que se apóia nas atuações de seu elenco infantil – em especial na do garoto Thiago da Silva Mariz. Aqui, a gente tem que destacar o trabalho da preparadora de elenco Fátima Toledo (que também mostrou sua competência em filmes como “Tropa de Elite”, “Cidade Baixa”, “O Céu de Suely” e “Cidade de Deus”). Apesar de Thiago Mariz demonstrar algumas limitações em determinadas cenas, ele carrega o filme sozinho – o que é uma responsabilidade enorme – passando uma sensação de genuinidade. Ele é a alma e o coração de “Mutum”.

Cotação: 9,7

Mutum (Mutum, Brasil, 2007)
Diretor(es): Sandra Kogut
Roteirista(s): Ana Luiza Martins Costa, Sandra Kogut (com base no livro de J. Guimarães Rosa)
Elenco: Thiago da Silva Mariz, Wallison Felipe Leal Barroso, Maria Juliana Souza de Oliveira, Brenda Luana Rodrigues Lima, João Vitor Leal Barroso, João Miguel, Izadora Fernandes, Rômulo Braga, Paula Regina Sampaio da Silva, Maria das Graças Leal Macedo, Pedro Trovão, Luiz Carlos Vasconcelos, Flavio Bauraqui, Raimundo Nonato Soares da Silva, Eduardo Moreira

4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias (4 luni, 3 saptamani si 2 zile, 2007)

Até chegar ao fim de sua primeira meia-hora, o filme “4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias”, do diretor e roteirista Cristian Mungiu, pode enganar bastante a gente. Acompanhamos duas amigas – Otilia (Anamaria Marinca, numa excelente atuação) e Gabriela Dragut (Laura Vasiliu) – repassando um “check list” antes que Gabriela (a quem Otilia chama carinhosamente de Gabita) viaje. Na realidade, Gabriela não vai fazer viagem alguma. Ela vai se ausentar por uns três dias da república estudantil aonde mora com a amiga, pois vai fazer um aborto – o título da obra é uma referência ao tempo de gravidez dela.

No entanto, este não é o único elemento surpreendente do filme “4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias”. Toda a jornada que leva desde os preparativos, a espera no quarto de hotel, o aborto e a recuperação após a eliminação do feto é vista pelos olhos de Otilia. Com medo do que está por vir, Gabita pede a amiga que arranje tudo – inclusive o contato final com Bebe (Vlad Ivanov, excelente), a pessoa que irá realizar o procedimento de aborto – de forma que ela só compareça ao quarto de hotel reservado para se livrar daquilo que a está incomodando.

A trama do filme se passa em um momento de mudança para a população romena, nos últimos dias do regime comunista do ditador Nicolae Ceausescu. E, como estamos testemunhando o que está acontecendo com Gabita através dos olhos de Otilia, veremos como este dia irá modificá-la profundamente. A cada furo no planejamento (e – acredite – tudo que poderá dar errado neste dia ocorrerá), vemos Otilia repensando sua própria vida – inclusive o relacionamento com o compreensivo Adi (Alexandru Potocean), um cara que a ama de verdade e que, provavelmente, nunca deixaria acontecer com ela o que está se passando com Gabita.

Vencedor da Palma de Ouro do Festival de Cinema de Cannes, em 2007, “4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias” é um exercício de fazer (e de assistir) cinema completamente diferente para aqueles que estão acostumados com os filmes norte-americanos. O diretor e roteirista Cristian Mungiu deixa um único plano, sem mudar qualquer ângulo de câmera, por minutos em tela. Além disso, os diálogos – quase sempre – são vistos através de um só personagem (não importa quantas pessoas estejam em cena). São decisões arriscadas, mas que dão um resultado ótimo.

Cotação: 8,5

4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias (4 luni, 3 saptamani si 2 zile, Romênia, 2007)
Diretor(es): Cristian Mungiu
Roteirista(s): Cristian Mungiu
Elenco: Anamaria Marinca, Laura Vasiliu, Vlad Ivanov, Alexandru Potocean, Ion Sapdaru, Teodor Corban, Tania Popa, Cerasela Iosifescu, Doru Ana, Eugenia Bosânceanu, Marioara Sterian, Adi Carauleanu, Ion Grosu

O Caçador de Pipas (The Kite Runner, 2007)

Baseado no best-seller mundial de autoria de Khaled Hosseini, “O Caçador de Pipas”, do diretor Marc Forster, é mais do que um relato da saga de uma família afegã, tendo como pano de fundo as diversas mudanças políticas que ocorreram no país (ou seja, o domínio soviético e, posteriormente, o regime talibã). A obra, na realidade, faz uma discussão profunda sobre valores morais e éticos, como a honestidade e a lealdade. Para tanto, utiliza a figura de Amir (Zekeria Ebrahimi quando jovem e Khalid Abdalla quando mais velho), filho de um rico afegão (o ótimo Homayoun Ershadi), e que – durante a infância – omite a verdade a respeito de algo e é esta lembrança que o fará voltar ao seu país natal muitos anos depois de ele e seu pai terem migrado para os Estados Unidos.

Assim como um outro filme baseado numa importante obra literária (“Desejo e Reparação”, de Joe Wright), a trama de “O Caçador de Pipas” é movida pelo desejo de consertar algo do passado. No ano de 1978, na cidade de Cabul (Afeganistão), Amir passava seus dias ao lado do garoto Hassan (Ahmad Khan Mahmidzada, excelente). Filho do criado da família, Hassan era tratado como se fosse um irmão de Amir. No entanto, a vontade de Amir em ser visto como um garoto forte e valente pelo pai fará com que ele tome uma série de atitudes que culminarão com o afastamento de Hassan e seu pai de Amir e seu Baba. 20 anos depois, quando recebe uma ligação de um amigo da família chamado Rahim Khan (Shaun Toub), Amir terá a oportunidade de “ser bom de novo”.

Falando assim parece que “O Caçador de Pipas” possui uma trama bastante simples. Mas, acontece justamente o contrário. O livro de Khaled Hosseini é bem denso e escrito de uma forma que deixa o leitor completamente inserido dentro da realidade de Amir. A adaptação do diretor Marc Forster tem várias qualidades (a música de Alberto Iglesias, a fotografia de Roberto Schaefer e as performances de seu elenco), mas peca justamente no roteiro de David Benioff (“A Última Noite” e “Tróia”). Está óbvio para aqueles que leram o material original que o roteirista teve um enorme respeito com a obra de Hosseini. No entanto, na ânsia de condensar o material, Benioff deixa de fora alguns detalhes que são importantes para compreender o tipo de relacionamento que existia entre Amir e Hassan e que nos ajudam a entender o porquê da volta de Amir ao Afeganistão não ser uma obrigação, e sim uma questão de honra.

Tendo dito isso, o maior problema do filme “O Caçador de Pipas” é não conseguir fazer com que o espectador seja cúmplice de Amir em sua jornada. A gente acompanha tudo por uma distância segura. Se a graça da leitura é a gente mergulhar no universo imaginado pelo escritor, o que a gente espera de um filme é a capacidade de sermos transportados para aquele mundo apresentado pelo diretor durante a projeção. Marc Forster, que já provou ser capaz de fazer isso em filmes como “Mais Estranho que a Ficção” e “Em Busca da Terra do Nunca”, deixou a sensibilidade em casa e fez um trabalho extremamente burocrático. O que é uma pena, pois “O Caçador de Pipas” é um livro que transborda emoção.

Cotação: 7,3

O Caçador de Pipas (The Kite Runner, EUA, 2007)
Diretor(es): Marc Forster
Roteirista(s): David Benioff (com base no livro de Khaled Hosseini)
Elenco: Khalid Abdalla, Homayon Ershadi, Zekeria Ebrahimi, Ahmad Khan Mahmidzada, Shaun Toub, Nabi Tanha, Ali Dinesh, Saïd Taghmaoui, Atossa Leoni, Abdul Qadir Farookh, Maimoona Ghizal, Abdul Salam Yusoufzai, Elham Ehsas, Ehsan Aman, Vsevolod Bardashev

De Olho no Oscar 2009 - "Miss Pettigrew Lives for a Day"

Gênero: Comédia

Diretor: Bharat Nalluri (da minissérie “Tsunami – The Aftermath”)

Roteiro: David Magee (“Em Busca da Terra do Nunca”) e Simon Beaufoy

Elenco: Amy Adams, Frances McDormand, Ciáran Hinds, Lee Pace

Sinopse: Guinevere Pettigrew (Frances McDormand) é uma governanta inglesa de meia-idade e que acaba de ser demitida do seu emprego. Em busca de uma nova oportunidade de trabalho, ela acaba entrando no mundo glamuroso da atriz norte-americana Delysia Lafosse (Amy Adams).

Por quê ficar de olho: Amy Adams já provou seu talento cômico em “Encantada” e promete ter um ano de 2008 excelente com esse projeto e o drama “Doubt”. Frances McDormand num papel inédito em sua carreira. A direção de arte (de Sarah Greenwood – “Desejo e Reparação” – e Katie Spencer) e os figurinos (de Michael O’Connor) prometem entrar na briga pela indicação à estatueta dourada. Além disso, o filme tem um quê nostálgico que pode agradar bastante os votantes da Academia – o último filme nesse estilo (“Sra. Henderson Apresenta”) conseguiu duas indicações ao Oscar 2006.

Data de Estréia: 07 de Março de 2008 (nos Estados Unidos). Ainda sem lançamento definido no Brasil.